Nobuhiro Nakanishi : escultura, fotografía y escenografía naturalista. Naturaleza y artificio.

Seguimos rescatando artículos atrasados y cuentas pendientes. Este verano descubríamos a través de COLOSSAL una contundente intalación fotográfica y escultórica de Nobuhiro Nakanishi que nos pareció sumamente interesante y nos retrotraía a las instalaciones de video de Plessi en los lindes de los años noventa.

Aparte de tomar conciencia de que hace años que le debemos un comentario al videoartista y escultor italiano, nos fascinó el minimalismo más que discutible de la instalación de Nakanishi. El japonés, como ya nos tienen acostumbrados los artistas asiáticos, en su mayoría japoneses y coreanos, demuestra un gran dominio técnico y una tremenda comprensión del procedimiento y de sus connotaciones.

Si Takashi Amano nos conmueve y nos impresiona con su dominio técnico de la fotografía de gran formato y su talento como conservador biológico y constructor y desarrollador de acuarios para ser fotografiados, o si Seung Mo Park nos da una lección de fotografía y escultura conectando con la reproducción mecánica de imágenes, Nakanishi nos recuerda que la fotografía congela el tiempo y la cronofotoagrafía o el cine lo recomponen, por lo que idea un time lapse tridimensional mediante transparencias fotográficas de gran formato aliteradas como diapositivas en un carro de proyección para que nosotros mismos desentrañemos los pasos temporales entre toma y toma. En un peculiar ejercicio de fotografía de juntura, consigue apuntar a recursos de la narración secuencial en una peculiar panorámica acerca de los cambios que la naturaleza experimenta en el tiempo, de su transitoriedad y de la nuestra propia, con una cierta carga de fondo de reivindicación ecologista que nos recuerda hasta qué punto los árboles nos impiden ver el bosque hasta que acusemos su ausencia. Es como decir que no existe un sólo bosque, sino muchos que se suceden en el tiempo dependiendo de la supervivencia del precedente. En la manera física de expresarlo es como si desplegase en capas un gif animado de un time lapse, pero también nos recuerda a los retatos de exposición múltiple de Ken Kitano, quien nos dice que en el fondo todos los rostros son el mismo, al menos en determinadas categorçias sociales. Nakanishi se sirve de un recurso similar y lo despliega en el espacio.

Respecto a su trabajo, los responsables de redacción de contenidos de Colossal nos dicen:


El artista japonés Nobuhiro Nakanishi crea obras escultóricas que intentan preservar un momento singular en la palabra natural, capturando puestas de sol profundamente pigmentadas y bosques brillantes en una serie titulada Layer Drawings. Para producir las instalaciones tridimensionales, Nakanishi primero fotografía un ambiente durante un período de tiempo. A continuación, monta las imágenes seleccionadas de su documentación en paneles de acrílico en orden cronológico, lo que permite una ligera variación de marco a marco."Todos estamos sujetos al paso del tiempo, sin embargo, cada uno de nosotros lo siente y lo percibe a nuestra manera", dice Nakaniski, "El tiempo en sí no tiene forma o frontera y no puede ser fijado o captado. Cuando miramos las fotografías de estas esculturas, intentamos rellenar las lagunas entre las imágenes individuales. Extraemos de nuestras experiencias físicas para llenar el tiempo y el espacio que faltan, tanto efímeros como vagos. En esta serie, intento describir el tiempo y el espacio como sensaciones compartidas tanto por el espectador como por el artista ". 

Nakaniski es representado por Kashya Hildebrand en Londres. Podéis ver más de sus trabajos en capas en su sitio web. (Via Tu Recepcja)

Hemos de decir que estas instalaciones reclamaron nuestro interés sobre la obra de Nakanishi en cuanto que fotógrafo, pero, como sospechábamos que fuera posible, comprobamos que sus trabajos, coherentemente interesados por la sostenibilidad de la naturaleza, son eminentemente escultóricos, y hemos seleccionado unas cuantas muestras además de sus Layer Drawings.

http://nobuhironakanishi.com/

http://www.thisiscolossal.com/2017/06/layer-drawings/

Nadia Guthmann. Traslapo, escultura y animales.

