Escenografía cinematográfica y trampantojos fotográficos. Del concept art pictórico a la ilusión visual.

Ya que la entrada anterior se la dedicamos al abandono de Rick Baker de su actividad empresarial consagrada a los efectos especiales cinematográficos (especialmente caracterizaciones, volumetrías y maquillajes) nos ha parecido oportuno recordar la magia de las ilusiones ópticas más tradicionales. La más antigua, sin duda, es el dibujo, o, si lo preferís, la pintura. El arte gráfico figurativo se basa en el funcionamiento de nuestra percepción visual, y su uso sistemático de analogías entre las formas visibles en el entorno. Esa capacidad nos ayuda a distinguir una piedra de una sandía, pero también es responsable de creamos ver el rostro de La Virgen en una mancha de humedad.
La evolución de los recursos gráficos, en función de las técnicas y materiales empleados, supone también la evolución de la comprensión de dichos recursos y el reconocimiento de sus convenciones, pero el perfeccionamiento realista de la pintura figurativa hasta que sea confundida con una imagen real es posible que no alcance sus más altas cotas hasta la sustitución de las técnicas al temple (de rápido secado, transparentes o translúcidas y que exigen constantes tramas y veladuras para consguir fundidos y degradados) por las técnicas que aglutinaban los mismos pigmentos al óleo en vez de clara de huevo.
La pintura al óleo no se seca por evaporación, sino que lo hace por una progresiva oxidación que permite un tiempo prolongado de trabajo y retoque de ls mezclas sobre el lienzo, y, aunque parezca un inconveniente, tiene sus ventajas para conseguir un realismo más similar al de una cámara oscura o un espejo (las copias de la realidad óptica conocidas en la época previa a la aprición de la fotografía). La pintura realista al óleo prospera básicamente en una nueva sociedad mercantil y burguesa, en la que los retratos y pinturas de encargo ceden el simbolismo de sus personajes y composiciones al simbolismo socioeconómico de los objetos y bienes materiales ya no meramente representados, sino fielmente reproducidos de modo que no quede duda acerca de su calidad material. La pintura barroca supone dar un paso más allá y no reconocer simplemente una mesa, una daga o un abrigo, sino distinguir una precisa calidad de madera noble y cara, un metal precioso o un manto de una piel rara o valiosa. El fotorrealismo es anterior a la fotografía, y es sufragado en base al alarde económico y materialista, aunque recrear engaños visuales, dar la impresión de que podríamos entrar en el espacio del cuadro es algo que preocupaba técnicamente a Caravaggio, por ejemplo (auténtico creador de pseudodioramas foto-realistas) para evidenciar la presencia de los materiales más toscos y humildes, para desmitificar la presencia simbólica de santos y divinidades, encarnados por modelos cuya presencia casi se puede oler pero que evidencian incluso su pobre condición de indigentes o aprendices. Son asuntos ya tratados en "Digo, miento, fotografío" y no queremos insistir excesivamente en ello, pero ya sabéis que son temas troncales en nuestro blog.

El castillo de Jabba el Hutt en “El imperio contraataca” dibujado por Michael Pangrazio.

Los trampantojos han evolucionado con el perfeccionamieno de los conocimientos ópticos y geométricos que más tarde propiciaron el nacimiento de la fotografía, y con ella y sus derivados, como el cine, nacieron los trucajes y los fotomontajes. Si la fotografía es una ilusión ¿porqué no crear ilusiones dentro de las ilusiones? Y si la fotografía no es sino una forma mecanizada de dibujo ¿porqué no combinarlos astutamente para engañar el ojo del espectador y hacerle vivir ilusiones cada vez más complejas?
El cine, heredero también del teatro y de las sombras chinescas, se ha servido de la pintura para crear fondos pintorescos y dramáticos, pero hemos de recordar que también ha sabido hacer lo contrario, es decir: tapar el fondo real para crear un fondo escénico virtual alterando la percepción de la profundidad de campo, algo tan aparentemente anodino como interponer un cistal entre la cámara y el sujeto para reservarlo pintando a su alrededor un mundo alternativo creíble. Esta técnica clásica fue utilizada con convicción en "La guerra de las galaxias" con resultados sorprendentemente convincentes que han envejecido menos que los reajustes y añadidos digitales de la reedición de la saga. La entrada y el comentario de hoy son un homenaje a los hábiles artistas analógicos de antaño y de siempre, como Chris Evans, Michael Pangrazio y tantos otros que ahora editan digitalmente sus trabajos para no ser desplazados totalmente por las nuevas tecnologías, tal y como comentábamos al respecto de los trabajos de modelismo de Rick Baker.

