El quadre dins cada quadre / El cuadro dentro de cada cuadro. Marta Córcoles.

"Rius d'or"

Dedicamos la entrada de hoy al trabajo pictórico de Marta Córcoles, quien nos sirve de excusa para volver a referirnos a ciertas cuestiones que atañen a los objetos artísticos como tales en base a convenciones establecidas entre los creadores y el público, compartidas i biunívocas, que afectan al significado que otorgamos a los objetos.

"Cos habitat"

Me tienta añadir algo de texto significativo al comentario de sus trabajos, y tal vez nos daría para reflexionar sobre el oficio de artista, el arte de la enseñanza y la enseñanza del arte. Es algo que hago de vez en cuando con trabajos de antiguos alumnos y/o conocidos, pese a que suelo evitarlo para evitar endogamia, y, además, suelo enlazarlo con los temas a los que dedico el blog (relaciones entre ciencia y arte, imagen y zoología, percepción visual crítica) y no suele pasar que mencione trabajos puramente pictóricos desvinculados de las ciencias naturales o su divulgación.

Pero en este caso, prefiero dejarme llevar por la casualidad y las circunstancias, por encontrarme a punto de justificar lo que hago ante un organismo oficial que en el fondo nos ignora a todos los implicados, por haber vuelto al ámbito del dibujo artístico y por pillarme estudiando aspectos técnicos e históricos de la historia de la pintura, y porque Marta fué alumna y amiga en una etapa significativa de mi vida como profesor de ciclos artísticos en Olot, durante un par de cursos en los que, pese a estar asignado a la especialidad de medios informáticos de la que era coordinador, tenía que cubrir huecos como técnicas gráficas en ilustración e infografía para fotografía y pintura, donde las espectativas de los alumnos eran realmente variadas y personales. 

Me tocó celebrar los 222 años de la Escuela de Olot, viví la efeméride de los 25 de la de Hospitalet (ya hace tantos que debe faltar poco para los 30, si no han pasado ya) y en unas semanas estaré liado con los 50 de Badalona. Son marcas temporales, nada más, pero ayudan como pautas para marcar capítulos de nuestras vidas.

A propósito de su inminente participación e una exposición colectiva  en la sala abartium hemos reconectado y he accedido encantado a ofrecerle un texto de presentación de su trabajo, por aquello de que uno mismo no sabe qué decir de lo que produce como artista y prefiere que sea otro el que lo haga para poder observalo desde una óptica alternativa. Os lo ofrezco en primicia y os invito a los que estéis en Barcelona o busquéis una excusa para disfrutar de sus encantos naturales y culturales acudir a la cita que a mí me impiden las circunstancias:

"Arqueologia del cossos perduts"

Marta Córcoles és essencialment pintora i dibuixant, però la seva immersió en els llenguatges contemporanis l'han portat a observar el seu propi treball des de fora, en tantes ocasions que el quadre acaba per representar la pròpia pintura.El bastidor es mostra com a matèria similar a la que tanquen els seus marges, però l'artista s'encarrega de recordar-nos la convenció ancestral entre artista i espectador. Els quadres del món material remeten a quadres, paisatges i escenes del món interior, del món del pensament, però d'un món pensat a través d'imatges reflectides per matèria.Una cosa tan bàsica no deixa de ser fàcilment oblidada o ignorada fins al punt d'empènyer a l'artista a recordar-nos-ho per sentir, potser, que estem pensant en el mateix, encara que els paisatges interiors siguin subjectius i intransferibles, i l'única cosa que puguem compartir sigui la presència dels objectes que construeix, o que reconstrueix, en els marges d'altres objectes convertits en marcs i bastidors.El vell problema d'interpretació del quadre dins el quadre de Magritte és portat a l'extrem en què la realitat està feta del mateix que el quadre, sempre dins de si mateix, i en aquest bucle matèric i visual, l'artista només ens xiuxiueja suggeriments davant tan rotundes evidències.



Marta Córcoles es esencialmente pintora y dibujante, pero su inmersión en los lenguajes contemporáneos le han llevado a observar su propio trabajo desde fuera, en tantas ocasiones que el cuadro acaba por representar a la propia pintura.