Kendra Haste

Seung Mo Park

Tras dedicar una entrada a una obra animalística pictórica que flirteaba con la escultura, nos ha parecido oportuno ofreceros el trabajo de la argentina Nadia Guthmann, quien realiza un vistoso trabajo con uno de los materiales base del abocetado escultórico: el alambre o la tela metálica.
Este material resistente, flexible y moldeable suele revestir los armazones metálicos sobre los que se aplica la arcilla para el acabado suprficial de lo que constituirá la pieza matriz para un vaciado en metal, resina u otros materiales. No obstante, al igual que la sugerente expresión de formas que constituye el dibujo y sus tramas de líneas con respecto a la recreación de claroscuros y volúmenes aparentes en la pintura, este material-base es tentador como soporte final de la obra por sus propias cualidades expresivas. Kendra Haste podría ser un buen ejemplo de lo que se puede llegar a sugerir escultórica y ópticamente con este material en sus sorprendentes recreaciones zoológicas y ya desperto nuestro interés por su capacidad para sugerir los mechones de pelo con su "trazos" metálicos, y a la hora de darnos lecciones sobre la percepción óptica de los claroscuros sugeridos por la mayor o menor densidad de las tramas superpuestas seguimos convencidos de que es difícil superar a Seung Mo Park y la reinterpretación por traslapo de tramas de tela metálica de sus propias fotos en blanco y negro. Por si fuera poco, Seung Mo Park realiza sus complicadas sesiones bajo el agua. Al igual que la densidad de tramas mecánicas en una ilustración impresa o en un grabado, Park consigue expresar la distribución de claroscuros que sugieren el relieve de la escena fotográfica, y esto es en parte lo que inspira el planteamineto de Nadia Guthmann, quien sin duda ha observado esta cualidad en los armazones metálicos que persiguen un acabado tan preciso en su superficie que adquieren una calidad peculiar en cada punto de vista posible, dado que los claroscuros no dependen de la dirección de la luz, sino de la apariencia que ofrecen los efectos del moaré desde cada encuadre posible de la pieza. Esto las dota de una apariencia descriptiva que evoca al dibujo pero también a las radiografías, a las copias en negativo, posterizadas o solarizadas. El carácter traslúcido de la tela le sirve para establecer relaciones entre diferentes piezas superpuestas, a modo de doble exposición fotográfica, de modo que sus esculturas incluyen otras esculturas en su interior para estableces relaciones simbólicas relativamente sencillas pero bastante contundentes, a menudo reforzadas o inducidas por los textos incluidos en los títulos de las obras.
El aspecto superficial de las cosas y de los seres vivos es lo que utilizamos para crearnos una imagen identificativa de los rasgos representativos de cada especie concreta, y constituye la primera aproximación que el naturalista emplea para su identificación, pero su implicación con el ecosistema que le rodea y con las demás especies animales que lo alimentan o influyen en su biotopo es sugerida evocando los estudios anatómicos internos propios de las artes aplicadas a la investigación científica. Guthmann, bióloga de formación, traslada estos referentes iconográficos a sus obras, de calado más ecologista o antrozoológico, y por tanto a menudo simbólico, sociológico e incluso político.

A menudo combina materiales opacos con la translúcida oquedad de partes selectas de las criaturas reproducidas. Incluso llega a sugerir la cambiante adaptabilidad cromática del camaleón representándolo en resina transparente, pero la parte más significativa de su producción se basa en carcasas de trama metálica a menudo pintada, consiguiendo efectos alternativos según como se produzca la incidencia de la luz en la pieza, evocando el dibujo, al contraluz, y recordando a la pintura o la ilustración naturalista cuando apreciamos los cambios cromáticos en la superficie sugerida por los hilos metálicos coloreados.

La diferencia entre observar un objeto traslúcido a contraluz o bajo luz reflejada se hace muy evidente a cualquiera habituado al uso del microscopio, y su obra inspirada en la observación de microorganismos en una gota de agua, que combina la presencia de las reproducciones escultóricas con la de la proyección de sus sombras en la pared contigua expresa perfectamente lo que estamos refirendo.

Nadia Guthmann: Gota de agua:

Descripción:

Instalación en forma de colgante móvil compuesto por microcrustáceos y protozoos acuáticos realizados en tela metálica y metal desplegado. Proyección de la sombra en la pared.