La información complementaria y las imágenes las extraemos directamente de un artículo de Ruben Kuiper para theCreatorsProject con el buen criterio que normalmente les caracteriza. Como es lógico y mínimamente exigible, mantengo sus propios tags y enlaces por respeto a los autores originales,


theCreatorsProject

http://thecreatorsproject.vice.com/es/blog/localizaciones-de-la-guerra-de-las-galaxias-que-fueron-pintadas-a-mano?utm_source=tcpfbes

Localizaciones de “La guerra de las galaxias” que fueron pintadas a mano

Por Ruben Kuiper — 15 ene 2015

Cuando hablamos de efectos especiales solemos pensar inmediatamente en los preciosos efectos generados por ordenador que se utilizan hoy en día en las películas. Pero aunque los ordenadores están asumiendo cada vez más la responsabilidad de estos efectos en el cine, hubo un tiempo en el que gran parte de esta magia era posible gracias a un trabajo hecho a mano.
Veamos, por ejemplo, el caso del hangar del Retorno del Jedi. Cuando vi las imágenes que os presentamos a continuación, no podía creer que muchas de las inmensas localizaciones que aparecen en las tres primeras películas de La guerra de las galaxias no eran más que pinturas creadas gracias a la utilización de una técnica de pintura sobre vidrio conocida como “matte painting”, que contenían a menudo un enorme punto negro en el medio donde se desplegaba la imagen en movimiento.

A continuación te presentamos algunas de las localizaciones de “La guerra de las galaxias” dibujadas a mano por los artistas Chris Evans y Michael Pangrazio, junto con un documental de la BBC que muestra cómo crearon estos efectos visuales. Saca tu espíritu nerd por un momento y disfruta viendo cómo el castillo de Jabba el Hutt y el bosque de los Ewoks aparecieron de la nada gracias a nada más que pintura y un gran nivel de destreza.

El hangar del “Retorno del Jedi” dibujado por Chris Evans.

El bosque de los Ewoks pintado a mano.

El hangar del planeta Hoth en “El imperio contraataca” pintado por Michael Pangrazio.

La entrada al hangar de la estrella de la muerte en el “Retorno del Jedi” pintada por Chris Evans.

Por Ruben Kuiper Tags: La guerra de las galaxias, efectos visuales, chris evans, michael pangrazio, CGI, cine, matte painting, pinturas

Fotografía y simulacro: Charlie Grosso nos introduce en la Historia Natural.

Nos reencontramos con los proyectos que mezclan escenografía y naturalismo al servicio de la fotografía, tal y como hemos visto en entradas anteriores y en nuestra página "El Árbol de Plástico".
Así, Valentín Vallhonrat, Don Freeman, Hirosi Sugimoto, Alexander Timtschenko y otros nos han ofrecido imágenes fotográficas que mostraban paisajes aparentemente naturales reproducidos en dioramas y espacios escénicos de Museos de Historia Natural basados precisamente en el paradigma de realismo establecido por las fotografías documentales de dichos parajes. Algunos de estos trabajos simulaban fotografías de espacios naturales, mientras que otros buscaban mostrar algún elemento que delatase el artificio y recordarnos, de paso, el engañoso potencial de la fotografía documental, como es el caso de las fotos de Don Freeman. No nos desviamos excesivamente, por tanto, de las premisas del trabajo fotográfico de Manuela Kulpa que mostramos en la entrada anterior.

