Cartoons fosilizados por el artista checo Filip Hodas. De vuelta a la anatomía comparada y la caricaturización de los recursos museísticos.

Filip Hodas : Canaria Tweetea (Cartoon Fossils)

Tanto desde un punto de vista profesional como teórico y académico hemos abordado con interés cuestiones al respecto de los recursos expositivos, las escenografías y las volumetrías en el ámbito de las exposiciones temáticas y los museos científicos y de historia natural.

El discurso expositivo de los museos y los recursos escultóricos, escenográficos y visuales empleados han generado todo un imaginario conceptual cargado de múltiples connotaciones que también ha sido abordado por muchos artistas de forma más o menos crítica y a menudo irónica o caricaturesca. A algunos de ellos, como Joan Fontcuberta, Luis Castelo, Manuel Barbero, Hyungko Lee, Jonathan Latiano, Patrick Gries o Michael Paulus les hemos dedicado comentarios concretos en este blog, y aunque algunos utilizaban la fotografía o el dibujo y la ilustración como medio de expresión, lo cierto es que la mayoría se decantaba por la escultura y las volumetrías porque este tipo de realizaciones suelen ser las más idóneas para proporcionar una experiencia de tránsito sensorial en los espacios expositivos de los museos y en las exposiciones temáticas.

Las artes aplicadas al servicio de la divulgación científica han construído todo un imaginario de los contenidos científicos, de conceptos asociados a la biología y la zoología, por ejemplo, que son anclados a recordatorios visuales que los ilustran, que los ejemplifican y que acaban calando en el imaginario colectivo. El discurso de exposición documental de los museos es plagiado y puesto en duda por Pere Formiguera y Joan Fontcuberta en "Fauna Secreta", mediante la fotografía (proyecto homenajeado por caricaturas posteriores como la del fotógrafo Xavier Mulet) o por Richard Wilkinson mediante la infografía, es complementado técnica y artísticamente por el fotógrafo Levon Bliss, o llevado a la sublimación entre arte y ciencia por las preparaciones de Adam Summers o de Iori Tomita. Otros, desde sus propias interdisplinaridades, como el fotógrafo naturalista, acuarista y paisajista Takashi Amano, han enriquecido tanto los conocimientos científicos como los recursos técnicos, conceptuales y artísticos de ambos mundos, el de la biología y el arte.

Filip Hodas

En otras ocasiones también hemos dedicado parte de nuestro tiempo a observar las implicaciones de trabajos de artistas digitales, infógrafos en 3D, que han ejercitado la escultura y las volumetrías virtualmente, eludiendo los soportes materiales reales aunque sus obras sean conocidas a través de las redes sin apenas distinción de aquellos que ejercen la talla y el modelado en el taller, de los cuales un ejemplo claro sería Mat Szulik con sus tallas de madera virtuales.

Filip Hodas, el artista cuya obra contemplamos hoy, pertenecería a esta categoría. 

No sólo recrea infografías que flirtean con el arte conceptual y la escenografía en series inspiradas en la fotografía documental y de naturaleza con propuestas futuristas distópicas que atañen a iconos culturales, sino que recientemente ha llevado los mismos recursos técnicos a una propuesta estética muy similar a las esculturas anatómicas caricaturescas de Hyungko Lee, recreando vitrinas museísticas con los restos fósiles de personajes de la cultura popular audiovisual extraídos principalmente de los dibujos animados.

Filip Hodas

Filip Hodas

Así, si en series anteriores proponía un mundo postapocalíptico en que muchos de estos personajes y otros referentes del cine, la ciencia ficción, los videojuegos, la ilustración y los dibujos animados cobraban forma aparentemente material para que la naturaleza tomase posesión de ellos en forma de ruina o vestigio, ahora Hodas hace la misma propuesta que Lee pero dejando constancia únicamente de las imágenes que a través de la red aparentarán documentar el vestigio material, biológico, de muchos de estos personajes.

La ficción de Hyungko Lee ofrece una experiencia directa y real en forma de auténticas esculturas que falsifican y carticaturizan vestigios anatómicos no exentos de cierta coherencia científica. Quien no haya visto sus exposiciones en directo puede formar parte de su público mayoritario, que las conoce a través de las fotografías que de ellas circulan por las redes, cuyo soporte digital en formato JPG es idéntico al que nos da a conocer las infografías de Filip de Hodas, lo cual no deja de ofrecer una interpretación de calado más profundo que la simple broma meramente estética, decorativa o superficial que impregna los comentarios de las páginas web en las que podemos observarlas, como podría darse en el artículo original de BoredPanda donde las hemos descubierto nosotros:

El artista 3D Filip Hodas ha convertido esto en realidad, en su serie de ilustraciones Cartoon Fossils, donde muestra los cráneos de famosos personajes de dibujos animados, como el Tío Gilito o Bob Esponja. 