Comentario: 

Tanto me interesaban los seres vivos que estudié biología. Haciendo mi tesis de licenciatura en ecología acuática, pasé muchas horas observando en lupa binocular muestras de agua con micro crustáceos: cladóceros, copépodos, anfípodos, que en esta escena mezclo con protozoos más amplificados vistos al microscopio. Me fascinaba encontrarme con organismos normalmente invisibles a nuestros ojos. Atravesados por la luz bajo la lupa, observar estos micro mundos transporta en un viaje por los intersticios de la realidad cotidiana ampliando el propio mundo.

Nadia Guthmann nace en 1964 en Buenos Aires y desde 1977 reside en San Carlos de Bariloche, Río Negro, Argentina. Doctora en Biología por la Universidad Nacional del Comahue (1998), su formación artística transcurre paralelamente en diversos talleres y cursos. Entre las distinciones recibidas en Escultura: Primer Premio XIII Salón Anual de Arte de la Fundación Bolsa de Comercio de Bahía Blanca (1996), Primer Premio XII Salón de Arte de Río Negro, Bariloche (2003), Mención de Honor Salón Nacional de Artes Visuales, Palais de Glace, Buenos Aires (2005), Mención 50º Salón Manuel Belgrano, Museo Sívori, Buenos Aires (2005), Tercer Premio Salón Nacional de Artes Visuales, Palais de Glace, Buenos Aires (2006), Segundo Premio, IV Salón Nacional de Artes Visuales de Cipolletti, Río Negro (2008) y Primer Premio, XVI Salón de Arte de Río Negro, Ing. Jacobacci, Río Negro (2009) y recientemente el Gran Premio Adquisición "Presidencia de la Nación", CI Salón Nacional de Artes Visuales, Palais de Glace - Secretaría de Cultura de la Nación, Buenos Aires (2012).
Becada por Fundación Antorchas, Programa de Formación de Artistas del Interior (1999) y por Fundación Trabucco, para perfeccionamiento en Buenos Aires (2005).

(http://www.nadiaguthmann.com.ar/)

En esta obra -que se llama Soberanía argentina– vuelvo a tomar la vaca, y está el buitre metiendo su cabeza adentro, donde hay un ternero. En ese momento pensaba que el buitre metiéndose en la Argentina y no dejándole el ternerito que estaba adentro, representaba muchas cosas, desde la megaminería, la explotación del petróleo, a las multinacionales. Había varias cosas asociadas con esa imagen y cuando la terminé se empezó a hablar mucho de los fondos buitres.

A continuación, os ofrezco un extracto de la entrevista que le realiza Melissa Bendersky para Mi Revista, y que podéis leer al completo, si lo deseáis, en el enlace correspondiente.

De lo inasible a lo concreto, o la animalidad de las personas. Por Melissa Bendersky.


Las esculturas de Nadia Guthmann a primera vista podrían describirse como animales que suelen tener otro dentro. Pero los planteos que propone la artista van de las problemáticas ambientales, a las sociales; de la idea de supervivencia, a las interpretaciones psicológicas.

“El dibujo es una forma de pensamiento en la cual se elabora e incorpora conocimiento.”

Sos bióloga y artista plástica, ¿cómo llegaste a tus dos profesiones?

Cuando era chica estaban las dos ligadas, creo que lo primero fue esa fascinación por los seres vivos, tenía muchas preguntas relacionadas con buscar un entendimiento sobre mí misma, los orígenes, los mecanismos que se aplican en todos los seres vivos, que tienen que ver con la evolución, el comportamiento. Y también iba dibujando animales. Era chica y por ahí me ponía a mirar en la tele un documental y mientras tanto, dibujaba. El dibujo es una forma de pensamiento en la cual se elabora e incorpora conocimiento. Cuando terminé el secundario, cada vez se asentaba más mi interés por la biología, la ecología, la evolución. Seguía dibujando y hacia esculturas, o sea, hacia todo. Pero tenía que elegir qué iba a estudiar y en ese momento pensé que era más difícil formarse como bióloga en forma autodidacta y también que era más difícil vivir como artista.