En esta ocasión queremos incluir en nuestra galería de fotógrafos fascinados por las posibilidades expresivas de las escenografías naturalistas y los dioramas de los museos de Historia Natural a Charlie Grosso, de cuyos interesantes trabajos seleccionamos tan sólo el proyecto "Natural History" por razones obvias.
Si Valentín Vallhonrat simulaba escenas reales que alertaban nuestras sospechas mediante recursos ópticos que dotaban de onirismo a sus imágenes, Grosso introduce al ser humano como una especie de irrespetuoso, accidental, transeúnte de la Historia Natural, algo así como un intruso que no encaja en la imagen que él mismo tiene de la Naturaleza, un turista en su propio jardín del Edén, ése que se le había encomendado para cuidar y que se ha limitado  a explotar, cercar y, finalmente, consagrar a la estúpida contemplación.


http://photography.charliegrosso.com/

http://photography.charliegrosso.com/project-4/

Azucareros y hormigas. Diseño ornamental y trampantojos entomológicos de Evelyn Bracklow.

Evelyn Bracklow ha encontrado el modo perfecto de llamar la atención del la voz del animal invisible, puesto que sus obras pertenecen al ámbito del simulacro y constituyen curiosos trampantojos zoológicos llevados al mundo del arte ornamental aplicado a objetos simultáneamente artísticos y prácticos, como estas vajillas de porcelana esmaltadas con motivos entomológicos, concretamente hormigas, que nos recuerdan su natural y frecuente presencia en estos útiles asociados al alimento, al ansiado azúcar al que acuden como índice natural de su presencia.

Extracto de COLOSSAL

 

Vintage Porcelain Dishes Covered in Hordes of Hand-Painted AntsJanuary 6

While the standard response to insects crawling across your food or dinner plate is usually nothing less than repulsion, that didn’t stop German artist Evelyn Bracklow of La Philie from creating these one-of-a-kind vintage porcelain dishes covered in hordes of hand-painted ants. Bracklow says of the pieces:

The idea for this work resulted from pure chance, when the sight of a carelessly placed plate—by then wandered by ants—fascinated me so much that I felt the urge to simply conserve this image. Fear, disgust, fascination and admiration: this very interplay of feelings constitutes the charm of the work. Furthermore, to me, the ants symbolize all the stories that any formerly discarded piece of porcelain carries with it. Where one once dined and drank, today ants bustle in ever new formations, every single one applied with a great love for detail.

It’s not hard to see that each piece is incredibly detailed and well-executed, making it strangely beautiful despite what it portrays. This balance of superb execution versus creepy subject matter may be the reason she’s had no problem selling the objects over on Etsy, where a number of them are currently available. (via Whimsebox)

patatas gigantes y fotografía

La fotografía, en el momento de su aparición, constituyó un nuevo paradigma de realismo y verosimilitud. Curiosamente, su capacidad de reproducir la realidad de forma mecánica, sin mediación de la voluntad del artista o su selección de elementos de la escena, ponía en duda su condición de forma artística, dado que, como han defendido teóricos como Roger Scruton, el arte representa la realidad, al margen de reproducirla o no. La fotografía reproduce, y es la escena fotografiada la que tiene capacidad de representar algo o no, y por tanto su dimensión artística reside en lo fotografiado, no en la fotografía en sí. Aparte de esta cuestión, de la que damos cuenta en apartados específicos, se da el hecho de que la fotografía fue asimilada poularmente como una forma fidedigna de reproducir la realidad de modo que cualquier hecho reproducido fotográficamente tenía por fuerza que ser real. Un ejemplo muy ilustrativo es el caso de las hadas supuestamente fotografiadas por dos niñas a principios del siglo XX en un pueblo del norte de Inglaterra divulgado como real a capa y espada por un defensor del método científico como Arthur Conan Doyle. Si algo salía en una fotografía era real. O al menos así lo pensaban sus coetáneos.

Hoy en dia, esta percepción del realismo fotográfico se ha trastocado completamente. Si las técnicas de retoque y fotomontaje más tempranas no habían acabado de convencer de lo potencialmente engañoso de las imágenes fotográficas, el advenimiento de las tecnologías digitales y la popularidad del uso del Photoshop han llevado a nuestra cultura a desconfiar de la autenticidad de cualquier documento fotográfico, cinematográfico o videográfico.

