EL ANIMAL INVISIBLE: imagen digital

Mostrando entradas con la etiqueta imagen digital. Mostrar todas las entradas

lunes, 18 de mayo de 2020

Marcel Van Luit y sus ensueños digitales antrozoológicos

Pasamos de los sueños de animales de Valentín Valhonrat a los ensueños antrozoológicos de , sin duda un trabajo mucho más espectacular visualmente, bonitista y también mas obvio o prosaico, que no sabemos bien dónde situar.

Por un lado conecta con la irrefrenable corriente de artistas de la edición digital que inunda las redes apuntándose a cierta reivindicación naturalista, y por otro encaja en un esteticismo un tanto acaramelado de un retorno a un edén donde todas las criaturas son hermosas y conviven en armonía.

Una de esas tipologías de trabajos que colmarían las expectativas de los anaqueles de tiendas de decoración post-new-age que venden y empaquetan con lazos de productos naturales sueños supuestamente poéticos y conservacionistas. La belleza femenina como estereotipo vinculada a la madre naturaleza, los niños en convivencia idílica con hermosas fieras salvajes y otros muchos tópicos tal vez ya vistos pero sin duda defendidos con una convicción y un primoroso alarde técnico que acaba por transportarnos e invitarnos a dejarnos llevar por puro placer.

Marcel Van Luit

Podríamos achacar a Van Luit muchos de los tópicos que hacíamos recaer tangencialmente sobre el trabajo de mayor calado de Gregory Colbert, genuínamente fotográfico pese a sus excesos en la edición, pero Van Luit practica el fotomontaje digital desde una perspectiva casi pictórica, con ciertos visos de surrealismo de sala de bienestar económico, algo tal vez lleno de contrasentidos pero demasiado ilustrativo de los tiempos que vivimos para ser ignorado.

Además, pese a la inicial acidez con que comentamos su obra y el empalago que a menudo nos produce, seríamos hipócritas si negásemos la calidad de su ejecución o el placer estético que muchas de ellas nos producen, y, al fin y al cabo, la diversidad en el mundo del arte ha de ser aceptada como un bien necesario y no excesivamente puntilloso.

Creemos que el trabajo de Van Luit, recursos técnicos aparte, se aproxima estéticamente más al de pintores como Kate Bergin, Tiffany Bozic,Will Wilson, o tantos otros autores que hemos comentado en nuestras selecciones.

Marcel Van Luit

El artista confiesa que se limita a dejarse llevar por las composiciones en las que vuelca un imaginario que recoge tanto su amor por la naturaleza como por la belleza de las formas y la evocación del amor por sus hijos, sus juegos y sus propias fantasías infantiles compartidas, y eso es un punto de partida tan honesto como otro cuaquiera.

Al fin y al cabo, lo hace impulsado por las secuelas de una enfermedad que lo alejó de su cotidianeidad laboral y limitó su movilidad hasta el punto de necesitar un escape más allá del espacio y de su propio confinamiento, lo cual es sin duda oportuno para ilustrar ciertos efectos sintomáticos de la pandemia global que nos ha confinado colectiva y preventivamente en los tiempos en que se publica este comentario.

Marcel Van Luit

Descubrimos sus fotomontajes y animaciones digitales a través de un artículo on line de Cultura Inquieta, que no en vano dedica su título a "Los maravillosos mundos imaginarios de fantasía y realismo de Marcel Van Luit".

En dicho artículo se reivindica la necesidad de soñar con lo inexistente:

Este artista holandés tiene la capacidad de crear increíbles mundos fantásticos en los que no nos importa saber que no existen porque, a menudo, soñar es necesario.

Marcel Van Luit

Así fue también en su caso, cuando Van Luit necesitaba salir más allá de su realidad y sus anhelos acabaron por materializarse.
A día de hoy, el artista se dedica tanto a realizar su trabajo personal como encargos para particulares.

«Transformé mis sueños en piezas de arte. Mi mayor inspiración es mi propia imaginación y mis hijos. Me encanta mezclar ilusión con realidad para crear mundos completamente nuevos: mundos en los que amo a mis dos hijos, mundos en los que quiero escapar cuando la vida está demasiado ocupada. Cuando usas tu imaginación, todo es posible»,
expone el artista en su página web.