Además, cada uno lleva divertidos nombres en latín de su “especie” y el año que aparecieron en televisión por 1ª vez.

Filip Hodas

Además, no es la primera vez que este artista residente en Praga nos sorprende con sus alucinantes imágenes. 

Ya nos asustó anteriormente con sus ilustraciones del apocalipsis de la cultura pop.

No te pierdas esta exposición virtual de sus obras y la entrevista con el artista sobre su inspiración y proceso de creación.

“Tras terminar la colección de 12 imágenes de Pop Culture Dystopia,

 estaba bastante quemado y quería hacer algo distinto". 



Entonces se dedicó a crear composiciones coloridas con cráneos animales y se subió al tren de artistas 3D que crean personajes de animación realistas.

“Mezclé los ingredientes y esto es lo que salió.”

“Desde pequeño me interesaban mucho los dinosaurios y sus fósiles. De mayor, me siguieron encantando los cráneos, y los dibujaba a menudo. Al comenzar con la ilustración 3D, los cráneos fueron de las primeras cosas que al menos tenía idea de cómo esculpir. En retrospectiva, la primera que hice y de la que estuve orgulloso era terrible.”

Decíamos en una entrada anterior sobre la caricaturización de la anatomía comparada por diversos artistas:

Michael Paulus

Por regla general, el arte figurativo se focaliza en reproducir o representar el aspecto superficial de los sujetos y objetos. No obstante, en el caso de la recreación de figuras humanas y zoológicas, el aprendizaje acerca de las estructuras internas de los cuerpos pasa por el conocimiento de la ilustración científica basada en estudios de anatomía interna. Los cuerpos desollados han servido de modelo para reproducir el aspecto que presentan huesos, músculos, nervios y demás órganos internos para comprender, desde el punto de vista del artista, el porqué de la motricidad específica de cada especie o individuo, el porqué de cada relieve que aflora en su piel, la exacta colocación de los huesos, qué músculo se contrae en una determinada pose, cómo se compensan los pesos para equilibrar el cuerpo en tal o cual posición, etc.

El conocimiento gráfico de la anatomía humana y animal acabó desembocando en plena era de la ilustración en lo que hoy conocemos como anatomía comparada gracias a la labor de estudiosos como Buffon o Cuvier, debido en gran parte a su capacidad de observación sustentada en sus notables dotes para el dibujo. El arte y la ciencia casi siempre han ido de la mano. De hecho, ya en la antigüedad clásica, los escultores griegos demostraban un apabullante conocimiento de la mecánica anatómica y el preciso comportamiento de los diferentes grupos musculares, a veces incluso los más minúsculos o aparentemente insignificantes.

Michael Paulus

Muchos son los estudios anatómicos de grandes artistas que han pasado a la posteridad, y no pocos los ejemplos de obras acabadas inspiradas por los esquemas gráficos propios de la didáctica encaminada a recordar las interacciones mecánicas entre huesos y músculos. Una vez que estas imágenes desolladas son bien conocidas, no sólo sirven de base para la realización de obras naturalistas, sino también, en ocasiones, un fin en sí mismas. Hyungko Lee, por ejemplo, en busca de una cierta coherencia anatómica que justifique las estilizaciones propias de personajes bien conocidos de los dibujos animados.

Jonathan Latiano

Otros, como Jonathan Latiano, se inspiran en las formas leñosas de los restos vegetales para forzar claras analogías con esqueletos de forma bastante oportuna, dado que en su caso recreaba esqueletos de delfines fluviales con restos arbóreos muertos arrastrados por las corrientes de los ríos que antaño habitaban. Evocando las representaciones plásticas de los museos y gabinetes de historia natural llegamos a ejemplos como los exquisitos acabados de las recreaciones de los Blaschka finalmente fotografiadas por Guido Mocafico que mostrábamos en nuestra entrada precedente, pero, tratándose de invertebrados, no hay huesos y los órganos internos se intuyen por el carácter traslúcido de sus cuerpos.