(...)

 En realidad, en estos trabajos convergen los temas biológicos o ecológicos, con los humanos. Hay cruces donde hay diferentes lecturas o significados, entonces por ahí estoy hablando de ecología o de una cuestión biológica, pero además estoy hablando de cuestiones sociales o psicológicas, donde los animales serían algún aspecto humano. Por ejemplo El carnero, tiene que ver con las estancias, con el animal doméstico, que está en un territorio alambrado; adentro tiene un puma, que es un animal autóctono, salvaje, que no tiene límites impuestos por otro. Y está la persecución de los estancieros que matan a los pumas porque se comen las ovejas. Y al mismo tiempo también estoy hablando de los pueblos originarios y la colonización, porque aparecen los alambrados y la definición de territorio, por encima de un uso de la tierra que estaba antes, y también hay persecuciones. Incluso en esa misma obra, a nivel psicológico lo podés ver desde el tema de si el carnero es uno mismo como animal domesticado, civilizado, sometido, que se maneja en manadas; y en su interior hay un aspecto que es salvaje, es agresivo, independiente.

(...)


http://www.mirevista.com.ar/nadia-guthmann/

www.nadiaguthmann.com.ar

Tal Danino: los límites entre la abstracción pictórica, la fotografía y el bioarte en un particular Microuniverso.

Vik Muniz y Tal Danino: Progreso y seguimiento de cultivo de células cancerígenas conformando la imagen de un gato

Tal Danino es un especialista en biología de síntesis que observa patrones visuales significativos en los cultivos que ocupan su tiempo como investigador, y aunque estos no son más que una herramienta instrumental para guiarle en su investigación, también sirve para ilustrar más fácilmente sus contenidos y objetivos para publicitarlos. 

Consciente de la potencia visual y estética de los cultivos obtenidos en sus placas de Petri, tal y como se había manifestado en trabajos de otro calado como los de Anna Garforh, Sein Balci, Melissa Fisher, y tantos otros que ni siquiera han tenido mención en nuestro blog pese a lo notable de sus trabajos. 

Danino es consciente del alcance de su trabajo en el ámbito del Bioarte y no duda en buscar su hueco como herramienta promocional de sus investigaciones, encaminadas a la manipulación genética de bacterias para eliminar tumores cancerígenos. Su postura significa una toma de conciencia desde el punto de vista del científico de la importancia de las artes visuales, o, más específicamente, del bioarte, para llamar la atención pública o facilitar, tal vez por pura mnemotecnia visual, la asimilación de contenidos oscuros para el público profano. Ya hemos dado cuenta en otras ocasiones de las metáforas visuales implícitas en la codificación genética en complicidad con la codificación de los programas informáticos, algo tremendamente claro para narradores como Michael Crichton o bioartistas digitales como Louis Bec.

Vik Muniz/Tal Danino

Ya son célebres sus colaboraciones con el artista brasileño Vick Muniz (habría que estudiar el profundo calado del bioarte en este país plagado de nombres ilustres en dicha disciplina, desde el propio padre del movimiento Eduardo Kac) y hemos de decir que cuando una obra de arte está física (Kac)o virtualmente (Bec) viva, constituyendo una creación artificial encaminada a su contemplación y asombro, constituye una pieza de genuino bioarte, campo con el que flirtean otras piezas que reflexionan sobre la existencia biológica a través de materiales o soportes de origen orgánico. En el caso de los trabajos de Muniz y Danino, el aspecto visual conseguido enlaza con la figuración, y especialmente con la fotografía y las imágenes de los mass media, lo cual, desde un punto de vista conceptualmente artístico es muy coherente con las obras de Muniz realizadas con todo tipo de materiales de deshecho, en la medida en que las reproducciones de imágenes responden en los procesos industriales a la aliteración de elementos visualmente contrastados en un orden determinado en complicidad con nuestra percepción.


Las piezas, de diversos tamaños (llegan incluso a sobredimensionar el formato habitual de las pequeñas placas de Petri usadas en los laboratorios) funcionan tanto como obras individuales aliterables en un espacio expositivo como también elementos integrantes de instalaciones encaminadas a crear un clima concreto para la reflexión, la contemplación y, cómo no, el estudio.