No está mal rescatar otros ejemplos de la historia olvidada de la implicación de los medios de divulgación científica con el poder documental del soporte fotográfico.

El gran engaño de la papa gigante de 1894

Por Alfred López | Blog de Noticias – lun, 17 jun 2013

El señor Swan sujetando la papa gigante se hizo famosa en todo el planeta. (museumofh …La construcción del ferrocarril que atravesaba el Estado de Colorado, en 1877, propició que nacieran muchas nuevas poblaciones alrededor de las estaciones de tren. Una de estas fue Loveland, una pequeña ciudad agrícola a la que pusieron ese nombre en honor a William A.H. Loveland, presidente de la Colorado Central Railroad.

En poco más de dos décadas, Loveland se convirtió en un próspero lugar en el que ya residían cerca de un millar de personas y en el que se celebraba una feria agrícola que año tras año concentraba a los más destacados e importantes agricultores de la zona, así como a compradores de todos los rincones del Estado.
1894 fue un año especialmente bueno en cuanto a recolección de papas para el protagonista de nuestra historia, Joseph B. Swan, quien se encontraba orgulloso de haber tenido una magnífica siembra de la que había conseguido más de diez mil kilos de ese tubérculo, además de ser las de mayor tamaño de toda la región.
[Relacionado: El astuto engaño de la sirena momificada]
Pero no todos los habitantes de Loveland se creían todo lo que explicaba el bueno (a la vez que exagerado) del señor Swan, ya que famosos eran sus continuos fanfarroneos sobre lo magnificas que eran sus siembras e incluso llegó a decir que había recogido una papa gigante, cuyas dimensiones eran de 70 centímetros de largo por 35 cm de ancho, con un peso cercano a los cuarenta kilos.
Y fue precisamente esta broma que solía gastar entre sus amistades la que lo hizo inmensamente famoso, dando la noticia de la papa gigante la vuelta al mundo, gracias a un ingenioso engaño en el que se involucró W.L. Thorndyke, editor del periódico “Loveland Reporter”, quien propuso a Joseph B. Swan publicitarse en la feria agrícola con una fotografía trucada en la que apareciese sujetando sobre su hombro la famosa papa de dimensiones desproporcionadas.
Contrataron los servicios de Adam H. Talbot, un fotógrafo local, quien se prestó a ayudar en el ‘engaño’ a Swan y Thorndyke. Para ello tomó una fotografía de una papa y la amplió a las dimensiones que daba el agricultor cuando hablaba de su ‘tubérculo gigante’.
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Acto seguido cortó una tabla de madera del mismo tamaño y forma, pegando con cola la fotografía. Una vez hecho esto, hizo cargársela sobre el hombro derecho a Joseph B. Swan y gracias al grosor de la madera y el peso de ésta, el rostro del agricultor reflejaba el peso que portaba sobre él, haciendo muchísimo más creíble la imagen.

Increíblemente, la papa gigante de la fotografía parecía real, si tenemos en cuenta que se tomó en 1894, un siglo antes de que los retoques fotográficos como el Photoshop existiesen.

Fue un trabajo totalmente manual y artesanal, lo que le confirió a la foto una total realidad y credibilidad por parte de los escépticos que no habían creído en la fantástica historia que explicaba el señor Swan acerca de su papa gigante.