Marcel Van Luit

«Me encanta jugar con oscuridad y luz, creo que van de la mano. Al igual que en la vida real, lo bueno y lo malo pueden ir de la mano y de la oscuridad puede nacer la luz. Mi trabajo es sobre la esperanza, son lecciones de vida para mis hijos, mensajes de amor y confianza en el que les digo que todo es posible, que solo tienen que creer en ello»,

continúa Marcel que nació y creció en Groningen, una ciudad al norte de los Países Bajos.
No siempre se ha ganado la vida como artista, trabajaba como trabajador social y acababa de tener a Otis, su primer hijo, cuando de repente su vida pegó un giro de 360º.

Marcel Van Luit

Marcel cayó enfermo y le diagnosticaron GBS (Síndrome de Guillain-Barré), una enfermedad muy rara que le llevó a estar, durante mucho tiempo, completamente paralizado. Después de varios meses en el hospital fue trasladado a un centro de rehabilitación y no volvió a su casa hasta un año después.

Cuando aún seguía en silla de ruedas pero por fin la parte superior de su cuerpo empezaba a funcionar, empezó a buscar un pasatiempo que le obligara a ejercitar sus dedos y manos.

Marcel Van Luit

Cada vez que su hijo le visitaba, tomaba todas las fotos suyas que podía, no podía llevarle a ninguna parte así que en un momento dado comenzó a reproducir mundos de ensueño para crear las aventuras que no podían vivir físicamente; así es como empezó todo.

Marcel descubrió un nuevo talento y una pasión que fue desarrollando hasta conseguir este juego tan característico de su obra entre luz y oscuridad y su realismo fantástico. Y de ahí, a contar con cerca de 200.000 seguidores en Instagram y a exponer en ciudades como París, Miami, Brasil, Amsterdam, entre otras, estas maravillosas fotografías que nos invitan a perdernos en otros mundos y a seguir creyendo que todo es posible.

Marcel Van Luit: Website | Instagram

Marcel Van Luit

Aunque hemos selecionado algunas imágenes más de Van Luit que reclaman nuestra atención por ser más sobrias, no hemos podido evitar ofreceros también algunas de las más reiterativas o recurrentes, como sus retratos oníricos de leones y otros grandes felinos, o algunas de sus composiciones de animales cubiertos de flores y vegetación que conectarían en cierto modo con lo que ya habíamos visto en Hellen Jewett a través de la escultura y la integración del animal en un abigarrado paisaje idílico que simboliza el obstinado rebrote de la vida como algo bello y esperanzador.

Creo también necesario, dado que no podemos abarcar toda la extensión de su producción, ni toda la tipología de imágenes (damos prioridad a las de tema antrozoológico, que, de todas formas son las más abundantes y significativas) pero sobre todo, porque no os quedéis sólamente con las estampas estáticas,

Marcel Van Luit

queremos que la curiosidad os lleve a visitar su cuenta de Instagram, para contemplar sus cinemagraphs y fotomontajes en formato de Gif animado, porque en movimiento y con sonido muchas de las imágenes no sólo corroboran ciertas obviedades que comentábamos al inicio de la entrada, sino que también, por contrapartida, remiten a un tipo de experiencia sensorial evocadora y cargada de onirismo que el artista

Marcel Van Luit

quiere

Marcel Van Luit

compartir, y sin duda encuentra con ello un medio para conectar con gran parte de su creciente público, que le ha obsequiado con un seguimiento cada vez mayor que ha propiciado sus numerosas exposiciones y su éxito como artista gráfico, cosa que nos alegra al margen de cualquier otra consideración.

Marcel Van Luit

Enlaces:

http://www.marcelvanluit.com/

https://www.instagram.com/marcel_van_luit/

Entradas relacionadas:

Fotógrafos de animales. Una mirada crítica a la fotografía de Gregory Colbert.

Kate Bergin da nueva vida a la naturaleza muerta.

Pintura y naturalismo simbólico en Will Wilson

Vadim Solovyov y su invasión de animales salvajes gigantes

Animalidad humana y percepción. Las enseñanzas del fotomontaje.