 


Ha conseguido dotar de especial relevancia, en ambientes expositivos umbríos, las cualidades cromáticas y translúcidas de las gelatinas de soporte para sus cultivos bacterianos en analogía con las propiedades físicas de los soportes fotográficos analógicos y los materiales fotosensibles en general, cosa que ya había quedado muy clara en algunos trabajos concretos en colaboración con Muniz, pero es notable el recurso de los marcos de diapositivas para establecer una asociación difícilmente destructible entre las artes y las ciencias mediante la fotografía.

Mafa Alborés.



Patrick D'Arcy le dedica una interesante reseña en el blog de noticias de TED:

El biólogo sintético Tal Danino manipula microorganismos en su laboratorio para crear patrones llamativos y vistosos. He aquí un vistazo al proceso que utiliza para convertir "¡Agh!" en "¡Oooh, uau!".El biólogo sintético Tal Danino se lava constantemente las manos, uno de los peligros ocupacionales de trabajar con bacterias durante todo el día en el Laboratorio de Sistemas Biológicos Sintéticos, que dirige en la Universidad de Columbia en la ciudad de Nueva York. Danino, seguidor de las TED, pasa la mayor parte de su tiempo tratando de aprovechar las propiedades únicas de las bacterias -las mismas propiedades que pueden hacerlas tan peligrosas para los humanos- y convertirlas en poderosos combatientes del cáncer.  
Pero cuando no está programando bacterias para combatir el cáncer, las está programando para hacer arte, en parte para hacer más difíciles los principios científicos más accesibles.  

"Es bueno usar las artes visuales para ayudar a comunicar la ciencia", dice, "y eso es porque el arte realmente trasciende los límites del lenguaje y también del conocimiento". 

Los recientes esfuerzos creativos de Danino incluyen una instalación feminista (feminist installation) de culturas bacterianas tomadas de los cuerpos de 100 mujeres (para las que colaboró ​​con la artista conceptual Anicka Yi), así como una serie de platos de cerámica inspirados en patrones bacterianos naturales (una colaboración con el artista y fotógrafo Vik Muniz). Para su último proyecto, Microuniverse, produjo una serie de imágenes deslumbrantes y abstractas creadas por diferentes especies de bacterias, cada una crecida bajo diferentes condiciones durante varios periodos de tiempo. 



"El proyecto trata de llegar a ver este universo invisible que es realmente pequeño ya nuestro alrededor, todos los días", dice.  

Aquí, describe algunos de sus proyectos extrañamente hermosos.

Alterar el entorno, alterar el diseño 
Al cambiar las condiciones -como la temperatura y la humedad- bajo las cuales se cultivan las bacterias, Danino descubrió que era capaz de manipularlas para crear ciertos patrones.  
Por ejemplo, la temperatura óptima para el crecimiento de muchas bacterias es de 37 grados Celsius, que es, como era de esperar, la temperatura del cuerpo humano. Si es más caliente o más frío de 37 grados, el crecimiento de bacterias simplemente se ralentiza. La humedad afecta a las bacterias de una manera diferente: cuanto más seco sea el ambiente, más probable es que las bacterias se agrupan para conservar la humedad. Cambiar la concentración de gel de agar - el medio de crecimiento para las bacterias - en la placa de Petri también afecta el patrón, dice Danino. Cuanto más suave es el gel, más rápida es la propagación de bacterias en un área más amplia. Una vez que Danino establece las condiciones iniciales, deja que las bacterias crezcan y espera los resultados. Utilizó cerca de 20 diferentes especies de bacterias para Microuniverse, dejándolas crecer por tan sólo dos días y hasta dos meses. Independientemente de las condiciones en las que se plantean, "cada bacteria tiene una preferencia natural por un tipo de patrón", dice. "Y tiene que ver con los detalles de cómo las bacterias nadan y cómo se comunican entre sí. Cada uno tiene su propia personalidad, si quiere.Variante de E.coliColonias de colorEs normal para los científicos utilizar tintes químicos para recopilar información sobre la estructura de una bacteria. Si quieren distinguir a Streptococcus pyogenes de E. coli, por ejemplo, mancharán un plato para revelar las formas de las células, permitiéndoles identificarlas visualmente. "Los científicos en su mayoría miran sólo las imágenes de un solo color", dice Danino, "así que acabamos de jugar fuera de eso." Además de los tintes tradicionales científicos, también experimentó con el uso de colorantes en el agar, así como en las bacterias. También probó varias combinaciones de colores para lograr un efecto de gradiente, como en esta imagen anterior.Bacterias del sueloExponer un universo invisible "Cada imagen enmarcada o cada plato de Petri es su propio pequeño mundo", dice Danino. "Esos patrones parecen algo que se puede ver en un copo de nieve, algo que se puede ver bajo el agua." Con cada placa de Petri, el proyecto pretende representar un universo abstracto propio. "Empecé a ver estas placas de Petri, y yo estaba en plan "uaah", como que se parecía a algo que vería en el espacio exterior." De ahí el nombre Microuniverse. 