Ese año, durante la feria agrícola de de Loveland, el agricultor fue el que más papas y semillas vendió, gracias a los carteles que anunciaban sus productos como los mejores y más grandes.
Scientific American cometió el error de publicar la foto de la papa gigante. (museumo …Por su parte, el fotógrafo mostraba orgulloso en el escaparate de su negocio un poster con su creación, algo que hacía que los curiosos que pasaban frente a él entrasen y pidiesen una copia de esa fotografía, hasta que una de ellas fue a parar a manos de un reportero de la prestigiosa revista “Scientific American”, quien propuso redactar un artículo hablando de la prodigiosa papa gigante, refiriéndose a la misma como un hecho singular y digno de investigar por parte del colectivo científico.
Como imaginarán, a pesar de ser finales del siglo XIX y no haber la red de difusión que tenemos actualmente, un buen número de ejemplares de la revista que incluían la fotografía dieron rápidamente la vuelta al planeta, dejando boquiabiertos a muchos expertos que querían saber más sobre ese prodigio de la naturaleza.
Ya no solo viajaban hasta Loveland los agricultores de un gran número de Estados norteamericanos, sino que científicos y periodistas de cualquier rincón deseaban entrevistarse con Joseph B. Swan e investigar en profundidad sobre este curioso tema.La noticia corrió como la pólvora, siendo publicada por numerosos medios escritos y por mucho que se empeñaron los tres iniciadores del engaño en decir que se había tratado de una broma para atraer más clientes a la feria agrícola, el daño ya estaba hecho.
Incluso la propia revista Scientific American publicó una nota aclaratoria en la que se disculpaban por el grave error y en la que se desmentía por completo la veracidad de la historia de la papa gigante, la cual estuvo en boca de miles de personas a lo largo de los siguientes años, convirtiéndose en uno de los ‘hoaxes’ (bulos) más famosos de la época y con un sorprendente efecto viral.
Varios fueron los años que tuvieron que transcurrir para que la gente dejase de hablar del tema como algo cierto y quedase en el olvido. Algo que persiguió a Joseph B. Swan y sus bromistas socios a lo largo de las siguientes décadas.
Fuente: Yahoo! España
El gran engaño de la patata gigante de 1894

Keng Lye

 Keng Lye es un artista cuyo trabajo está gozando de gran difusión en blogs y sitios web dedicados al arte y la creatividad.

La característica más comentada de su obra es su hiperrealismo tridimensional, aunque su obra sea pictórica y no escultórica, al menos no en un sentido estricto, ya que realiza secciones horizontales de criaturas a escala natural, pintadas de forma muy realista, pintadas sobre capas sucesivas de resina epoxi que, gracias a su transparencia, hace las veces de agua en sus recreaciones de pequeños acuarios improvisados con objetos cotidianos.

“Empecé mi primera serie en 2012, donde todos los ejemplos eran “plana” y la profundidad se ha creado usando la disposición en capas de resina y acrílico sobre las diferentes partes de la ilustración. Este año empecé la serie con el pulpo, que se trataba simplemente de un experimento. Sólo quería comprobar si era posible llevar esta técnica a un nivel superior. Después de aplicar la pintura acrílica directamente sobre la resina, he incorporado un elemento de 3-D, en este caso, se trataba de una pequeña piedra para la parte emergente del pulpo. Para la tortuga, he usado una cáscara de huevo como caparazón de la tortuga y la pintura acrílica para el resto de los acabados. La idea aquí era dar a la obra de arte un efecto aún más en 3D, y por lo tanto uno puede tener una mejor perspectiva desde cualquier ángulo. Creo que todavía hay muchas otras técnicas para explorar”

Lothar Osterburg [Fotograbados]

Lothar Osterburg [Fotograbados]

Lothar Osterburg

Lothar Osterburg es un artista de origen alemán residente en Estados Unidos, que se ha especializado en las técnicas del fotograbado. Trabaja con pequeños modelos esculpidos de molinos de viento, faros o botes, entre otros, situados en entornos evocativos. Construídos con objetos antiguos o materiales fácilmente disponibles, los modelos presentan un aire ensoñador, ampliado por la situación de la cámara dentro de ese mundo; la perspectiva es la de una persona que estuviera dentro del conjunto, enmascarando el tamaño real de los objetos. El espectador, sumergiéndose en la escena, llena los vacíos creados por la ausencia de personajes. Los modelos más pequeños son fotografiados a través de lentes de aumento u objetivos macro. Con ésta profundidad de campo tan reducida, las escenas se vuelven ambiguas, misteriosas o incluso siniestras, aún cuando de alguna manera se intuye la típica presencia de la mano juguetona de Osterburg.