"L'espera"

El bastidor se muestra como materia similar a la que encierran sus márgenes, pero la artista se encarga de recordarnos la convención ancestral entre artista y espectador. Los cuadros del mundo material remiten a cuadros, paisajes y escenas del mundo interior, del mundo del pensamiento, pero de un mundo pensado a través de imágenes reflejadas por materia.

Algo tan básico no deja de ser fácilmente olvidado o ignorado hasta el punto de empujar al artista a recordárnoslo para sentir, tal vez, que estamos pensando en lo mismo, aunque los paisajes interiores sean subjetivos e intransferibles, y lo único que podamos compartir sea la presencia de los objetos que construye, o que reconstruye, en los márgenes de otros objetos convertidos en marcos y bastidores. El viejo problema de interpretación del cuadro dentro del cuadro de Magritte es llevado al extremo en que la realidad está hecha de lo mismo que el cuadro, siempre dentro de sí mismo, y en este bucle matérico y visual, la artista sólo nos susurra sugerencias ante tan rotundas evidencias. 

Darryl Cox

En algunos casos nos recuerda. por esta reflexión sobre la convención del marco y las expectativas que genera, a Darryl Cox y su particular y directa reflexión sobre el tema convirtiendo al marco y su propio material orgánico en protagonista.

Cox nos recuerda que el artificio es una intervención sobre la naturaleza, que suele ser el objeto de representación en el arte del paisaje, por ejemplo, y Córcoles nos sugiere que todo artificio cobra significado cuando se parece a una convención que reclama una observación concreta.

"Xarxa"

Catherine Nelson

Desde luego, sería como afirmar que el problema del cuadro dentro del cuadro está en cada cuadro, sin tener que recurrir a los preciosismos técnicos de Catherine Nelson, a propósito de cuyas imágens inclusivas desarrollamos por enésima vez un comentario dentro de otro comentario.

El interés que suscitaba en nosotros la obra de Nelson, en su día, se debía a cómo constataba gráficamente la pérdida (o tal vez la ampliación) de la objetividad fotográfica al igualarse a la pintura en su formato digital. Una imagen es una imagen, pero como continente iconográfico es admisible que contenga otras imágenes, no necesariamente debido a su proceso de composición. Catherine Nelson incluye múltiples tomas fotográficas en sus imágenes compuestas, buscando ese punto limítrofe entre su coherencia y su evidente artificialidad, recordándonos de forma renovada el problema intelectual planteado por Magritte en sus caligramas y en sus series de cuadros dentro de cuadors, como "La venganza" o "Los paseos de Euclides". La imagen en la imagen. El cuadro en el cuadro. La pintura en la pintura. La pintura en la fotografía. La fotografía en la pintura. La fotografía en la fotografía.

He de decir que en su día colaboré con Córcoles en un proyecto a través de la fotografía, casi un performance destinado a ser fotografiado, en el que la artista mostraba de forma sencilla su inmersión en la pintura al igual que la pintura se sumerge en la imagen fotográfica y viceversa.

Con la ayuda de la también pintora y música Anna Gratacós, copiamos el color del suelo de típico terrazo rojo mediterráneo sobre el cuerpo de la artista para que se "sumergiera" en él por medio del maquillaje corporal en una secuencia fotográfica.

Sin saber cómo titularlo, recuerdo que al pasarle el archivo digital, para identificarlo, y asociando la pintura usada al té rojo que solíamos consumir durante las charlas en un bar cercano, anoté con rotulador "En té me meto", que al cabo de los años Marta recordaba como "Ànde me meto":

Me has hecho pensar, en que en esos días aciagos, cuando ambos intentábamos sobrevivir al invierno olotino, instintivamente, me estaba convirtiendo en pintora o la pintura se estaba convirtiendo en mí. Pintora de texturas, recicladora de sensaciones.

El límite que componían las paredes de ese apartamento, una superficie roja excelente para trabajar, para sumergirse, para agonizar (si recuperas las fotos, verás que hay alguna del tipo, "estoy siendo absorbida, ay, ay"). En esos tiempos me exponía mucho, arriesgaba hasta el tuétano (ahora también pero intento no resfriarme).