El proceso de clonación molecular 
Los proyectos artísticos de Danino son algo que hace en su tiempo libre. Sus días están ocupados con el trabajo en biología sintética, un campo científico relativamente naciente que, ampliamente definido, implica la ingeniería de organismos vivos para lograr un comportamiento deseado. En su laboratorio, Danino edita y programa bacterias usando un proceso llamado clonación molecular. Después de identificar qué secuencias genéticas crean una determinada función biológica en un tipo de bacteria, él y su equipo pueden aislar estas secuencias, amplificarlas en el laboratorio y luego insertarlas en el ADN de las bacterias que desean exhibir esa función. 

 "Hoy en día, se puede escribir en esa secuencia en línea, y una empresa producirá esa secuencia sintéticamente y enviarlo a usted en un tubo", dice Danino.Bacterias del sueloAprovechar su potencial contra el cáncerRecientemente, Danino y su equipo han estado desarrollando bacterias - han estado trabajando con E.coli, un probiótico de E. coli y Salmonella - para detectar y tratar el cáncer. Sorprendentemente, las bacterias pueden crecer dentro de los tumores donde incluso el sistema inmunológico no puede alcanzar, y también pueden ser programadas para producir varias toxinas que causan la muerte de las células tumorales. Usando la clonación molecular, Danino está tratando de programar las bacterias para detectar y revelar tumores en el cuerpo y también para liberar las toxinas que combaten el cáncer una vez dentro de ellos. "Es casi como una situación tipo caballo de Troya", explica. "Las bacterias entran en el tumor y luego empiezan a fabricar el fármaco, y luego el tumor puede ralentizar o decaer". 



Una puerta de acceso visual a la cienciaDanino espera que proyectos como Microuniverse inspiren a la gente a aprender más acerca de los complejos mundos microbianos alrededor y dentro de nosotros y mostrarles que las bacterias pueden ser usadas con fines positivos, como la lucha contra el cáncer. "Es realmente difícil enseñar a la gente sobre el ADN y las proteínas y la clonación molecular", dice. "Pero creo que cuando ves una imagen, independientemente de tus antecedentes, te atrae para aprender más sobre la ciencia". ¿Qué sigue a este proyecto? Danino se ha asociado con la empresa Print All Over Me para crear ropa personalizada basada en las imágenes de bacterias de Microuniverse (parte de los ingresos se destinará a la investigación del cáncer). También espera continuar viajando por Microuniverse, que estará en exhibición en el MIT a finales de 2017. Su laboratorio también está trabajando para capturar videos de lapso de tiempo del crecimiento de bacterias lo que significa, efectivamente, que E. coli podría llegar pronto a una sala cerca de usted.

En colaboración con  Vik Muniz:

Progreso y seguimiento de cultivo de células cancerígenas conformando la imagen de un gato

http://www.taldanino.com/microuniverse

http://ideas.ted.com/gallery-the-most-beautiful-bacteria-youll-ever-see/
 
https://www.vice.com/es_co/article/colonias--vik-muniz-y-tal-danino-convierten-clulas-vivas-en-arte

http://mafa-elanimalinvisible.blogspot.com.es/2014/11/arte-con-microbios-el-bioarte-de-sein.html

http://mafa-elanimalinvisible.blogspot.com.es/2016/07/el-bioarte-autobiografico-de-mellissa.html