Flores de Team Lab o el arte tecnológico que evoca a la naturaleza

Enlazamos oportunistamente los trabajos de Kathleen Ryan con una instalación de Team Lab que nos recuerda inevitablemente a ciertos trabajos de Makoto Azuma que habíamos vinculado a otras obras artísticas con flores y plantas en una entrada anterior.

La reivindicación del mundo natural a través de las manifestaciones artísticas tiene algo de paradójico, porque cuanto más destruimos el entorno natural y nos alejamos de él, más valor damos a los elementos naturales, convirtiéndolos en joyas de la naturaleza revalorizadas como mercancía de contemplación estética. El arte es una forma de preservación de recuerdos del mundo natural en sus inicios y no ha dejado de seguir practicando este fin en los últimos tiempos. Ofrecer experiencias sensoriales que nos devuelvan al contacto con el mundo natural, pero con un distanciamiento intelectual que a la vez imposibilita dicho contacto de manera genuina.

Añoramos un entorno natural idealizado, benévolo y hermoso, que propicie un estado físico y espiritual pacífico y armónico con nuestra propia condición natural, pero el mero hecho de reflexionar sobre ello nos desvincula de una relación ordinara con la naturaleza, de la que extraemos y destacamos tan sólo aquello que nos beneficia o misteriosamente nos conmueve sensorial y estéticamente. Tal y como se nos informa desde la entrada original de ArtPeople, las intervenciones artísticas de Team Lab a las que hacemos hoy referencia apuntan en esta problemática dirección:

Perdidos en la naturaleza, donde los límites entre el jardín artificial y el bosque no están claros, podemos sentir que existimos en una relación continua y sin fronteras entre la naturaleza y los humanos. Es por esta razón que teamLab decidió crear una exposición en este vasto espacio laberíntico, para que las personas se pierdan y se sumerjan en la exposición y en la naturaleza.

Por todo ello  nos ha parecido interesante, oportuno, y coherente con las selecciones habituales de El Animal Invisible, recoger el testimonio de esta instalación y ofreceros el comentario de ArtPeople al respecto:


Las flores parecen florecer y marchitarse en una instalación receptiva 
(por teamLab, artpeopleadmin, 14 de septiembre de 2019)

El parque Mifuneyama Rakuen de 500,000 metros cuadrados fue creado en 1845, durante el final del período Edo. En el límite del parque se encuentra el famoso árbol sagrado Okusu de 3.000 años de antigüedad del Santuario Takeo. También en el corazón del jardín hay otro árbol sagrado de 300 años. Conociendo la importancia de esto, nuestros antepasados ​​convirtieron una parte de este bosque en un jardín, utilizando los árboles del bosque natural. El límite entre el jardín y el bosque salvaje es ambiguo, y cuando deambulan por el jardín, antes de darse cuenta, la gente se encontrará entrando en el bosque y los senderos de animales. Engarzada en el bosque está la deidad Inari Daimyojin rodeada por una colección de rocas casi sobrenaturales en su formación. Hace 1.300 años, el famoso sacerdote Gyoki llegó a Mifuneyama y talló 500 Arhats. Dentro de las cuevas del bosque hay figuras de Buda que Gyoki talló directamente en la roca que aún permanece en la actualidad.

El bosque, las rocas y las cuevas de Mifuneyama Rakuen se han formado durante mucho tiempo, y las personas de todas las edades han buscado significado en ellas a lo largo de los milenios. El parque que conocemos hoy se encuentra en la cima de esta historia. Es la relación continua entre la naturaleza y los humanos lo que ha hecho que la frontera entre el bosque y el jardín sea ambigua, manteniendo este patrimonio cultural hermoso y agradable.

Perdidos en la naturaleza, donde los límites entre el jardín artificial y el bosque no están claros, podemos sentir que existimos en una relación continua y sin fronteras entre la naturaleza y los humanos. Es por esta razón que teamLab decidió crear una exposición en este vasto espacio laberíntico, para que las personas se pierdan y se sumerjan en la exposición y en la naturaleza.