Ahora que recuerdo, utilicé un par de fotos cuando me becaron en el 2007 para desarrollar un trabajo. Concretamente hice un libro de artista, el Llibre blanc. Luego se hizo una colectiva en el Espai d'art contemporani Zero1 del Museu Comarcal de la Garrotxa, en Olot, que se tituló Mort i resurrecció de la sala 14.

Marta Còrcoles,
Anna Gratacós,
Mafa Alborés

Es un libro curioso, un libro círculo, que empieza con fotos e imágenes de mi niñez y acaba con mi barriga agigantada por el incipiente nacimiento de mi hija. Era lo que vivía en ese momento y le rendí tributo a la vida. Me parece un libro muy bonito, donde se entrecruzan muchas personas que se quedan o desaparecen, pero siempre permanecen en ti, conformando, en parte lo que eres.

Mafa Alborés: Retrato en rojo"

De hecho, en aquel momento habíamos hecho coincidir ciertos planteamientos básicos de algunas de mis fotografías anteriores, basadas en realizar un trabajo de iluminación pictórica sobre mis modelos fotografiados, tal y como Alexa Meade ha hecho recientemente con notables resultados. 

Lo cierto es que al hablar de su idea, bastó con rebuscar entre mis excedentes de maquillaje corporal y comprobar que podíamos imitar con facilidad del color del suelo de la estancia que sirvió de escenario.

Esquerda (Fragment) - 80x120
- "Xilografia gran format"

No importaban las fotos en sí, sino sencillamente documentar la acción, pero creo que tanto Marta como yo lamentamos un poco no haber desarrollado un trabajo fotográfico más elaborado, mejor iluminado y no con una sencilla compacta digital. Hay cierta conexión con otros estudios realizados por la artista posteriormente, al experimentar con procesos de estampación gráfica y, en cierto modo, buscar de nuevo entresijos entre fotografía, dibujo y pintura.

Arqueologia del cos - 122x122 - Oli, tovalloles i paper

Hedera elix - 81x122 - Oli, paper, cola blanca i branca

Escata - 81x122 - Oli i xilografia sobre paper.

Pell - 81x122 - Oli, paper i xilografia sobre pell.

http://www.martacorcoles.net/
http://mafa-elanimalinvisible.blogspot.com.es/2015/12/reflexion-naturalista-sobre-las.html

http://mafa-elanimalinvisible.blogspot.com.es/search?q=el+cuadro+dentro+del+cuadro&updated-max=2015-05-05T22:29:00%2B02:00&max-results=20&start=1&by-date=false

http://mafa-elanimalinvisible.blogspot.com.es/2012/03/la-realidad-inscrita.html

http://mafa-elanimalinvisible.blogspot.com.es/2012/03/fotografia-y-representacion-pintura-y.html

http://mafa-elanimalinvisible.blogspot.com.es/2017/09/hiroshi-sugimoto-fotografiando-dioramas.html

http://mafa-elanimalinvisible.blogspot.com.es/2014/03/del-cuadro-dentro-del-cuadro-la.html

Brian Kane nos invita a revisar la vieja cuestión del cuadro dentro del cuadro y la asociación entre ventana y paisaje.

Las imágenes autoinclusivas implícitas en el viejo problema del cuadro dentro del cuadro de Magritte
(nuestras propias reflexiones de antaño )