Hyungko Lee

El humor, la ironía, han alimentado los trabajos de artistas como Hyungko Lee. Un ejemplo de especulación anatómica notable es el de las obras de Jason Freeny, a quien injustamente no habíamos dedicado todavía comentario alguno. Freeny nos demuestra que la caricatura es aplicable a la anatomía y viceversa: la anatomía puede ser deducida con cierta coherencia o rigor científico a partir de caricaturas o de personajes imaginarios.

Michael Paulus

No es esencialmente diferente de lo que hace también Michael Paulus en sus dibujos anatómicos de personajes de los cómics y los dibujos animados, pero sin duda, al tocar las volumetrías con sofisticadas técnicas, consigue sacarles las tripas a las típicas reproducciones comerciales de dichos personajes, adaptándose al particular estilo formal en los que se basa cada uno, desde la ortogonalidad de los personajes basados en piezas de Lego hasta las redondeces propias de los muñecos hechos con globos inflables, en claro homenaje a ciertas obras de Jeff Koons.

Jason Freeny

Así, si Patrick Gries consigue piezas de arte fotográfico a partir de autenticas preparaciones de estudios óseos, Hyungko Lee se imagina cómo sería hacer exactamente lo mismo con anatomías caricatrurizadas como los personajes de Disney o de las Looney Toones de Warner.
De Freeny os ofrecemos una selección de trabajos (difícil, porque su producción es muy extensa, tanto en forma de escultura o volumetría física como en diseños 3D digitales) y un extracto de un interesante artículo con entrevista publicado originalmente por Iris Hoekstra para The Creator's Project. (Comentario al respecto de una muestra de los dibujos de Michael Paulus que habíamos añadido a un artículo orginal de spacemosphere  dedicado al dibujante)

Jason Freeny

A la vista de estos referentes podemos contextualizar mejor el alcance de la obra de Filip Hodas y el universo estético y conceptual que la precede, por lo que de algún modo establece inevitablemente no sólo una observación crítica de la cultura pop y su iconografía, o de la cultura científico-museística y su iconografía, sino de los artistas que ya han jugado el mismo juego con anterioridad mediante técnicas plásticas matéricas. El valor añadido de Hodas, como en el caso de Mat Szulik, reside en el soporte digital y en la virtualidad, la intangibilidad de sus piezas, protegidas por vitrinas virtuales intocables dentro de la vitrina en que hemos convertido nuestras pantallas de ordenador, remitiendo, una vez más, al cuadro dentro del cuadro magrittiano.

Mafa Alborés


Filip Hodas, Pop Culture Dystopia:

 

 

Filip Hodas: Cartoon Fossils:

Canis Goofus – EEUU, 1932

Anas Scroogius – EEUU, 1947

Spongia Bobæ – EEUU, 1999

Homo Popoculis – EEUU, 1929

Mus Minnius – EEUU, 1928

  Más información en: Instagram | Behance | Facebook

Enlaces:

https://www.instagram.com/hoodass/

https://www.behance.net/filiphds

https://www.facebook.com/FilipHds/

https://www.boredpanda.es/craneos-dibujos-animados-filip-hodass/?utm_source=mafa-elanimalinvisible.blogspot&utm_medium=referral&utm_campaign=organic&fbclid=IwAR01tyZZoSfoAIpgXEOj_FGnHyW7BT9qelfiSNGD5_x27QwFP6x9EvyrKB4

http://www.moistproduction.com/Menu/index.html

Jonathan Latiano
http://mafa-elanimalinvisible.blogspot.com.es/2015/09/analogia-organica-y-escultura-zoologica.html

Patrick Gries
http://mafa-elanimalinvisible.blogspot.com.es/2014/09/anatomia-fotografia-movimiento-patrick.html
http://thecreatorsproject.vice.com/es/blog/hablamos-con-el-tipo-que-esculpe-las-entranas-de-juguetes

Hyungko Lee
http://mafa-elanimalinvisible.blogspot.com.es/2013/11/bioarte-humor-e-ironia-por-hyungko-lee.html
http://mafa-elanimalinvisible.blogspot.com.es/search/label/Hyungkoo%20Lee

Michael Paulus
http://michaelpaulus.com/section/59023-Character-Study.html



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Enlazamos oportunistamente los trabajos de Kathleen Ryan con una instalación de Team Lab que nos recuerda inevitablemente a ciertos trabajos de Makoto Azuma que habíamos vinculado a otras obras artísticas con flores y plantas en una entrada anterior.