Existimos como parte de una continuidad eterna de vida y muerte, un proceso que ha continuado durante un tiempo abrumadoramente largo. Sin embargo, es difícil para nosotros sentir esto en nuestra vida cotidiana, quizás porque los humanos no pueden conceptualizar fácilmente el tiempo por períodos más largos que sus propias vidas. Hay un límite en nuestra comprensión de la continuidad del tiempo.

Al explorar el bosque, las formas de las rocas gigantes, las cuevas y el bosque nos permiten percibir y comprender mejor ese tiempo abrumadoramente largo sobre el que se formó todo. Estas formas pueden trascender los límites de nuestra comprensión de la continuidad del tiempo.

El proyecto de teamLab, Digitized Nature, explora cómo la naturaleza puede convertirse en arte. El concepto del proyecto es que la tecnología digital no material puede convertir la naturaleza en arte sin dañarla.

Estas obras de arte exploran cómo las formas de rocas gigantes, cuevas, bosques o el jardín donde la naturaleza ha existido continuamente en contacto con la vida de las personas, hacen posible crear un lugar donde podamos trascender el límite en nuestra comprensión de la continuidad. de tiempo y sentir la larga, larga continuidad de la vida. Las obras fomentan una vez más la contemplación del significado de "vida continua" que ha existido durante muchos años en Mifuneyama.

                            


Pueden ver más esculturas e instalaciones animadas por computadora en el sitio web de teamLab y Vimeo.

You can view more computer-animated sculptures and installations on teamLab’s website and Vimeo. 

Submit your Artwork and join our artists @
https://www.artpeoplegallery.com/register/ TO BE FEATURED. https://www.facebook.com/becomesupporter/109328009139524/
https://www.artpeoplegallery.com/

https://www.artpeoplegallery.com/flowers-appear-to-blossom-and-wither-in-a-responsive-installation-by-teamlab/

Entradas relacionadas:

joyas de la naturaleza y joyas de la podredumbre por Kathleen Ryan

Naturaleza y artificio. Arte, botánica y bioarte. Flores congeladas y taxidermia botánica. Makoto Azuma y Elkebana.

¿Agricultura o Bioarte? El árbol de las cuarenta frutas de Sam Van Aken.

Tánato-antrozoología fotográfica: Richard Learoyd, Diana Scherer y Natura Morta de Maria Ionova Gribina (Naturaleza muerta y fotografía IV

Roland Reiss y el recurso expresivo del diorama.

Personas devoradas por la Madre Naturaleza...incitada por Carl Redback

escultura y animales: especies que se funden con su biotopo por Ellen Jewett

bioarte / biograffiti. Anna Garforth.

Fronteras entre arte textil y bioarte. Bordados naturalistas de Emma Matson y alfombras de vegetación sobre alfombras Persas por Martin Roth

Fotografía de estudio al natural: Sanna Kannisto. Honestidad artística y documental.

Plantas y plástico. Naturaleza y artificio por Veronika Richterová.

La precisión acotada de la flora de Macoto Murayama.

Welwitschia. Botánica entre la realidad y la ficción.

Paisajismo, ecologismo y bioarte. Acuarios y fotografía. Takashi Amano.

Peces y pescado. Carl Warner. Paisajes de comida.

Naturaleza y artificio. Recreación de paisajes subcuáticos. Los mejores acuarios de 2015.

Escenografías naturalistas. Dioramas en miniatura por Jorge Mayet y las enigmáticas obras polidisciplinares de Levi van Veluw.

analogías orgánicas: insectos y plantas de Hiroshi Shinno

Tiffany Bozic o la influencia de la ilustración científica en la pintura.