Christophe Huet y la manipulación fotográfica con animales. Publicidad y antrozoología.

Vivian el perro se va a Brooklyn. Mitch Boyer. (Arte y refragmentación I)

Animales en la publicidad y publicidad de concienciación animal. Publicidad y Ecologia.

Les Creatonautes y los animales simbólicamente vacíos. Fotomontajes y quimeras de internet.

La imagen animal, la fotografía y la publicidad. Muestra ejemplar del estudio de Joan Garrigosa.

Fotografía y animales: Los "Selfies" de Diomedia para National Geographic, por Silvio Medeiros, Pedro Galdi y Marcos Medeiros.

Fotografía y publicidad conservacionista. El retorno a la metonimia fotográfica de Andreas Lie por Robin Wood.

sanctuary: un agresivo proyecto visual de concienciación ambiental

Animales vinculados a sus paisajes mediante la estética de la doble exposición fotográfica, por Andreas Lie y el antecedente del paisaje como soporte de sí mismo en las genuinas fotografias de Abe Morell.

Sarah DeRemer. Quimeras y photoshop.

Híbridos humano-animal. Antrozoología pictórica y surrealismo: Matthew Grabelsky.

miércoles, 11 de marzo de 2020

Cartoons fosilizados por el artista checo Filip Hodas. De vuelta a la anatomía comparada y la caricaturización de los recursos museísticos.

Filip Hodas : Canaria Tweetea (Cartoon Fossils)

Tanto desde un punto de vista profesional como teórico y académico hemos abordado con interés cuestiones al respecto de los recursos expositivos, las escenografías y las volumetrías en el ámbito de las exposiciones temáticas y los museos científicos y de historia natural.

El discurso expositivo de los museos y los recursos escultóricos, escenográficos y visuales empleados han generado todo un imaginario conceptual cargado de múltiples connotaciones que también ha sido abordado por muchos artistas de forma más o menos crítica y a menudo irónica o caricaturesca. A algunos de ellos, como Joan Fontcuberta, Luis Castelo, Manuel Barbero, Hyungko Lee, Jonathan Latiano, Patrick Gries o Michael Paulus les hemos dedicado comentarios concretos en este blog, y aunque algunos utilizaban la fotografía o el dibujo y la ilustración como medio de expresión, lo cierto es que la mayoría se decantaba por la escultura y las volumetrías porque este tipo de realizaciones suelen ser las más idóneas para proporcionar una experiencia de tránsito sensorial en los espacios expositivos de los museos y en las exposiciones temáticas.

Las artes aplicadas al servicio de la divulgación científica han construído todo un imaginario de los contenidos científicos, de conceptos asociados a la biología y la zoología, por ejemplo, que son anclados a recordatorios visuales que los ilustran, que los ejemplifican y que acaban calando en el imaginario colectivo. El discurso de exposición documental de los museos es plagiado y puesto en duda por Pere Formiguera y Joan Fontcuberta en "Fauna Secreta", mediante la fotografía (proyecto homenajeado por caricaturas posteriores como la del fotógrafo Xavier Mulet) o por Richard Wilkinson mediante la infografía, es complementado técnica y artísticamente por el fotógrafo Levon Bliss, o llevado a la sublimación entre arte y ciencia por las preparaciones de Adam Summers o de Iori Tomita. Otros, desde sus propias interdisplinaridades, como el fotógrafo naturalista, acuarista y paisajista Takashi Amano, han enriquecido tanto los conocimientos científicos como los recursos técnicos, conceptuales y artísticos de ambos mundos, el de la biología y el arte.

Filip Hodas

En otras ocasiones también hemos dedicado parte de nuestro tiempo a observar las implicaciones de trabajos de artistas digitales, infógrafos en 3D, que han ejercitado la escultura y las volumetrías virtualmente, eludiendo los soportes materiales reales aunque sus obras sean conocidas a través de las redes sin apenas distinción de aquellos que ejercen la talla y el modelado en el taller, de los cuales un ejemplo claro sería Mat Szulik con sus tallas de madera virtuales.

Filip Hodas, el artista cuya obra contemplamos hoy, pertenecería a esta categoría.