La reivindicación del mundo natural a través de las manifestaciones artísticas tiene algo de paradójico, porque cuanto más destruimos el entorno natural y nos alejamos de él, más valor damos a los elementos naturales, convirtiéndolos en joyas de la naturaleza revalorizadas como mercancía de contemplación estética. El arte es una forma de preservación de recuerdos del mundo natural en sus inicios y no ha dejado de seguir practicando este fin en los últimos tiempos. Ofrecer experiencias sensoriales que nos devuelvan al contacto con el mundo natural, pero con un distanciamiento intelectual que a la vez imposibilita dicho contacto de manera genuina.

Añoramos un entorno natural idealizado, benévolo y hermoso, que propicie un estado físico y espiritual pacífico y armónico con nuestra propia condición natural, pero el mero hecho de reflexionar sobre ello nos desvincula de una relación ordinara con la naturaleza, de la que extraemos y destacamos tan sólo aquello que nos beneficia o misteriosamente nos conmueve sensorial y estéticamente. Tal y como se nos informa desde la entrada original de ArtPeople, las intervenciones artísticas de Team Lab a las que hacemos hoy referencia apuntan en esta problemática dirección:

Perdidos en la naturaleza, donde los límites entre el jardín artificial y el bosque no están claros, podemos sentir que existimos en una relación continua y sin fronteras entre la naturaleza y los humanos. Es por esta razón que teamLab decidió crear una exposición en este vasto espacio laberíntico, para que las personas se pierdan y se sumerjan en la exposición y en la naturaleza.

Por todo ello  nos ha parecido interesante, oportuno, y coherente con las selecciones habituales de El Animal Invisible, recoger el testimonio de esta instalación y ofreceros el comentario de ArtPeople al respecto:


Las flores parecen florecer y marchitarse en una instalación receptiva 
(por teamLab, artpeopleadmin, 14 de septiembre de 2019)

El parque Mifuneyama Rakuen de 500,000 metros cuadrados fue creado en 1845, durante el final del período Edo. En el límite del parque se encuentra el famoso árbol sagrado Okusu de 3.000 años de antigüedad del Santuario Takeo. También en el corazón del jardín hay otro árbol sagrado de 300 años. Conociendo la importancia de esto, nuestros antepasados ​​convirtieron una parte de este bosque en un jardín, utilizando los árboles del bosque natural. El límite entre el jardín y el bosque salvaje es ambiguo, y cuando deambulan por el jardín, antes de darse cuenta, la gente se encontrará entrando en el bosque y los senderos de animales. Engarzada en el bosque está la deidad Inari Daimyojin rodeada por una colección de rocas casi sobrenaturales en su formación. Hace 1.300 años, el famoso sacerdote Gyoki llegó a Mifuneyama y talló 500 Arhats. Dentro de las cuevas del bosque hay figuras de Buda que Gyoki talló directamente en la roca que aún permanece en la actualidad.

El bosque, las rocas y las cuevas de Mifuneyama Rakuen se han formado durante mucho tiempo, y las personas de todas las edades han buscado significado en ellas a lo largo de los milenios. El parque que conocemos hoy se encuentra en la cima de esta historia. Es la relación continua entre la naturaleza y los humanos lo que ha hecho que la frontera entre el bosque y el jardín sea ambigua, manteniendo este patrimonio cultural hermoso y agradable.

Perdidos en la naturaleza, donde los límites entre el jardín artificial y el bosque no están claros, podemos sentir que existimos en una relación continua y sin fronteras entre la naturaleza y los humanos. Es por esta razón que teamLab decidió crear una exposición en este vasto espacio laberíntico, para que las personas se pierdan y se sumerjan en la exposición y en la naturaleza.

Existimos como parte de una continuidad eterna de vida y muerte, un proceso que ha continuado durante un tiempo abrumadoramente largo. Sin embargo, es difícil para nosotros sentir esto en nuestra vida cotidiana, quizás porque los humanos no pueden conceptualizar fácilmente el tiempo por períodos más largos que sus propias vidas. Hay un límite en nuestra comprensión de la continuidad del tiempo.

Al explorar el bosque, las formas de las rocas gigantes, las cuevas y el bosque nos permiten percibir y comprender mejor ese tiempo abrumadoramente largo sobre el que se formó todo. Estas formas pueden trascender los límites de nuestra comprensión de la continuidad del tiempo.