Fitocefalia y más zoocefalia info-fotográfica de Miguel Vallinas

Allá por el 2013, Christopher Jobson, desde COLOSSAL, se fijaba en los peculiares trabajos de fotomontaje de Miguel Vallinas dedicándole un comentario en una de sus entradas. Tres años más tarde vuelve a hacerlo en un nuevo artículo, hace apenas un mes, en que rescata de nuevo al artista argentino en su peculiar combinación de fotografía de studio, retrato, fotografía de moda y retrato animal. El recurso tópico de la zoocefalia y los personajes zoocéfalos parece agradar a Jobson, porque muchos de los trabajos artísticos con este recurso comentados en nuestro blog aparecían también en COLOSSAL, más tarde o más temprano, cuando no los descubríamos directamente entre sus selecciones.
Tal vez es suficiente con una vez para experimentar con esta propuesta, pero al parecer Vallinas intenta ir un poco más allá o apropiarse de algún modo del derecho a ser identificado como ejemplo emblemático de una tendencia que para muchos críticos es un recurso tal vez excesivamente facilón. Lo cierto es que el retrato fotográfico de animales siempre se ve afectado por la subjetividad especista humana, que tiende a mantener confusas las fronteras entre los personajes zoomorfos y los antropomorfos, precisamente por el ancestral problema que supone diferenciarse como especie por oposición a todas las demás, la reticencia a considerarnos sencillamente animales, peculiares, tal vez, pero animales al fin.
La vestimenta a pasado a ser una seña de identidad humana respecto a los demás animales, pero ha acabado por ser un índice tribal y social. Juzgamos a los demás por su aspecto físico, muy condicionado por el entorno social al menos en apariencia reflejado en la vestimenta, condicionada por la moda y la economía.



Según el comentario de Jobson, en esta ocasión Vallinas quiere seguir experimentando estéticamente con el mismo recurso para dejar clara la profundidad de su reflexión, añadiendo un nuevo elemento simbólico además de las cabezas de animales: plantas.
Plantas que simbolizan la naturaleza en cuanto que enraizadas en la tierra, apuntando a un origen primigenio. Pero la imagen que Vallinas ofrece de las plantas es doméstica, en forma de ramo o florero, con lo que no hace sino reforzar la idea de hasta qué punto el ser humano transforma el entorno natural alejándose de su genuina condición.

Mafa Alborés


Os ofrecemos a continuación un extracto de la entrada original de Christopher Jobson dedicada a estas nuevas cabezas-florero y cabezas animales de Miguel Vallinas:


En su larga serie de retratos segundas pieles, el artista Miguel Vallinas utiliza retratos fotográficos de la vida silvestre como punto de partida para la construcción de armarios de ficción que imagina que cada animal podría usar si se vistiera como un ser humano. Vallinas tiene una extraña habilidad para seleccionar los colores y texturas perfectos para cada equipo que fotografía, otorgando a los animales un claro sentido del carácter y una autenticidad inusual.
En la superficie, Second Skins es una serie de retratos de humor garantizados para una sonrisa, pero al ahondar un poco más profundo Vallinas sugiere que las imágenes revelan más de la naturaleza humana que del reino animal. En concreto, la forma en que percibimos a las personas basándonos en la apariencia y la forma de crear narrativas en nuestra mente basados ​​enteramente en lo que vemos. Vallinas dice que también está examinando los elementos de la autopercepción, específicamente "lo que creemos que somos, lo que otros pensamos que somos, lo que realmente somos, y lo que le gustaría ser".
Para su último cuerpo de trabajo titulado Raíces, Vallinas nuevo explora la identidad a través de ramos de flores igualmente vestidos o plantas emparejadas con el traje apropiado. Se puede ver mucho más en su página web.