"Piranesi State 2", fotograbado, 16" x 20", lámina 20" x 27", 2008

"Piranesi project" ©  Lothar Osterburg

"Squatters (Ocupas)", fotograbado, 22,25" x 16,25", 2010

"Piranesi project" ©  Lothar Osterburg

Tanto en su estudio, como en la costa rocosa de la Mount Desert Island en Maine o en un microcosmos de huellas de neumáticos congeladas en MacDowell Colony, las puestas en escena mejoran las texturas de los materiales excéntricamente diversos que utiliza el artista, creando una tensión entre lo representativo y lo realista.

Un árbol de morera caído desde su patio trasero Brooklyn se transforma en toda una rústica aldea costera. Grandes veleros hechos de ramas, leña y papel higiénico, un traslúcido faro de glicerina en una isla de papa, utensilios reciclados de fontanería, pomos de puertas de vidrio, jabón y un mar tormentoso hecho de mantequilla de maní todos aparecen en este mundo flotante y encantador.

"Tenements (Viviendas)", fotograbado, 22,25" x 16,25", 2010

"Piranesi project" ©  Lothar Osterburg

"Underground (State 2) [Subterráneo (2º estado)]", 22,25" x 16,25", 2010

"Piranesi project" ©  Lothar Osterburg

El fotograbado es un verdadero proceso de grabado fotográfico de tono continuo. Las tonalidades se crean por capas de tinta, que varían gradualmente en profundidad, con una aguatinta muy fina (con islas sin grabado de aproximadamente el mismo tamaño) para contener la tinta. Ésto se consigue grabando la placa gradualmente desde las sombras más oscuras hasta las luces más brillantes. Ésta forma de fotograbado permite producir un rango de tonos mucho más alto que cualquier otro proceso fotográfico, desde los más profundos negros aterciopelados a las más sensibles y brillantes luces. Paul Strand consideraba el fotograbado perfectamente adecuado para su trabajo por la capacidad de ésta técnica para alcanzar los casi infinitos valores tonales que van más allá de la mano humana. La placa final es impresa, como un grabado, en papel de alta calidad. La tinta es una tinta con base oleosa espesa de cualquier tono o color. El resultado es una impresión fotográfica de archivo de tono continuo en un papel a elección del artista con la placa marcada en relieve, obteniendo una impresión final de calidad casi tridimensional. Sin embargo, las dificultades técnicas de éste proceso pueden parecer en ocasiones infinitas. Ansel Adams una vez dijo que el fotograbado era una técnica hermosa, pero no le recomendaría a nadie que la hiciera.

"Beached (Varado)", fotograbado en papel Somerset blanco, fotograbado, 11" x 14", 2009

©  Lothar Osterburg

En contraste, la mayoría de las técnicas de impresión utilizan semitonos para simular valores con puntos mayores o menores de la misma tonalidad. Se utilizan en las pantallas tradicionales de semitonos y periódicos, catálogos, revistas, postales y libros de arte. Los semitonos modernos también pueden crearse por la acumulación de pequeños puntos de igual tamaño en pantallas e impresoras de chorro de tinta. La imágen aparece más clara y oscura, dependiendo de cuánto papel queda en blanco y cuánta superficie queda cubierta por la tinta.

Traducido libremente del texto que describe los procesos de fotograbado en la web de Lothar (ver "Photogravure process").

"Channel crossing with Hot Air Balloon (Cruce del canal con un globo de aire caliente)"

Fotograbado, 22" x 28", 2005 ©  Lothar Osterburg

"Delay on track one (Demora en la vía 1)", fotograbado, 22,75" x 35", 2009

"Piranesi project" ©  Lothar Osterburg

"Siempre he estado interesado en el arte, me gustaba dibujar, pero a lo que estaba orientado era hacia la música; tocaba el doble bajo y el piano. Seis meses antes de que mi solicitud para el conservatorio se hiciera efectiva, mi profesor de doble bajo me cogió a mí y a mis padres y dijo "deberías repensar seriamente lo de tocar el doble bajo porque... no practicas lo suficiente, sólo tocas de oído, sólo lees la música, eres bastante holgazán"