Creado como un conjunto de vallas a lo largo de dos carreteras de Massachusetts, "Herramienta de Sanación", traducción literal del nombre de una de las herramientas de Photoshop (“Healing Tool”), es una instalación temporal de arte público que el artista Brian Kane produjo para aliviar temporalmente el estrés y promover la introspección durante la monotonía del viaje diario al trabajo.
Las vallas digitales de Kane muestran imágenes de ambientes naturales de los alrededores en una especie de antianuncios ("unvertisements") que no promocionan nada concreto pero que reclaman la atención por el hecho de incluirse dentro del marco o cuadro que normalmente se reserva a las vallas publicitarias, llamativas en este caso por mostrar fragmentos del paisaje natural cercano, poniendo en evidencia los espacios edificados, urbanizados o artificiales que los rodean. Esta crítica al propio concepto de espacio enlaza con otras obras que Kane ha venido produciendo y que coloca experiencias digitales en situaciones del mundo real. "Herramienta de Sanación" o "tirita"es el nombre de una de las herramientas que Photoshop utiliza para parchear sobre errores en las fotografías, al igual que su proyecto está remendando sobre repuntes no naturales del paisaje (vallas publicitarias) visto desde la autopista. Tal vez lo único criticable en este planteamiento es la simpleza que reduce a artificial únicamente a aquello que no es orgánico y ha sido fabricado por el hombre, ya que cualquiera entiende que un jardín o una maceta con geranios son tan artificiales como la mayoría de los paisajes reforestados por el hombre. En todo caso, que una obra artística suscite esta reflexión es indicativo de su contenido y sus posibles lecturas. La integración de naturaleza y artificio está ligada a la de realidad y reproducción/representación en las series pictóricas que incluyen "la Venganza" o "Los paseos de Euclides" de Magritte y que ya habíamos comentado con anterioridad al respecto de las obras de Catherine Nelson, por ejemplo, y uno de los argumentos básicos que sustentan los contenidos de este blog.
Las piezas cambian dependiendo de la hora del día. Las horas del día cuentan con imágenes naturales de las zonas que rodean a las vallas, mientras que las horas nocturnas muestran imágenes de alta resolución de la luna y de la Vía Láctea, que permiten a los espectadores una visión clara del cosmos a pesar de la contaminación lumínica urbana.

Kane explica: "Al eliminar el mensaje de la comercialización del espacio publicitario, creamos un momento inesperado de introspección. A la gente se le permite interpretar una imagen basada en su propia experiencia, y no necesariamente con el enfoque singular de la intención del anunciante. "

A través del proyecto del Creador y Junkculture, COLOSSAL nos facilita los contenidos que ilustran nuestra entrada, en esta ocasión compilado y comentado por Kate Sierzputowski.



http://www.thisiscolossal.com/2015/07/brian-kanes-unvertisement-billboards/

• ART

Artist Buys Billboard Advertising Time to Display Art Instead of Ads on Massachusetts Highways by Kate Sierzputowski on July 23

All images @Brian Kane, photography by Nate Wieselquist and Simone Schiess

Created as a set of billboards along two Massachusetts highways, “Healing Tool” is a temporary public art installation by artist Brian Kane produced to temporarily relieve stress and promote introspection during one’s monotonous daily commute.

Kane’s digital billboards circulate between pictures of surrounding natural environments, creating “unvertisements” that promote nothing instead of shoving products, restaurants, and services in consumers’ faces from above. The piece builds upon a body of work Kane has been producing that places digital experiences into real world situations. “Healing Tool” is named after the Photoshop tool used to patch over errors in photographs, just as his project is patching over unnatural blips of landscape (billboards) seen from the highway.

The pieces change depending on the time of day. Daylight hours feature natural images of areas surrounding the billboards, while evening hours display high-resolution images of the moon and Milky Way that allow viewers a clear glimpse of the cosmos despite urban light pollution.

Kane explains, “By removing the marketing message from the advertising space, we create an unexpected moment of introspection. People are allowed to interpret an image based on their own experience, and not necessarily with the singular focus of the advertiser’s intent.” (via The Creator’s Project and Junkculture)

fotografiar paisajes artificiales

En una entrada reciente, realizábamos una extensa revisión de ejemplos de artistas, como

Mariele Neudecker, que formalizaban sus obras a través de las escenografías de carácter naturalista, fuera de forma directa, realizando dichas escenografías, o buscándolas en museos de historia natural, parques temáticos, zoológicos, etc. para fotografiarlas con dos intenciones contrapuestas: hacerlas pasar por espacios reales basándose en su peculiarmente engañosa fotogenia, o evidenciar su falsedad al mostrar la artificialidad de su apariencia o los artificios que ésta solapa.