El proyecto de teamLab, Digitized Nature, explora cómo la naturaleza puede convertirse en arte. El concepto del proyecto es que la tecnología digital no material puede convertir la naturaleza en arte sin dañarla.

Estas obras de arte exploran cómo las formas de rocas gigantes, cuevas, bosques o el jardín donde la naturaleza ha existido continuamente en contacto con la vida de las personas, hacen posible crear un lugar donde podamos trascender el límite en nuestra comprensión de la continuidad. de tiempo y sentir la larga, larga continuidad de la vida. Las obras fomentan una vez más la contemplación del significado de "vida continua" que ha existido durante muchos años en Mifuneyama.

                            


Pueden ver más esculturas e instalaciones animadas por computadora en el sitio web de teamLab y Vimeo.

You can view more computer-animated sculptures and installations on teamLab’s website and Vimeo. 

Submit your Artwork and join our artists @
https://www.artpeoplegallery.com/register/ TO BE FEATURED. https://www.facebook.com/becomesupporter/109328009139524/
https://www.artpeoplegallery.com/

https://www.artpeoplegallery.com/flowers-appear-to-blossom-and-wither-in-a-responsive-installation-by-teamlab/

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De las quimeras digitales de Sara DeRemer a Julien Tabet y los fotomontajes de animales y su significado cultural.

Reencontramos en Julien Tabet la sintomática y persistente reiteración de tópicos iconográficos de la antrozoología artística pretendidamente surrealista del siglo XXI.

Imágenes obvias, autocomplacientes y simultáneamente reivindicativas ante la alarmante pérdida del mundo natural, y por tanto indicios de un contexto de crisis ecológica que de puro evidente no para de gritar en silencio engañosamente escópico, como el mudo grito desesperado de Michael Corleone, tal vez el único momento memorable de la tercera entrega de El Padrino.

Hace ya cuatro años que le dedicamos una entrada a los fotomontajes digitales de Sarah DeRemer pese a considerarlos obvios, facilones u oportunistas reclamos escópicos de la red para un público sin muchas exigencias artísticas y poco crítico ante los alardes técnicos meramente resultones.

Y es que la presencia masiva de dichas imágenes en infinidad de páginas web, blogs, redes sociales (y muchos otros sitios sin acreditar) constataban un cierto calado en el imaginario contemporáneo de este tipo de quimeras digitales que suscitan el asombro complaciente y la admiración por lo supuestamente artístico, sorprendente, original, realista (en el sentido de "bien dibujado", "bien hecho" -heredado de la antaño difícil habilidad de dibujar o fotografiar con maestría desde el punto de vista del lego en habilidades artísticas no digitales-).

Pese al aparente escepticismo despectivo de estas observaciones, he de decir que valoro mucho y sin complejos la maestría técnica fruto del disfrute y la paciencia observadora de DeRemer, y hemos de admitir la vigencia de sus trabajos como una muestra de las tendencias iconográficas de nuestra época y de la persistente constatación de la invisibilidad de los animales tras su aparente omnipresencia mediática e iconográfica en los nuevos medios artísticos, como no nos cansamos de repetir desde esta bitácora.

Recordemos lo que decíamos al respecto de dicha tendencia a propósito de la compilación de Photoshop-montajes de Sara DeRemer:

Existen en la red muchas imágenes de fotomontajes que se han vuelto virales, la mayoría de ellos dedicados a la hibridación de especies animales o su asociación a objetos de diversas índoles. No creo que los trabajos de Sarah deRemer sean técnicamente excepcionales, pero sí creo que su sencillez de recursos, sus facilones e inmediatos recursos de photoshop los convierten en agudos collages cuyo mérito radica en la selección de los protagonistas del fotomontaje, como es el caso del tiburón blanco con mirada de araña (que aúna las dos zoofobias más emblemáticas), o su serie de animales-fruta, que tal vez constituya una reflexión más profunda que un mero juego visual acerca de las fronteras del veganismo, y que, como podéis ver en los ejemplos que acompañan este texto previo al muestrario de DeRemer, tampoco son estrictamente una idea original o técnicamente más perfecta que sus precedentes. DeRemer, sencillamente, parece haber meditado un poquito más tras observar dichas imágenes preexistentes, y se diría que se ha limitado a intentar emularlas junto con la fascinación que a ella misma le producían, sin más pretensiones, pero me da la sensación de que, durante el proceso, la tenue pregunta subyacente de por qué se sentía atraída por estas criaturas surtidas de la imaginación y de los archivos de imágenes zoológicas, nos resultan tan turbadoras, y es por todo ello que hemos querido rendir tributo a las quimeras del s.XXI, marcado por el Photoshop, a través de los sencillos pero contundentes trabajos de Sarah DeRemer, encaminados a perderse, posiblemente, en el anonimato de los buscadores de imágenes si no ponemos remedio.