Fue duro al principio; yo tenía 18, así que hice lo mejor que podía: me apunté a la escuela de arte. Antes pasé un año en el servicio militar, pero fui objetor de conciencia, así que hice un servicio civil, y tuve la suerte de conocer a un compañero que me ayudó a preparar mi portafolios. Encontré en ese primer semestre en la escuela de arte lo que no había encontrado en el doble-bajo; el amor por el trabajo en sí mismo. Iba al estudio y olvidaba el tiempo por completo, tan sólo dibujando y pintando me sumergía completamente en el trabajo.

La especialización en la impresión sucedió muy temprano; yo era muy bueno en el aspecto técnico, así que en el primer año ya había alcanzado una posición de alumno-profesor. En la escuela de arte comencé haciendo impresiones para otros artistas, pero antes de terminar sentí que necesitaba obetener más experiencia. Sólo había vivido en mi ciudad natal en el norte de Alemania. Así que en mi último año en la universidad aprovecíe un programa de intercambio en San Francisco, y eso me abrió el campo durante años."

 De una entrevista que puede leerse completa (en inglés) aquí.

"Downtown Transfer (State 2) [Transfer al centro (2º estado)]"

Fotograbado Hardground, aguatinta, rascado, bruñido y punta seca, 34" x 29", 2010

"Piranesi project" ©  Lothar Osterburg

Lothar Osterburg is a german born, USA based artist specialized in technics of photogravures. He works with small, sculpted models of windmills, lighthouses, sailboats among others, staged in evocative settings. Built from memory of readily available materials, the models have a dreamlike quality which is enhanced by the placement of the camera within their world; the perspective is that of a person within the set, obscuring the actual size of the objects. The viewer, drawn into the scene, fills the gap created by the absence of people. The smallest models are photographed through a magnifying glass or with a macro lens. With this extremely short focal range, the scenes become ambiguous, mysterious, or even ominous while somehow retaining the playful quality typical of Osterburg’s hand.

"Flat Earth (Tierra plana)", fotograbado, 29,75" x 22,5", 2006 ©  Lothar Osterburg

"Soap bathroom (Baño de jabón)", impresión con goma bicromatada, 19" x 23", 1997

©  Lothar Osterburg

Whether in his studio, or against the rocky coast of Maine’s Mount Desert Island, or in a microcosm of frozen tire tracks at the MacDowell Colony, the staged settings enhance the textures of the artist’s eccentrically diverse materials, creating a tension between the representational and the realistic.

A downed mulberry tree from his Brooklyn backyard spawned an entire rough-hewn coastal village. Tall ships made of firewood, twigs and toilet paper, a translucent glycerin lighthouse on a potato island, recycled plumbing supplies, glass doorknobs, soap and a stormy sea made of peanut butter all appear in this delightful, buoyant world.

"Trailerpark (Parque de casas rodantes)", fotograbado en dos colores, 10" x 10", 2010

"Piranesi project" ©  Lothar Osterburg

"Watermusic: Icebound (Música marina: Varado en el hielo)", fotograbado, 7" x 7", 2005

©  Lothar Osterburg

Photogravure is a true continuous tone photographic etching process. The tonalities are created by an ink layer, gradually varying in depth, with a very fine aquatint (unetched islands of approximately equal size) to hold the ink. This is achieved by etching the plate gradually from the deepest shadows to the brightest highlights. This way the photogravure is capable of producing a much wider range of tones than any other photographic process, from a deep velvety black to sensitive, bright highlights. Paul Strand considered photogravure perfectly suited for his work because of the technique's capacity to achieve the almost infinite tonal values which lie beyond the human hand. The finished plate is printed, as an etching, on a high quality paper. The ink is a stiff oil based etching ink of any tone or color. The result is an archival continuous tone photographic print on a paper of the artist's choice with the plate mark embossed, giving the final print an almost three-dimensional quality. However, the technical difficulties of this process can seem equally infinite at times. Ansel Adams once said that photogravure was a beautiful technique, but he would not recommend that anyone do it.

