Imagen y percepción. Los principios de la imagen raster, los telares y el ejemplo de los retratos bordados de Cayce Zavaglia

Siguiendo la estela de nuestra anterior entrada, volvemos a los mundos fronterizos entre pintura y fotografía, pero ahora no desde la recreación fotográfica de pinturas ilustres  o la sustitución digital de elementos o personajes de imágenes bien conocidas de la historia del arte sino desde el análisis de los elementos físicos que componen el soporte ópticamente visible, perceptible, de la imagen.
Del mismo modo que Seurat analizó mediante el puntillismo la composición del color, o, tal y como constataron los primeros experimentos de Du Hauron para componer imágenes fotográficas en color (que le llevaron casualmente al redescubrimiento de los anaglifos de Rollman para patentar el primer sistema 3D con gafas), los artistas han experimentado con todo aquello que sirve a nuestro cerebro para identificar objetos y colores en la realidad y en sus diferentes formas de reproducción y representación.
La pintura impresionista delataba las enseñanzas de la fotografía y de los nacientes sitemas fotomecánicos de reproducción de imágenes en una nueva era marcada por la revolución industrial y los descubrimientos científicos. El tiempo se aceleraba al acelerarse los medios industriales utilizados por los medios de difusión cultural escritos e impresos, así como los transportes de los que se servían para su distribución. Nacía la locomotora, la fotografía y los sistemas industriales de producción, cuyo primer representante indiscutible fue el telar. Pero el telar no solamente constituye la primera máquina que encarna el espíritu de la revolución industrial y el advenimiento de una nueva sociedad, sino que produce telas estampadas bajo pautas ortogonales que constituyen una forma embrionaria de imagen digital rasterizada, como ya lo fueran en su día las pautas aplicadas a los cartones para la elaboración de tapices.
Hoy en día, tanto los sitemas de estampación como en general todos los procesos de reproducción de imágenes han evolucionado tanto y se han combinado tanto entre sí que a menudo no somos del todo conscientes de lo poco que han cambiado sus principios básicos. El ojo sigue siendo engañado por la aliteración de partículas cromáticas que componen la imagen, y, con esta premisa, artistas como Don Eddy, Chuck Close, John de Andrea o Ron Mueck imitan hasta el más mínimo detalle las texturas que creemos observar en la realidad o en sus repoducciones fotomecánicas para darnos lecciones de hiperrealismo. Y es en este sentido que hallamos una artista que, literalmente, lo borda: se trata de Cyce Zavaglia, que se mueve entre los terrenos propios de la pintura y la fotografía a través del retrato de fuerte carga psicológica, de empático cruce de miradas, pero Zavaglia retorna a la composición cromática de las imágenes de los telares. No obstante, aunque recurre al uso de hilos multicolores para componer multiplicidad de matices cromáticos, su mano es libre de direccionar dichos hilos al igual que un mosaico romano se adapta a los contornos de las figuras que compone, a diferencia de la rigidez ortogonal de las rejillas de píxeles de las imágenes digitales de mapas de bits. El resultado, no obstante, resulta sorprendentemente exacto y "fotográfico".
Lo que me decide a traer a Cayce Zavaglia a nuestro blog no es tanto la hiperrealista y pseudopictórica calidad de sus retratos bordados, sino su decisión de mostrar como obra de aunténtico interés el reverso de éstos, que apuntan tanto a su exactitud como a su mera sugerencia visual, recordándonos todavía más a una pintura, a medio camino entre el impresionismo y el expresionismo, como si Kokoschka sustituyese sus pinceles por carretes de hilo, agujas y bastidores de tela.

COLOSSAL ha dedicado ya tres posts a esta artista, de los que extraemos parte de las imágenes de nuestra entrada, junto con algunas seleccionadas de su página web, que os recomiendo visitéis, así como las entradas de COLOSSAL para disfrutar al completo de los comentarios de Chrsitopher Jobson y de los videos que muestran los procesos de trabajo de Zavaglia.