Gratamente sorprendido por la buena acogida de este recopilatorio, y abordado directamente o vía e-mail por todo tipo de profesionales o ávidos curiosos de la múltiples facetas del arte realista, he decidido ofrecer una segunda entrega que resuma en imágenes algunas de las obras mencionadas anteriormente y rescatar algunas que merecían haber sido señaladas en su momento. Seguramente, la omisión más ilustre sería la del camión frigorífico decorada por Banksy, y, aunque mencionábamos el inspirador trabajo de Ann Mollo, bajo dirección artística de Lesley Dilley y Norman Dorme para el film "Legend" (1985) de Ridley Scott, no habíamos seleccionado imágenes de este bosque de fantasía recreado en un estudio de Pinewood. 

No fue, desde luego, el primero ni el último de la historia del cine, pero sí uno de los más recordados por su ambicioso naturalismo y por su coincidencia con el auge de este tipo de escenografías realistas en otros ámbitos como los zoológicos, los museos de Historia Natural y los parques temáticos. Recuerdo que por aquel entonces, poco antes de verme sorprendido por un impactante reportaje gráfico acerca del trabajo de los artistas del Museo de Cera de Londres para instalaciones zoológicas pioneras en la recreación de hábitats naturales, la simulación de un paisaje y una atmósfera naturales en un estudio cinematográfico cerrado me ocasionó un cierto impacto, y un inexplicable deseo de participar algún día en un proyecto de ese tipo. Hoy en día, más de la mitad de un set de decorado de estas características estaría simulado digitalmente en el espacio reservado a un croma verde, pero lo cierto es que saber de la existencia física de un jardín artificial de estas características, donde uno podría penetrar para dejarse engañar sensorialmente, como en un trampantojo tridimensional, me parece infinitamente más atractivo o perturbador.

La reproducción hiperrealista de animales y plantas exige conocimientos zoológicos y botánicos si aspira al realismo científico y no a la evocación meramente naturalista, de modo que muchos artistas de la volumetría y la escultura especializada se han formado como naturalistas o ha sido asesorados por éstos para posibilitar nuevas experiencias sensoriales, de carácter más directo, a los visitantes de espacios divulgativos como los museos de Historia Natural, en un esfuerzo por traspasar los límites impuestos por la taxidermia y el montaje de esqueletos que pudiesen ofrecer al espectador la posibilidad de apreciar la escala real, por poner un claro ejemplo, de una ballena azul.

Ofrezco, pues, al seguidor más interesado por este tipo de trabajos, los links a las entradas de este blog que más directamente han tratado estos temas, y, a continuación, una selección de imágenes de este tipo peculiar de trabajos escultóricos y/o escenográficos:

http://mafa-elanimalinvisible.blogspot.com.es/2014/09/escenografias-naturalistas-revision-de.html

http://mafa-elanimalinvisible.blogspot.com.es/2012/05/arte-y-taxidermia-ofelia-vista-por.html

http://mafa-elanimalinvisible.blogspot.com.es/2008/10/mafa-albors-escenografa-en-polyster_2602.html

http://mafa-elanimalinvisible.blogspot.com.es/search/label/decorados?updated-max=2012-03-28T15:42:00%2B02:00&max-results=20&start=8&by-date=false


Banksy: Camión frigorífico decorado con paisaje tridimensional

Valentín Valhonrat: "Sueños de animal", serie fotográfica, 1992. Una mirada crítica a la desnaturalización de nuestra experiencia visual a través de estas paradójicas imágenes que evocan espacios naturales cada vez más acotados artificialmente, o, como comentó algún crítico, naturalezas muertas de una naturaleza ya muerta. Las fotografías están realizadas en museos de Historia Natural sin delatar su contexto, por lo que guardan parecido con las fotografías documentales y las ilustraciones naturalistas que dichas instalaciones pretenden evocar.

Don Freeman: Serie fotográfica "Museo de Historia Natural de Nueva York"

Mariele Neudecker: La artista realiza escenografías naturalistas a escala en la que determinados productos químicos reaccionan para generar atmósferas o climas cambiantes

Mariele Neudecker

Mariele Neudecker

(Mariele Neudecker)

Alexander Timtschenko: Entre otros proyectos, este fotógrafo ha realizado fotografías en entornos artificiosos o visualmente engañosos, como ciertos rincones de Las Vegas o una serie de parques temáticos y museos antropológicos, zoológicos y de Historia Natural.