In contrast, most photographic printing techniques use halftones to simulate values with smaller or larger dots of the same tonality. They are used in the traditional halftone screens in newspapers, catalogues, magazines, postcards and art books. Modern halftones can also be created by the accumulation of equal size small dots as used in the stochastic screens of inkjet printers. The image appears lighter or darker depending on how much white paper shows or how much area is covered by ink.

Text from Lothar's website. Check the "Photogravure process" section.

"Library dream (Sueño de biblioteca)", fotograbado, 25" x 25", 2011 ©  Lothar Osterburg

"I was always interested in art, liked to draw, but was basically geared to become a musician, I played double-bass and piano. Six months before my application to the conservatory was due, my double-bass teacher took me & my parents aside and said “you should really re-think the double-bass because…you don’t practice enough, you only play by ear, you only read the music, you’re kind of lazy.”

It was hard at that time, I was 18, so I did the next best thing, and applied to art school. First spent a year in military service, but I was a consciencious objector so did civil service, and had the luck of meeting another fellow there who helped me put my portfolio together. I found in the first semester in art school what I never found in the double-bass, the love of the work itself: going to the studio and completely forgetting time, just drawing and painting and completely getting immersed in the work.

The specialization of printmaking happened pretty early; I was very good at the technical aspect of it so within a year I had a student-teacher position. In art school I started making prints for other artists, but before I finished, I felt I needed to get some more experience. I had only lived in my hometown where I was born in Northern German. So in the last year of university I took an opportunity of an exchange program in San Francisco, and that opened a lot of years for me."

From an interview you can fully read here.

"Congestion planet (Planeta congestionado)", fotograbado a 4 colores, 7" x 7", 2008 ©  Lothar Osterburg

Más información e imágenes del trabajo de Lothar en la página web del artista, en su ficha de "Art of  the Photogravure" (una excelente fuente para los interesados en éstas técnicas), y también por ejemplo en la web de la Galería Moeller.

More info about Lothar and images of his work in artist's website, in "Art of  the Photogravure" (an excellent source for all interested in this technics), and also in Galería Moeller's website.

All the images published here with artist's permission (Thanks a lot, Lothar!)

Imágenes publicadas con permiso del artista (¡Muchas gracias, Lothar!)

Como recientemente he estado en Vietnam, me han llamado la atención algunos de los trabajos de Lothar que representan imágenes típicas del país.

I've been recently in Vietnam, so a couple of Lothar's works representing vietnamese typical images captured my attention.

"Floating Village in Halong Bay (Aldea flotante en la Bahía de Halong)", fotograbado, 22" x 15", 2005

©  Lothar Osterburg

"Aldea flotante en la Bahía de Halong (Floating Village in Halong Bay)"

La fotografía es mía, tomada el 5/9/2012

"Vietnamese Footbridge (Puente de monos vietnamita)", fotograbado,  29" x 23", 2002

©  Lothar Osterburg

"Puente de monos vietnamita (Vietnamese Footbridge/Monkeybridge)"

Delta del Mekong, alrededores de My Tho. La fotografía es mía, tomada el 24/9/2012

Otro artista que, en un estilo completamente diferente, crea sus propias maquetas para luego fotografiarlas es Didier Massard. Pueden echar un vistazo a su trabajo en éstos posts [Didier Massard (Fotografía)], [Rinocerontes (XVI)]

Un par de videos para ver a Lothar en directo hablando de sus ideas y trabajo. 

A couple of videos to see Lothar talking about his ideas and work.

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1 comentario:

Mafa12 de diciembre de 2012 15:03

Muy interesante artista. Los trampantojos siempre me han fascinado, y la fotografía es capaz de darle vuelta al concepto como a un guante. El hecho de que realice maquetas para fotografiarlas y, a partir de los fotomontajes resultantes realice fotograbados (técnica que invita a integrar/desintegrar elementos de distintas planchas o de una única plancha) sobre los que la mano del artista deja una impronta personal provoca que los mundos mostrados existan en una imaginación compartida pese a ese vínculo con la materia del propio objeto.

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