No sólo recrea infografías que flirtean con el arte conceptual y la escenografía en series inspiradas en la fotografía documental y de naturaleza con propuestas futuristas distópicas que atañen a iconos culturales, sino que recientemente ha llevado los mismos recursos técnicos a una propuesta estética muy similar a las esculturas anatómicas caricaturescas de Hyungko Lee, recreando vitrinas museísticas con los restos fósiles de personajes de la cultura popular audiovisual extraídos principalmente de los dibujos animados.

Filip Hodas

Así, si en series anteriores proponía un mundo postapocalíptico en que muchos de estos personajes y otros referentes del cine, la ciencia ficción, los videojuegos, la ilustración y los dibujos animados cobraban forma aparentemente material para que la naturaleza tomase posesión de ellos en forma de ruina o vestigio, ahora Hodas hace la misma propuesta que Lee pero dejando constancia únicamente de las imágenes que a través de la red aparentarán documentar el vestigio material, biológico, de muchos de estos personajes.

La ficción de Hyungko Lee ofrece una experiencia directa y real en forma de auténticas esculturas que falsifican y carticaturizan vestigios anatómicos no exentos de cierta coherencia científica. Quien no haya visto sus exposiciones en directo puede formar parte de su público mayoritario, que las conoce a través de las fotografías que de ellas circulan por las redes, cuyo soporte digital en formato JPG es idéntico al que nos da a conocer las infografías de Filip de Hodas, lo cual no deja de ofrecer una interpretación de calado más profundo que la simple broma meramente estética, decorativa o superficial que impregna los comentarios de las páginas web en las que podemos observarlas, como podría darse en el artículo original de BoredPanda donde las hemos descubierto nosotros:

El artista 3D Filip Hodas ha convertido esto en realidad, en su serie de ilustraciones Cartoon Fossils, donde muestra los cráneos de famosos personajes de dibujos animados, como el Tío Gilito o Bob Esponja.

Además, cada uno lleva divertidos nombres en latín de su “especie” y el año que aparecieron en televisión por 1ª vez.

Filip Hodas

Además, no es la primera vez que este artista residente en Praga nos sorprende con sus alucinantes imágenes.

Ya nos asustó anteriormente con sus ilustraciones del apocalipsis de la cultura pop.

No te pierdas esta exposición virtual de sus obras y la entrevista con el artista sobre su inspiración y proceso de creación.

“Tras terminar la colección de 12 imágenes de Pop Culture Dystopia,

estaba bastante quemado y quería hacer algo distinto".

Entonces se dedicó a crear composiciones coloridas con cráneos animales y se subió al tren de artistas 3D que crean personajes de animación realistas.

“Mezclé los ingredientes y esto es lo que salió.”

“Desde pequeño me interesaban mucho los dinosaurios y sus fósiles. De mayor, me siguieron encantando los cráneos, y los dibujaba a menudo. Al comenzar con la ilustración 3D, los cráneos fueron de las primeras cosas que al menos tenía idea de cómo esculpir. En retrospectiva, la primera que hice y de la que estuve orgulloso era terrible.”

Decíamos en una entrada anterior sobre la caricaturización de la anatomía comparada por diversos artistas:

Michael Paulus

Por regla general, el arte figurativo se focaliza en reproducir o representar el aspecto superficial de los sujetos y objetos. No obstante, en el caso de la recreación de figuras humanas y zoológicas, el aprendizaje acerca de las estructuras internas de los cuerpos pasa por el conocimiento de la ilustración científica basada en estudios de anatomía interna. Los cuerpos desollados han servido de modelo para reproducir el aspecto que presentan huesos, músculos, nervios y demás órganos internos para comprender, desde el punto de vista del artista, el porqué de la motricidad específica de cada especie o individuo, el porqué de cada relieve que aflora en su piel, la exacta colocación de los huesos, qué músculo se contrae en una determinada pose, cómo se compensan los pesos para equilibrar el cuerpo en tal o cual posición, etc.

El conocimiento gráfico de la anatomía humana y animal acabó desembocando en plena era de la ilustración en lo que hoy conocemos como anatomía comparada gracias a la labor de estudiosos como Buffon o Cuvier, debido en gran parte a su capacidad de observación sustentada en sus notables dotes para el dibujo. El arte y la ciencia casi siempre han ido de la mano. De hecho, ya en la antigüedad clásica, los escultores griegos demostraban un apabullante conocimiento de la mecánica anatómica y el preciso comportamiento de los diferentes grupos musculares, a veces incluso los más minúsculos o aparentemente insignificantes.