Christopher Jobson


http://www.miguelvallinas.com/

http://mafa-elanimalinvisible.blogspot.com.es/search/label/zooc%C3%A9falo

http://www.thisiscolossal.com/2016/01/second-skins-miguel-vallinas/

New Portraits of Fashionably Dressed Wildlife and Floral Bouquets by Miguel Vallinas by Christopher Jobson on January 18, 2016

In his long-running portrait series Second Skins, artist Miguel Vallinas (previously) uses photographic portraits of wildlife as a starting point to construct fictional wardrobes that he imagines each animal might wear if it were dressed as a human. Vallinas has an uncanny ability to select the perfect colors and textures for each outfit he photographs, bestowing the animals with a clear sense of character and an unusual authenticity.
On the surface, Second Skins is a humorous series of portraits guaranteed for a smile, but dig a bit deeper and Vallinas suggests the images reveal a more about human nature than the animal kingdom. Specifically, how we perceive people based on appearance and how we create narratives in our mind based wholly on what we see. Vallinas says he is also examining elements of self-perception, specifically “what we believe we are, what others think we are, what we really are, and what we would like to be.”
For his latest body of work titled Roots, Vallinas again explores identity through similarly dressed boquets of flowers or plants matched with remarkably fitting attire. You can see much more on his website.

• 
  
• 42
• 
  

See related posts on Colossal about animals, anthropomorphic, fashion, humor, plants, portraits.

Naturaleza y artificio. Arte, botánica y bioarte. Flores congeladas y taxidermia botánica. Makoto Azuma y Elkebana.

Mafa Alborés: "Las sombras del bosque", tinta y gouache sobre papel

Ramos, arreglos florales, "Ikebana", son formas ornamentales a medio camino entre la escultura y la taxidermia botánica, si es que tal término es lícito. Reflexionamos sobre ello a través de los trabajos de Makoto Azuma , y traemos a colación los trabajos de la firma "Elkebana" inspirados en la taxidermia zoológica.

Los ramos de flores y el arte floral en general son una excelente ilustración de los límites entre naturaleza y artificio. Ya lo hemos comentado en anteriores entradas, y nos llamaba la atención que, aunque hay gente que padece fobias particulares hacia las flores, cuya presencia en forma de ramo las intimida, y las flores son símbolo de muchas cosas a la vez, además de una referencia sexual prácticamente explícita (recordemos, por ejemplo, las series fotográficas de flores de Robert Mapplethorpe), la presencia de flores o plantas cortadas no suele levantar airadas protestas semejantes a las que despierta la taxidermia o las manifestaciones artísticas que emplean animales vivos, o muertos en cualquier sistema posible de conservación.

A veces se habla de bioarte sin establecer claramente sus fronteras. Técnicamente, la obra de arte debería estar viva para ser bioarte, como el conejo fluorescente de Kac o incluso las formas de vida virtual autónoma de Deac, pero dudo que se trate de bioarte cualquier obra que incluya animales vivos o muertos. El arte floral ¿es bioarte? Tal vez lo sea, u del modo más genuíno, pues la muerte de las flores determina el fin de la existencia de la pieza, a no ser que recurra a las flores secas, o artificiales. Tal vez estas son las preguntas que Makoto Azuma desea que nos hagamos al contemplar sus instalaciones ocupadas por arreglos florales conservados en bloques de hielo que nos remiten a peceras tanto como a matraces de conservación, terrarios tal vez, féretros de cristal para preservar la belleza de las blancanieves del mundo vegetal. Dado que otras de sus instalaciones sí utilizan plantas vivas, en forma de bonsai o de sorprendentes epífitas en situaciones extremas, no nos cabe duda de que estamos ante muestras particulares de los límites del bioarte.