COLOSSAL


http://www.thisiscolossal.com/2014/11/thread-paintings-densely-embroidered-portraits-by-cayce-zavaglia/


Cayce Zavaglia creates these impossibly layered embroidered portraits using methods more akin to delicate brush strokes with perfectly mixed paint than your mother’s cross-stitch. Via her website:

Initially, working with an established range of wool colors proved frustrating. Unlike painting, I was unable to mix the colors by hand. Progressively, I created a system of sewing the threads in a sequence that would ultimately give the allusion of a certain color or tone. The direction in which the threads were sewn had to mimic the way lines are layered in a drawing to give the allusion of depth, volume, and form. Over time the stitches have become tighter and more complex but ultimately more evocative of flesh, hair, and cloth.

 Stitch by stitch and color by color St. Louis based figurative artist Cayce Zavaglia (previously) utilizes her background as a painter to embroider excruciatingly detailed portraits that look almost like photographs. The process, which she refers to as a “renegade approach to embroidery”, begins with a photo-shoot consisting of 100-150 portraits from which she selects the best image and then moves to the canvas where she works with one ply embroidery thread on Belgian linen to create each piece which is often not larger than 8″ x 10″. Her four most recent works, some of which are included above, will be shown at Art Miami through Lyons Wier Gallery in December. I highly encourage you to watch the video above by Garrett Zavaglia to see quite a bit more detail about how she works.

When scouring through the minute details of artist Cayce Zavaglia’s embroidered portraits (previously), it’s difficult imagine each work is scarecely larger than 8″ x 10″. Her process, which she refers to as both “thread painting” and “renegade embroidery,” begins with a photoshoot of each subject, namely friends, family, and fellow artists. Roughly 100-150 photos are winnowed down to a single selection which she then begins to embroider with one-ply embroidery thread on Belgian linen. She shares via her artist statement:

Over the years, I have developed a sewing technique that allows me to blend colors and establish tonalities that resemble the techniques used in classical oil painting. The direction in which the threads are sewn mimic the way brush marks are layered within a painting which, in turn, allows for the allusion of depth, volume, and form. My stitching methodology borders on the obsessive, but ultimately allows me to visually evoke painterly renditions of flesh, hair, and cloth.

Zavaglia is also interested with the backs of her portraits, a tangled mesh of thread and knots resembling a more abstract version of the exacting portrait on the reverse. In a return to her roots as a painter, she creates gouache and large format acrylic paintings of the backsides, effectively creating a painting of an emboirdery of a photograph. Included here are several works from the last two years including works that will be on view at Art Miami this December through Lyons Wier Gallery. (via Booooooom)

http://www.caycezavaglia.com/

http://www.thisiscolossal.com/2012/10/new-photorealistic-portraits-hand-embroidered-by-cayce-zavaglia

http://www.thisiscolossal.com/2014/11/thread-paintings-densely-embroidered-portraits-by-cayce-zavaglia//

Michael Mapes. Reconocimiento de rostros. Reconocimiento de retratos. Reconocimiento de procedimientos científicos.

Una auténtica vuelta de tuerca a la tipología de obras fotográficas acerca del problema del reconocimiento de rostros y parecidos, que ya habíamos tratado en entradas anteriores, es lo que propone en sus trabajos el neoyorkino Michael Mapes.
Sus obras constituyen un reto a nuestra percepción tanto por la vía puramente sensorial como a través de los filtros de nuestro aprendizaje y nuestra cultura visual. Arte, ciencia y métodos expositivos de ambos mundos son puestos al alcance del juicio crítico del expectador como ya habían hecho en su momento artistas como Joan Fontcuberta y Pere Formiguera en su Fauna Secreta, pero esta vez a modo de deconstrucción del discurso museístico tanto de las disciplinas artísticas como de las científicas. El resultado es fascinante y abrumador por su laboriosidad, amén de constituir una hermosa y sugestiva modernización de la técnica del mosaico en la era de los mapas de bits y las imágenes digitales.

Hemos extraído la información y las imágenes de sendas entradas de COLOSSAL, a nuestro juicio el mejor punto de información on line de la actualidad artística más interesante, cuya visita recomendamos reiteradamente desde nuestro blog.