De esta serie, destacaría la fusión del Kiwi ave y el Kiwi fruta. Muchos me han preguntado quién debe su nombre a quién. La verdad es que la peculiar ave neozelandesa debe su nombre a su voz característica, que suena a algo semejante a la onomatopeya que la nombra. El parecido de la fruta de la también genuínamente neozelandesa enredadera le otorgó la misma denominación por parte de los habitantes de la isla. No hay que decir que son ya muy vistos en internet montajes de esta índole, y que ya habíamos visto ratones-kiwi, ranaranjas, cebrocerontes y toda suerte de hibridaciones, pero son tan replicadas y copiadas a través de la red que ya no es fácil determinar su autoría, y a alguien había que adjudicar el mérito de producir obras de este tipo, y que constituirían un género emparentado con los cadáveres exquisitos, el dadá, el surrealismo e incluso la crítica a la ingeniería genética tan ilustremente analizada por autores de peso como Patricia Picinini.

Desde luego, Julien Tabet no sólo realiza fotomontajes digitales protagonizados por animales, sino otros muchos de temáticas diversas, pero muchos de los más divulgados a través de las redes son éstos, y sin duda los más populares, como no podría ser menos en un universo en el que todavía imperan los videos y memes de gatitos.

La cosificación de los animales convive con una absurda y seguramente inevitable espiritualización de vocación más profunda aunque de tratamiento cada vez más superficial (no por ello menos persistente) y, tal vez por ello inocua, que intenta colarse como sea en el inconsciente colectivo hasta que nos decidamos a admitir las consecuencias ecológicas de nuestra cultura amparada en un estilo de vida cada vez más artificioso, depredador y contaminante.

A diferencia de la juguetona experimentación de DeRemer, Tabet repite ciertos recursos que atañen a los rasgos superficiales de la imagen de los animales y a su calado cultural, pero también los evoca como recipientes metonímicos de sus biotopos a través de símbolos como el mar y las peceras, tal y como de alguna manera ya habíamos observado en Isana Yamada, Robin Wood, Tiffany Bozic, Andreas Lie y otros artistas que ya hemos comentado en su momento.

Hablaríamos de cierto lirismo facilón y new age si no nos sedujera un cierto atisbo de convicción estilística y solvencia técnica en el caso que nos ocupa, pero, en todo caso, que quede claro que no soy el único en seleccionar preferentemente como muestrario de Tabet sus imágenes con presencia de animales preñadas de simbolismo, pretensiones poéticas y referencias culturales sin perder un ápice de dramatismo ni humor socarrón.

Mafa Alborés


Julien Tabet:

https://www.instagram.com/julien.tabet/?hl=es

https://www.facebook.com/Julien-Tabet-258318671349102/

http://culturainquieta.com/es/arte/arte-digital/item/13597-los-animales-fantasticos-y-surrealistas-de-julien-tabet.html

https://www.boredpanda.com/fantastical-surreal-manipulations-julien-tabet/

Dioramas submarinos en cachalotes transparentes por Isana Yamada. Tsukumogami y antrozoología artística.

Animales vinculados a sus paisajes mediante la estética de la doble exposición fotográfica, por Andreas Lie y el antecedente del paisaje como soporte de sí mismo en las genuinas fotografias de Abe Morell.

DINOSAURIOS DIBUJADOS POR NIÑOS REINTERPRETADOS POR DOUGAL DIXON. Los límites entre la especulación y la fidelidad gráfica.

Sarah DeRemer. Quimeras y photoshop.

Felix Deac frente a Patricia Piccinini y otros escultores que indagan los límites de la animalidad en las fronteras del bioarte.

Cabeza de animal. Bestiario de Francesco Sambo y un repaso a otros creadores de zoocéfalos fotorrealistas.

Híbridos humano-animal. Antrozoología pictórica y surrealismo: Matthew Grabelsky.