Realizar una escultura con un árbol gigante puede ser considerado tanto un atentado a la naturaleza como un último homenaje a su belleza, dependiendo de si el árbol ha sido talado para realizar tal obra, como en el caso de los enormes y hermosamente exquisitos tambores rituales japoneses, o si simplemente la madera de su cadáver ha sido transformada sin más utilidad que ofrecer una nueva perspectiva de su imponente estructura.






http://www.thisiscolossal.com/2015/02/elkebana-symmetrical-flower-arrangements/

• DESIGN

Elkebana: Symmetrical Flower Wall Trophies Inspired by Japanese ‘Ikebana’ Flower Arrangementsby Christopher Jobson on February 3, 2015

If you enjoy the aesthetic appeal of animal antlers but hate the idea of taxidermy, Elkebana might be just the thing for your cabin walls. The wall-mounted system relies on symmetrical sets of flowers or tree branches and gets its name from ikebana, the Japanese art of flower arrangement. You can see more over on their website. (via Colossal Submissions)

Makoto Azuma



http://www.thisiscolossal.com/2015/01/iced-flowers-exotic-floral-bouquets-locked-in-blocks-of-ice-by-makoto-azuma/

Iced Flowers: Exotic Floral Bouquets Locked in Blocks of Ice by Makoto Azumaby Johnny Strategy on January 20, 2015

The self-described botanic artist Makoto Azuma is trying to change the way we look at flowers. He’s used water and the stratosphere as backdrops for his exotic flower arrangements but now he’s experimenting with ice. In his latest exhibition “Iced Flowers,” Azuma locks floral bouquets in large blocks of ice and displays them like pillars. Placed in an inorganic chamber, the “flowers will show unique expressions that they do not display in everyday life,” says Azuma. The installation, held last week in Japan, was temporary by nature but the artist made sure to preserve the images. (syndicated from Spoon & Tamago)





http://www.thisiscolossal.com/2012/12/an-underwater-bonsai-by-makoto-azuma/

An Underwater Bonsai Tree by Makoto Azumaby Christopher Jobson on December 27, 2012

In his continued forays into experimental botany that blur the lines between art and science, artist Makoto Azuma (previously) has reimagined the bonsai tree, one of the oldest Japanese artforms. This latest work titled Water and Bonsai, began with a dead branch from a juniper tree which was carefully attached to java moss meant to simulate the form of leaves. The entire piece was then submerged into a modified hydroponic environment similar to some of his earlier aquatic plantscapes replete with LEDs, a filtration system, and C0₂ emissions that encourage photosynthesis. See more over on Spoon & Tamago.




http://www.thisiscolossal.com/2014/07/makoto-azuma-uses-the-stratosphere-as-a-backdrop-for-his-latest-floral-art/

Makoto Azuma Uses the Stratosphere as a Backdrop For His Latest Floral Artby Johnny Strategy on July 22, 2014

Last week Japanese botanic artist Makoto Azuma attempted to go where most artists only dream of going: to space. In a project titled Exbiotanica, last week Azuma and his crew traveled to Black Rock Desert outside Gerlach, Nevada. In the dead of night Azuma’s project began. The team launched two of Azuma’s artworks – a 50-year old pine suspended from a metal frame and an arrangement of flowers – into the stratosphere using a large helium balloon. The entire project was documented, revealing some surreal photographs of plants floating above planet earth. “The best thing about this project is that space is so foreign to most of us,” says John Powell of JP Aerospace. “So seeing a familiar object like a bouquet of flowers flying above Earth domesticates space, and the idea of traveling into it.” (syndicated from Spoon & Tamago)





http://www.thisiscolossal.com/2015/01/delicate-vessels-sculpted-with-pressed-flowers-by-ignacio-canales-aracil/

Delicate Vessels Sculpted with Pressed Flowers by Ignacio Canales Aracilby Christopher Jobson on January 23, 2015

Spanish artist Ignacio Canales Aracil creates vessels reminiscent of upside-down baskets using nothing but pressed flowers. The art of flower pressing dates back thousands of years; pressed flowers were reportedly discovered in a 3,000-year-old coffin of Tutankhamun’s mother in Egypt, and both Greek and Roman botanists were known to preserve plants using techniques that continue today. But Aracil’s method is a bit different, relying on large cone-shaped molds into which carefully woven patches of hand-picked flower stems are placed. The pieces dry for up to a month without the aid of adhesives and are sprayed with a light varnish to protect the sculpture from moisture. The final pieces, which could be crushed with even the slightest weight, are rigid enough to stand without support.
Aracil currently has work as part of a group show at Lucia Mendoza gallery in Madrid through the end of February, and you can see much more over on his website.






http://www.thisiscolossal.com/2015/02/handmade-resin-bangles-embedded-flowers-and-bark/?utm_source=feedburner&utm_medium=feed&utm_campaign=Feed%3A+colossal+%28Colossal%29

Handmade Resin Bangles Embedded with Flowers and Barkby Christopher Jobson on February 9, 2015

Hand-made in Coos Bay, Oregon, these resin bangles are infused with plants, leaves, flowers, shells, and strips of bark. Much of what you see here is available through Faerie and dozens of additional pieces are available through Etsy. (via Crafty Allegieance)

Mafa Alborés: Boceto para decoración naturalista en Zoo de Barcelona

Árboles gigantes y escultura

Mafa Alborés durante la construcción de un baobab artificial

No creo que necesite recordaros mis vinculaciones con las escenografías naturalistas. Construir árboles de plástico constituyó mi particular modus vivendi durante un tiempo en el que contacté con empresas especializadas que nos podrían contar mucho acerca de cómo reproducir con fidelidad el aspecto externo de grandes árboles, como Gabriel Ruíz (Gecco 3D) o Ramón López (Quagga), así como formas minerales, animales, etc. Por eso me siento especialmente conmovido, no sé si positiva o negativamente, por la obra de John Grade a partir de una árbol de 140 años, o ante el descubrimiento de que la obvia similitud de la sección transversal de un árbol con un disco de vinilo sugiera a otros artistas  averiguar qué música saldría de sus surcos.

Quagga
http://www.quagga.cat/Projectes/Fauna/


Gecco 3D
http://www.gecco3d.com/feina.php?lang=0&idf=21

Giant Tree Sculpture Cast from the Trunk of a 140-Year-Old Hemlockby Christopher Jobson on February 2, 2015

Photo by John Grade

Recently unveiled at the MadArt space in Seattle, Middle Fork is the lastest sculptural work by artist John Grade who worked with countless volunteers to realize this enormous scale mold of a 140-year-old tree.
The process began a year ago when Grade and a crew of assistants scaled a Western Hemlock tree in North Bend, Washington with help of a team of arborists. At nearly 90 feet in the air they created sectional plaster molds of the living tree which were carefully lowered and transported back to the MadArt space over a period of two weeks. Over the next 12 months, hundreds of volunteers (some who walked in right off the streets) helped to create a hollow sculpture of the tree using hundreds of thousands of small wood blocks. The final piece was carefully sanded down and is now suspended in the gallery. Watch the video below to see how it all came together.
Middle Fork is the first exhibition at the new MadArt space in Seattle and will be on view through April 25th before it goes on tour to galleries and art fairs around the U.S. In two years the pieces will be transported to the base of the living tree from which the mold was taken where they will decay and disintegrate back into the ground.

Photo by John Grade

Photo by John Grade

Photos by John Grade

Photos by John Grade

Photos by John Grade

Photos by John Grade

Photo by Tim Detweiler

Photo by Katie Wood

• 95
• 
  

See related posts on Colossal about installation, sculpture, trees, wood.

Also on Colossal...

• Sculptor Zheng Chunhui Spent 4 Years Carving the World’s Longest Wooden Sculpture
• Wake: A Walkway of Severed Purple Logs by Michael McGillis
• “Guerilla” Tree Sculptor in North Yorkshire Identified (is not Banksy)
• The Art of Trees
• New Wooden Cityscapes Sculpted with a Bandsaw by James McNabb