Con cientos de diminutos fragmentos fotográficos, cápsulas de gelatina, lupas, bolsas de plástico y alfileres de insectos, el artista de Nueva York, Michael Mapes crea collages que son a partes iguales retratos y muestras científicas. Para su último trabajo Mapes utiliza fotografías de pinturas de maestros holandeses (Rembrandt, Nicolaes Eliasz Pickenoy y otros) como fuente de inspiración para las cajas de muestras a gran escala. Las fotos deconstruidas, junto con miríadas de otros materiales  efectivamente se han transformado en un collage de una pintura de una persona. 

"Las muestras son parte de mi serie más reciente de obras de análisis principalmente de retrato holandés. En este trabajo, he deconstruido el sujeto original, en un sentido tanto figurado como literal mediante la disección de las fotos de una pintura y de considerar las formas en que las partes podrían servir para inspirar nuevas piezas dentro de la reconstrucción para sugerir significados únicos y complejos. He hecho estas obras con el uso de una metáfora visual que sugiere un método pseudocientífico trabajando específicamente con materiales y procesos que remiten a la ciencia entomológica, biológica y forense."

Tres de estas obras estarán abiertas al público como parte de una exposición titulada ' Face to Face' en el Museo de Arte de Yellowstone en Montana a partir del 20 de marzo de 214. (a través de Juxtapoz , DesignBoom )

Dutch Paintings Recreated Using Thousands of Photographic and Scientific SpecimensJanuary 9, 2014

Dutch specimen MT1639, 2013. 28″w x 34″ h x 3.5″ d. Photographic prints, insect pins, pinning foam, gelatin capsules, glass vials, painted canvas, cast resin, pill organizer, plastic specimen bags, cotton thread, costume jewelry, sequins.

Dutch specimen MT1639, detail.

Dutch specimen MT1639, detail.

Dutch female specimen: J, 2013. 28″w x 34″ h x 3.5″ d. Photographic prints, insect pins, pinning foam, gelatin capsules, glass vials, test tubes, paint samples, cast resin, magnifying boxes, plastic specimen bags, cotton thread.

Dutch female specimen: J, detail.

Case no. 1627, female-Dutch, 2013. 29″w x 13″ h x 3″ d. Photographic prints, insect pins, pinning foam, gelatin capsules, glass vials, optometrist lens, paint samples, modeling clay, dried botanical matter, fabric, magnifying box, plastic specimen bags, cotton thread.

Case no. 1627, detail.

Case no. 1627, detail.

With hundreds of tiny photographic fragments, gelatin capsules, magnifiers, plastic bags and insect pins, New York artist Michael Mapes (previously) creates collages that are equal parts portraiture and scientific specimen. For his latest works Mapes used photographs of paintings by Dutch masters Rembrandt, Nicolaes Eliasz Pickenoy and others as inspiration for large scale specimen boxes. The deconstructed photos along with myriad other materials have effectively been transformed into a collage of a painting of a person. Of the work Mapes shares:

The samples are part of my most recent series of work examining Dutch Master Portraiture. In this work, I deconstruct the original subject, in both a figurative and literal sense by dissecting photos of a painting and considering ways in which the parts might serve to inspire new parts within the reconstruction to suggest unique and complex meanings. I’ve done these works with the use of a visual metaphor suggesting a pseudoscientific method specifically working with materials and processes signifying entomological, biological and forensic science.

Three of these works will be on view as part of an exhibition titled ‘Face to Face’ at the Yellowstone Art Museum in Montana starting March 20, 214. (via Juxtapoz, Designboom)

Photographic Specimens by Michael MapesMay 2, 2012

New York artist Michael Mapes creates elaborate specimen boxes by dissecting photographs and then compartmentalizing individual fragments within plastic bags, glass vials, magnifiers, in gelatin capsules and on insect pins. The boxes exist in an uncanny area between photography and sculpture, functioning both as portraits and as fascinating scientific canvases that make you question the the logic behind the organization of each piece. See more of his work over at Parlor Gallery, and if you liked this also check out the work of David Adey. (via lost at e minor)