Alexander Timtschenko

Gabriel Ruíz, Guanarteme Cruz, Mafa Alborés y otros, para Museo de Cera de Barcelona (director artístico: Víctor Alarcón) "Bosc de les Fades"

Mafa Alborés: bocetos para escenografía naturalizada (acuaterrario) para Zoo de Barcelona

Mafa Alborés y Geno Rey para "Atrox", detalles de terrarios decorados para la exposición itinerante "El misterioso mundo del veneno":

Catherine Nelson: Fotomontajes de diversos rincones naturales ensamblados digitalmente en el espacio fotográfico para recrear paisajes inexistentes.

 Keng Lye: Hiperrealismo tridimensional, aunque su obra sea pictórica y no escultórica, al menos no en un sentido estricto, ya que realiza secciones horizontales de criaturas a escala natural, tratadas de forma muy realista, pintadas sobre capas sucesivas de resina epoxi que, gracias a su transparencia, hace las veces de agua en sus recreaciones de pequeños acuarios improvisados con objetos cotidianos.





Jardinería vertical: las nuevas formas de integración de elementos naturales a la arquitectura y el urbanismo rozan las fronteras de la escenografía y el bioarte. En Madrid es posible ver este ejemplo.

  

Mafa Alborés (coordinador de actividad), Escola d'Art Serra i Abella: desarrollo de prácticas de iluminación basada en la recreación de escenografías naturalistas con alumnos de primer curso de los ciclos de animación audiovisual y gráfica audiovisual:

Maico Akiba:

Thomas Doyle:

Mafa Alborés, Geno R. Rey: escenografías naturalistas  ("Atrox" para Zoo de Barcelona)

Mafa Alborés y Geno R. Rey para Zoo de Barcelona: Instalación piloto para reforma del Terrario con escenografías naturalistas.

Gabriel Ruíz, Mafa Alborés, Guanarteme Cruz, y otros (Museo de Cera de Barcelona para Zoo de Barcelona, dirección artística de Víctor Alarcón): "Madagascar"

Mafa Alborés y Geno Rey para "Atrox": Terrarios "naturalizados" (polyéster y fibra de vidrio)

Mafa Alborés (con Museo de Cera de Barcelona para Zoo de Barcelona): Terrario vertical para Uroplatus Fantasticus de Madagascar. (Polyéster y fibra de vidrio)

Mafa Alborés y Geno R. Rey construyendo la gruta de acceso a la exposición "El misterioso mundo del veneno" ("Atrox" para Zoo de Barcelona)

Museo de Cera de Barcelona para Zoo de Barcelona: Instalación "Madgascar" (estructura metálica, polyéster, fibra de vidrio, poliuretano, mortero)

Gabriel Ruíz (Gecko 3D) para Aquarium de Barcelona, con colaboración de Mafa Alborés: Instalación de acuaterrarios (bosques tropicales y manglares)

Zoo de Fuengirola: Baobab Artificial para instalación sobre fauna malgache

Mafa Alborés para Zoo de Barcelona: Instalación para tamandúas (osos hormigueros arborícolas)

Mafa Alborés: Serie fotográfica "Museo de Cera"

Proyecto pionero de escenografía naturalista en el Zoo del Bronx, Nueva York, en el que participó un equipo del Museo de Cera de Londres:

Guanarteme Cruz y Mafa Alborés para Museo de Cera de Barcelona: Ejemplos de acabados de textura pétrea.

Molde de látex natural (detalle)

Positivo en resina de polyéster

Mafa Alborés y Geno R. Rey para "Atrox", "Natura Misteriosa", "Proyectos Zoológicos": desarrollo de piezas de polyéster intercambiables para terrarios naturalizados ("Animàlia", Fira de Barcelona, Stand Reptilia, "El misteriós mòn del Verí" y otras exposiciones itinerantes)