Michael Paulus

Muchos son los estudios anatómicos de grandes artistas que han pasado a la posteridad, y no pocos los ejemplos de obras acabadas inspiradas por los esquemas gráficos propios de la didáctica encaminada a recordar las interacciones mecánicas entre huesos y músculos. Una vez que estas imágenes desolladas son bien conocidas, no sólo sirven de base para la realización de obras naturalistas, sino también, en ocasiones, un fin en sí mismas. Hyungko Lee, por ejemplo, en busca de una cierta coherencia anatómica que justifique las estilizaciones propias de personajes bien conocidos de los dibujos animados.

Jonathan Latiano

Otros, como Jonathan Latiano, se inspiran en las formas leñosas de los restos vegetales para forzar claras analogías con esqueletos de forma bastante oportuna, dado que en su caso recreaba esqueletos de delfines fluviales con restos arbóreos muertos arrastrados por las corrientes de los ríos que antaño habitaban. Evocando las representaciones plásticas de los museos y gabinetes de historia natural llegamos a ejemplos como los exquisitos acabados de las recreaciones de los Blaschka finalmente fotografiadas por Guido Mocafico que mostrábamos en nuestra entrada precedente, pero, tratándose de invertebrados, no hay huesos y los órganos internos se intuyen por el carácter traslúcido de sus cuerpos.

Hyungko Lee

El humor, la ironía, han alimentado los trabajos de artistas como Hyungko Lee. Un ejemplo de especulación anatómica notable es el de las obras de Jason Freeny, a quien injustamente no habíamos dedicado todavía comentario alguno. Freeny nos demuestra que la caricatura es aplicable a la anatomía y viceversa: la anatomía puede ser deducida con cierta coherencia o rigor científico a partir de caricaturas o de personajes imaginarios.

Michael Paulus

No es esencialmente diferente de lo que hace también Michael Paulus en sus dibujos anatómicos de personajes de los cómics y los dibujos animados, pero sin duda, al tocar las volumetrías con sofisticadas técnicas, consigue sacarles las tripas a las típicas reproducciones comerciales de dichos personajes, adaptándose al particular estilo formal en los que se basa cada uno, desde la ortogonalidad de los personajes basados en piezas de Lego hasta las redondeces propias de los muñecos hechos con globos inflables, en claro homenaje a ciertas obras de Jeff Koons.

Jason Freeny

Así, si Patrick Gries consigue piezas de arte fotográfico a partir de autenticas preparaciones de estudios óseos, Hyungko Lee se imagina cómo sería hacer exactamente lo mismo con anatomías caricatrurizadas como los personajes de Disney o de las Looney Toones de Warner.
De Freeny os ofrecemos una selección de trabajos (difícil, porque su producción es muy extensa, tanto en forma de escultura o volumetría física como en diseños 3D digitales) y un extracto de un interesante artículo con entrevista publicado originalmente por Iris Hoekstra para The Creator's Project. (Comentario al respecto de una muestra de los dibujos de Michael Paulus que habíamos añadido a un artículo orginal de spacemosphere dedicado al dibujante)

Jason Freeny

A la vista de estos referentes podemos contextualizar mejor el alcance de la obra de Filip Hodas y el universo estético y conceptual que la precede, por lo que de algún modo establece inevitablemente no sólo una observación crítica de la cultura pop y su iconografía, o de la cultura científico-museística y su iconografía, sino de los artistas que ya han jugado el mismo juego con anterioridad mediante técnicas plásticas matéricas. El valor añadido de Hodas, como en el caso de Mat Szulik, reside en el soporte digital y en la virtualidad, la intangibilidad de sus piezas, protegidas por vitrinas virtuales intocables dentro de la vitrina en que hemos convertido nuestras pantallas de ordenador, remitiendo, una vez más, al cuadro dentro del cuadro magrittiano.

Mafa Alborés

Filip Hodas, Pop Culture Dystopia: