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domingo, 27 de septiembre de 2015

Acto divino, acto canino.








La dedicación y esfuerzos necesarios para elaborar una imagen reivindicativa, documental y artística se viraliza al tiempo que se diluye y desvirtúa en el medio digital e internet. Producir imágenes por medios digitales es tan rápido y en muchos aspectos tan sencillo que el valor de la obra queda al margen de su pura iconicidad, lo cual pone a las artes tradicionales, matéricas, sobre soportes físicos y basadas en las habilidades y maestría técnica del ejecutante, en productoras de auténticos monumentos a los temas representados. Adquirir una pieza del "Museum of compassion" es una forma de contribuir económicamente a la salvación de perros cautivos con los días contados antes de su sacrificio. El proyecto "An Act og Dog" (un juego de palabras que con una simple inversión del orden alfabético convierte un acto de Dios/God en un acto de Perro/Dog) busca materializar la presencia de los perros a rescatar y de la compasión a reivindicar por parte de la comunidad humana, mediante la venta de pinturas y reproducciones de retratos de perros con una historia detrás, una historia de sacrificio provocado por causas e intereses humanos. Antrozoología artística en estado puro, pero también una estrategia de mercado y promoción de la obra artística de Mark Barone, en complicidad con las capacidades profesionales y comunicativas de Marina Dervan y Brenda Cooper, artífices más visibles de la iniciativa, encaminada a la concienciación y a la recaudación de fondos para promover educacionalmente la erradicación del maltrato animal con los perros como baluarte de nuestros cómplices zoológicos. Sin duda la iniciativa y su forma de gestarse me parece destacable, inteligente y respetable, aunque mi instinto arácnido vibra.

Os facilito la información que también podéis encontrar en los enlaces a la página web y al blog de "Act of Dog".



MARK BARONE 

Prior to starting this charity, Mark had been an Artist for over 30 years, with his work featured in top art publications, awarded and exhibited throughout America, with much of his work hanging in private and corporation collections all over the World.
In addition to this his art career, Mark is the CEO of "ArtSmartCities" and a national award winning Consultant to cities across America, showing them how to use the arts to revitalize blighted neighborhoods, and is revered for his successful creation and implementation of the “Paducah Artist Relocation Program,” in Paducah, Kentucky. This cutting edge program won the Governor’s Award in the Arts, the Kentucky Chapter of the American Planning Association Distinguished Planning Award, the Kentucky Earth Day Award for Preservation, the national award from the American Planning Association for a Special Community Initiative, and the Rudy Bruner award for Urban Excellence.                                                     Mark donates 100% of the money from his consulting to An Act of Dog!

MARINA DERVAN

Marina Dervan is the CEO of "The Honesty Coach" and a twenty year veteran of coaching corporate executives from Wall Street and North America, to the city of London and Continental Europe. Renowned as a dynamic, powerful, and inspiring coach, she devoted her life to finding compassionate solutions to “people problems” and developed her own system- "The Conflict Cure" for helping leaders, celebrities and couples, identify and successfully navigate through the deluge of human emotions and harmful mental constructs, back to a place of peace and personal power.     Marina donates 100% of the money from her sessions to An Act of Dog!

BRENDA COOPER 

Brenda is an Emmy award winning costume designer and celebrity stylist. She is renowned for "The Nanny" and "Happily Divorced" with Fran Drescher, and is the go to style guru for the Hollywood elite. She is currently creating the look for "Better Late Than Never," a new NBC show starring William Shatner, Henry Winker, Terry Bradshaw, George Foreman and Jeff Dye. Brenda is lending her big heart to our cause and is committed to helping us make the world a more compassionate place for animals. Click here to learn more: Brenda Cooper!

http://anactofdog.org/pages/board




http://anactofdog.org/


sábado, 26 de septiembre de 2015

Adam Newton y sus collages tridimensionales con dinosaurios.




Dedicamos una entrada a los curiosos collages estereoscópico de Adam Newton, más por su extraña ocurrencia de rescatar vestigios documentales de antigua divulgación zoológica (paleontológica) en 3D y asociarlos mediante collage a imágenes extraídas de la historia del arte (concretamente figuras de cuadros de temática religiosa o litúrgica) que por la relevancia, trascendencia o calidad de su trabajo, que no entramos a valorar y dejamos a juicio del espectador. Necesitaréis gafas anaglifas para verlos tridimensionalmente. Ya sabéis que las imágenes estereoscópicas, y muy especialmente las anaglifas, visitan periódicamente el muro de este blog porque son una referencia directa a nuestra particular percepción animal, esteroscópica y en color. Además, en este caso, las imágenes reproducen animales, concretamente criaturas extintas, mitos naturales que ya no podremos experimentar directamente y que reclaman cualquier forma artística de resucitar su presencia tridimensional o en movimiento, pero no es sólo ésto lo que hace que las obras de Newton nos atraigan para nuestro particular catálogo de arte, zoología y percepción, sino por el añadido de estas figuras (bidimensionales, por cierto) que nos recuerdan la presencia de la concepción creacionista del mundo sobre la evolucionista, en un bucle conceptual que no ignora que, en su día, los primeros hallazgos arqueológicos de los dinosaurios servían de argumento para corroborar los relatos bíblicos sobre el diluvio que seleccionó para la posteridad solamente a la fauna rescatada por Noé, dando pié a la expresión "antediluviano" para referirse a las criaturas de un pasado remoto. La tosca simplicidad de los collages de Newton no impiden extraer nutritivas reflexiones al respecto.
Las imágenes y demás contenidos con los que nos permitimos ilustrar este comentario los extraemos de una de nuestras habituales (y favoritas) fuentes: Koprolitos, cuyo post original reproducimos a continuación con su correspondiente enlace:

martes, 8 de septiembre de 2015

Better Gifts Are Electric, los collages tridimensionales de Adam Newton

El artista británico Adam Newton se movió hace pocos años desde Londres a Chatham, en Kent, y centró su obra en la elaboración de pinturas naturalistas y collages. Sobre estos últimos, Newton sigue un proceso por el cual reutiliza pinturas enmarcadas a las que incorpora elementos como vidrio o imaginería religiosa. En su serie "Better Gifts Are Electric", realizada este año, utiliza láminas tridimensionales de dinosaurios sobre las que inserta personajes que recuerdan vírgenes y santos. Ahí dejamos una muestra:




jueves, 24 de septiembre de 2015

Brian Kane nos invita a revisar la vieja cuestión del cuadro dentro del cuadro y la asociación entre ventana y paisaje.

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Las imágenes autoinclusivas implícitas en el viejo problema del cuadro dentro del cuadro de Magritte
(nuestras propias reflexiones de antaño )




Creado como un conjunto de vallas a lo largo de dos carreteras de Massachusetts, "Herramienta de Sanación", traducción literal del nombre de una de las herramientas de Photoshop (“Healing Tool”), es una instalación temporal de arte público que el artista Brian Kane produjo para aliviar temporalmente el estrés y promover la introspección durante la monotonía del viaje diario al trabajo.
Las vallas digitales de Kane muestran imágenes de ambientes naturales de los alrededores en una especie de antianuncios ("unvertisements") que no promocionan nada concreto pero que reclaman la atención por el hecho de incluirse dentro del marco o cuadro que normalmente se reserva a las vallas publicitarias, llamativas en este caso por mostrar fragmentos del paisaje natural cercano, poniendo en evidencia los espacios edificados, urbanizados o artificiales que los rodean. Esta crítica al propio concepto de espacio enlaza con otras obras que Kane ha venido produciendo y que coloca experiencias digitales en situaciones del mundo real. "Herramienta de Sanación" o "tirita"es el nombre de una de las herramientas que Photoshop utiliza para parchear sobre errores en las fotografías, al igual que su proyecto está remendando sobre repuntes no naturales del paisaje (vallas publicitarias) visto desde la autopista. Tal vez lo único criticable en este planteamiento es la simpleza que reduce a artificial únicamente a aquello que no es orgánico y ha sido fabricado por el hombre, ya que cualquiera entiende que un jardín o una maceta con geranios son tan artificiales como la mayoría de los paisajes reforestados por el hombre. En todo caso, que una obra artística suscite esta reflexión es indicativo de su contenido y sus posibles lecturas. La integración de naturaleza y artificio está ligada a la de realidad y reproducción/representación en las series pictóricas que incluyen "la Venganza" o "Los paseos de Euclides" de Magritte y que ya habíamos comentado con anterioridad al respecto de las obras de Catherine Nelson, por ejemplo, y uno de los argumentos básicos que sustentan los contenidos de este blog.
Las piezas cambian dependiendo de la hora del día. Las horas del día cuentan con imágenes naturales de las zonas que rodean a las vallas, mientras que las horas nocturnas muestran imágenes de alta resolución de la luna y de la Vía Láctea, que permiten a los espectadores una visión clara del cosmos a pesar de la contaminación lumínica urbana.

Kane explica: "Al eliminar el mensaje de la comercialización del espacio publicitario, creamos un momento inesperado de introspección. A la gente se le permite interpretar una imagen basada en su propia experiencia, y no necesariamente con el enfoque singular de la intención del anunciante. "

A través del proyecto del Creador y Junkculture, COLOSSAL nos facilita los contenidos que ilustran nuestra entrada, en esta ocasión compilado y comentado por Kate Sierzputowski.



http://www.thisiscolossal.com/2015/07/brian-kanes-unvertisement-billboards/



Artist Buys Billboard Advertising Time to Display Art Instead of Ads on Massachusetts Highways 


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All images @Brian Kane, photography by Nate Wieselquist and Simone Schiess
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Created as a set of billboards along two Massachusetts highways, “Healing Tool” is a temporary public art installation by artist Brian Kane produced to temporarily relieve stress and promote introspection during one’s monotonous daily commute.
Kane’s digital billboards circulate between pictures of surrounding natural environments, creating “unvertisements” that promote nothing instead of shoving products, restaurants, and services in consumers’ faces from above. The piece builds upon a body of work Kane has been producing that places digital experiences into real world situations. “Healing Tool” is named after the Photoshop tool used to patch over errors in photographs, just as his project is patching over unnatural blips of landscape (billboards) seen from the highway.
The pieces change depending on the time of day. Daylight hours feature natural images of areas surrounding the billboards, while evening hours display high-resolution images of the moon and Milky Way that allow viewers a clear glimpse of the cosmos despite urban light pollution.
Kane explains, “By removing the marketing message from the advertising space, we create an unexpected moment of introspection. People are allowed to interpret an image based on their own experience, and not necessarily with the singular focus of the advertiser’s intent.” (via The Creator’s Project and Junkculture)

miércoles, 23 de septiembre de 2015

Ruth Van Beek pliega la realidad fotográfica.

Ruth Van Beek logra conmover nuestra percepción de las cosas recordándonos que es fraccionaria, y lo consigue sencillamente vaciando, troceando y plegando fotografías generando una serie de rompecabezas que remiten precisamente a que nuestra concepción del mundo se basa en la construcción de piezas percibidas como un conjunto ordenado o con cierto sentido, pero siempre tan incompleto como sus imágenes.

 Os ofrezco un extracto del artículo de Brad Feuerhelm dedicado a la obra de la holandesa en ASX (american suburbx) y os dejo el enlace a su web y al artículo fuente original.


http://www.ruthvanbeek.com/


http://www.americansuburbx.com/2015/09/interview-ruth-van-beek-folded-dramas-unseen.html?fb_ref=899d8a238d994c6889986ebe9069e668-Facebook

Interview Ruth Van Beek: Folded Dramas @ Unseen

By ASX Editors on September 15, 2015
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 “For me the attraction of photography has always been very attached to it’s physical appearance. The old analogue album photo, a pass photo in a wallet, a damaged picture found on the street. The combination of what is on the image and the shape that its is in provides the image with an important extra layer of drama”.

Ruth Van Beek: The Folded Drama of Photography @ Unseen
By Brad Feuerhelm
Ruth van Beek graduated in 2002 at Gerrit Rietveld Academy in Amsterdam following a Master in Photography. Her work was presented in several solo and group exhibition in Amsterdam, Antwerp, Berlin, Austin, New York and Beijing. Her collages are nuanced mediations on the nature of image, material, and the the subsequent folding of pre-existing images to create a new, powerful, and often alienating new visual paradigm from the original source material. She is represented by Ravenstijn Gallery in Amsterdam who will be presenting her work at the fair this year, Booth 51.
BF: I have followed your work for sometime being a fan of your first book “The Hibernators” with RvB Books. What struck me most about the work was the careful attention paid to folding an images and what new and somehow alien dimension it brought to the original source material. For me, collage is a delicate procedure, from Hannah Hoch forward, there have been multitudes of artists who employ the collage as practice but few are very successful in my opinion. Can you enlighten our readership about how you came to the “folding formula”?
RVB: For me the attraction of photography has always been very attached to it’s physical appearance…the old analogue album photo, a pass photo in a wallet, a damaged picture found on the street. The combination of what is on the image and the shape that it is in provides the image with an important extra layer of drama. After collecting photos for a few years and making books with them, I realized that I missed something essential. I was cherishing these anonymous pictures as if they were my own. But of course, they where not. And in order to make them mine I had stop treating them as treasures. I decided I had to do the opposite and damage them in an almost violent way. I remember the first time I put my knife in a portrait of an anonymous women. It was so good to do this bad thing. And this is where it all started.
BF: Did you start with the photographic medium or was it general art school?
RvB: I studied at The Gerrit Rietveld Academy in Amsterdam. The first year is a general basic year, there is a lot of room to experiment and to discover what you want to do. Last year, I started teaching at the GRA in the basic year, and getting back in the energy of art school made me realize how important this first year had been for me. The academy provided me with a safe space where there was room to make things go horribly wrong.
After the basic year I studied photography, I think  I had already chosen this department because of my strong love for the photographic image, not so much for the technical part of the medium. This was an element in my way. I was too impatient for the analogue process, and I never had the money to develop my film. I soon started to make my own sort of archive. A mixture of weird snapshots, polaroids, and found footage. In the end, I stopped making photos. I just collected and worked with existing photos, mainly family album photography. I used these anonymous pictures to make books with.
BF: Collage often times has a surreal edge to it, perhaps unintentional or perhaps due to the constraints of procedure. In your work, there is a heavy organic feel to the image…a sort of zoo or bio-morphic quality…Is there a reason you engage with images of the natural world in your work?
RvB: I like the way the animals are photographed, especially in the practical books about pets. Dogs, cats, guinea pigs, chickens…They look like strange objects, forced in the frame of the picture, looking hopelessly lost. When I start cutting or folding the cutout, I kind of try to free the animal again from it’s pose, only to capture it again in a new transformed pose or shape.
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“I was cherishing these anonymous pictures as if they where my own. But of coarse, they where not. And in order to make them mine I had stop treating them as treasures. I decided i had to do the opposite and damage them in an almost violent way. I remember the first time i put my knife in a portrait of an anonymous women. It was so good to do this bad thing”.

Same goes for the house plants. Bringing nature in the house, constraining it in a pot in the window. The plants, the animals, they share our lives and at the same time they don’t share, but live in a paralel reality. That I find interesting and it seems to come back in my work all the time.
The cutout shapes I use are probably the most biomorphic. It is the natural shapes that appear when I make a drawing or when I start cutting. I like it when these shapes look like volumes, like floating or growing balloons. I want them to be in an in between state. Somewhere between object and living organisme.
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BF: Perhaps I should not ask…my grandfather got me interested in history by giving me a National Geographic journal in the 80’s which featured the King TUT Sarcophagus….could I ask what type of source materials you tend to look through? Many people using collage often find pornography an obvious source…yet your images are sensual without employing pornographic materials
RVB: ah! Archeology! I guess that’s where it started for me too when I was a kid. The mysteries of ancient Egypt, the pyramids, the gifts for the dead. I often think of myself as an archeologist when I am collecting books in the second hand store. I love to wonder around in these places, all the objects from all the different houses and families. All stuck together by coincidence. I try to limit myself to the book department, but the actual objects are tempting to bring home as well. The amount of genres in the book department of a typical Dutch second hand shop is in a way very limited and clear. You have the practical books that for years were present in every house hold. Books on cooking, gardening, flower-arranging, pets, knitting and other handicraft. All subjects very close to home and daily rituals.
And than there are the books that made you dream away. Travel guides, Expeditions to the north pole, Exotic birds, Greek statues, Ancient Egypt, wildlife, archeology, minerals and rocks. ( Not a lot of porn in the regular second hand shop where I shop. ) When I bring the books to my studio, I cut them apart and only keep the interesting images. They can now start a new life in the different categories of my archive. Their original context is thrown away with rests of the book. They become open for interpretation.
A large part of my daily practice is looking at images and playing around with my archive. Its is not that concrete stories appear to me, but small gestures and details within the images can really make my heart beat faster. The archive as a whole just seems to vibrate and come to life. Like in a greenhouse, things are growing and growing…And now the image of two hands that shape clay can suddenly look very erotic and the dog that was stuck on its chain looking unhappy, is secretly levitating when we are not looking…
Backdrops and pedestals get the leading part, Like with a fetish, were the attraction is not on the regular erotic parts of the body, but on the feet, the hair or knees. And i think that by covering and obscuring big parts of the original subject with painted shapes of paper, the viewer also unconsciously longs to see what is behind. This longing also gives a sensual layer to the work.
BF: Because of the particular way you make collages, there also seems to potentially be some indebtedness towards formalism and perhaps even 1960s/70’s abstract painting. Is this an influence or is it because you are Dutch and the Dutch are born with incredible design skills for some reason?
RVB: No intentional influence. In a way the works are very formal, they exist on their own and can be read by it’s construction. But there is this other layer which deals more with story telling. This can be seen when works are combined in books or exhibitions.
I grew up with dutch design and have a lot of respect for it’s simplicity and clear appearance, this comes back in my work i think. But being born with dutch design skills is also a handicap.…It’s is easy to fall for the esthetics that I am are familiar with. And i have to force myself to break with them now and then.
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“The academy provided me with a safe space where there was room to make things go horribly wrong”.

BF: Collage for me is about the hand…the way it has layers, texture, and the physical side of it…do you scan your collages and print them or are they available as originals?
RVB: Now when I show my work it is mostly in books or as originals in a frame. In the past years I did make prints of my work for exhibitions, but i discovered that they cannot beat the real collage. The original collage is very direct, you see the cuts, the folds, my hands are there in a way. The photo has been damaged, transformed, and it is clear that there is no way back. This all adds to the work and I think is necessary to see. You can see it is a built-up image, a construction, but at the same time your brain sees a photo and takes it in as reality.
BF: Do you have plans to work in three-dimensional modes of representation, perhaps leaving the paper base to look at installation of sculpture?
RVB: At the moment i have no plans for that. The two dimensions of the photo are still very intriguing to me. The objects appearing in many of my collages still deal with three dimensional space, but within the limits of the flat layers. I have started working this year on bigger collages in which the different objects interact with each other. For this I use enlargements of found material and add layers of cutout shapes of painted paper. This is a new way of working, much more complicated than the small pieces. All objects relate to one another and it feels like arranging a room with sculptures.

martes, 22 de septiembre de 2015

la simbología del cangrejo ermitaño reinterpretada por Aki Inomata a través de tecnología 3D

No se nos ocurre mejor continuación a nuestro comentario sobre el arte basado en el reciclaje de piezas de Peter McFarlane que hacer referencia a los animales recicladores por excelencia: los cangrejos ermitaños, quienes reciclan diversas conchas de caracoles (y otros objetos idóneos para proteger sus blandos abdómenes) a lo largo de su vida.
Alguien diría que es un modo también de robar a los caracoles la peculiaridad de cargar con su casa a cuestas, pero sin duda este arrebato sólo los convierte en más dignos representantes que los moluscos, dado que un su caso no es una concha propia, sino escogida como casa y protección. Consciente de la simbología implícita en la relación existente entre los ermitaños y los objetos que utilizan como madriguera portátil e individual, Aki Inomata ha tenido la ocurrencia de diseñar objetos adecuados a las necesidades de estos crustáceos que aúnen tres características destacables:

1- Recrean básicamente formas de caracolas porque éstas son las que habitualmente escogen los cangrejos como protección
2- Reproducen formas arquitectónicas humanas, sugiriendo mediante una cierta metáfora visual la invasión del mundo humano por el mundo animal, aunque evidentemente se trate de lo contrario, y hace más obvia la expresión "cargar con la casa a cuestas" acompañada de una cierta hipérbole, ya que Aki no duda en reproducir edificios de alto rango, como palacios, catedrales e incluso fragmentos de ciudades con rascacielos.
3- Son transparentes, lo cual rompe con lo habitual y desvela de algún modo lo que normalmente no vemos: el abdomen desnudo y blando del cangrejo (esta transparencia es más evidente cuando el animal se sumerge, puesto que el vidrio y los plásticos transparentes se invisibilizan más bajo el agua)

Lo cierto es que se pueden aplicar más niveles de lectura a esta ocurrente aplicación de las tecnologías 3D utilizadas por Inomata en sus posibilidades más básicas pero sin duda sugerentes, y que enlazan la escultura con las modernas técnicas de maquetismo de joyería.



Nuestra fuente es un artículo original de thecreatorsproject firmado por Beckett Mufson, quien también apunta a esta especie de apropiación cultural simbólica como rasgo destacable de la obra de la japonesa.



Estos cangrejos ermitaños son un reflejo de la apropiación cultural



Un diminuto cangrejo ermitaño se acomoda dentro de un caparazón cristalino impreso en 3D con forma de capilla, y se nos presenta como una adorable oda a la arquitectura. Sin embargo, lo que la creadora japonesa Aki Inomata ve en su última obra es una respuesta a los malos hábitos que su país ha adquirido en la apropiación cultural. "A medida que se van desarrollando, los cangrejos ermitaños cambian a menudo de caparazón y van escogiendo caparazones distintos. Cada vez que los cambian, su aspecto se transforma de forma radical, aunque los individuos que se esconden dentro siguen siendo los mismos", explica al hablar de la metáfora a The Creators Project. "Eso me hizo recordar que los japoneses a menudo se comportan de la misma forma".
El caparazón de plástico es la última incorporación en su serie de casas para cangrejos ermitaños modeladas a partir de casas y mansiones en miniatura. La obra fue originalmente concebida como una declaración de la habilidad de la humanidad para encontrar nuevos hogares a través de la reubicación e inmigración, pero luego dio un giro más crítico cuando la artista advirtió la abundancia de capillas que se extienden por todo Japón. "La cultura japonesa toma prestadas referencias de otras culturas sin ninguna asimilación política o religiosa. Por ejemplo, cerca del 60% de las bodas en Japón se celebran en capillas blancas, aunque solo el 1% de la población es cristiana", explica en referencia a un artículo delNew York Times sobre la industria de las bodas en Japón.
La artista describe las capillas donde se celebran estas bodas como "construidas con una mezcla de diversos estilos como el gótico, el romano, etc., sin ningún tipo de relación fundamental entre ellos", y sin los detalles y contexto cultural de las capillas originales de occidente. Esto no dista mucho de las críticas que sufrió Miley Cyrus hacia el 2013, de la música y moda de los útlimos 50 años y de la irónica inversión del artumento de Inomata: los japonófilos de occidente que visten kimonos para ir a la discoteca.
"[En Japón] las modas en la ropa, arquitectura, decoración y comida se asemejan ahora a las de la cultura occidental", dice. "Se copia mucho la publicidad y, de este modo, los japoneses a menudo absorben la superficie de otras culturas. Los caparazones de los cangrejos ermitaños también proceden de partes de otros organismos y yo utilizo caparazones transparentes para plasmar todo esto".
A continuación puedes ver algunas de sus alucinantes creaciones:
©Aki Inomata
©Aki Inomata
©Aki Inomata
©Aki Inomata
©Aki Inomata
©Aki Inomata
©Aki Inomata
Encontrarás más información sobre la obra de Aki Inomata en su página web.
Traducción de Rosa Gregori.

Artículos relacionados:


lunes, 21 de septiembre de 2015

Analogía entre huellas fósiles y circuitos integrados de Peter McFarlane.

Peter McFarlane

Julie Alice Chappell
Mafa Alborés / Pau F. Luís
Muy en la línea de trabajos expuestos anteriormente , en especial el de Julie Alice Chappell, y enlazando con nuestra anterior entrada (así como nuestro propio proyecto "Animal Invisible") nos encontramos con la interesante propuesta de Peter McFarlane, quien aprovecha deshechos industriales, concretamente electrónicos (circuitos integrados) para soldarles piezas que visualmente emulan el visionado de restos fósiles en sedimentos minerales.


Aunque visual y plásticamente la ocurrencia pueda parecer obvia o poco más que resultona, lo cierto es que a mi entender constituye una rotunda reflexión sobre la permanencia de la información en la red, cada vez más invasivamente abundante pero necesitada de soportes físicos que la almacenen, lo cual, como todo proceso industrial, plantea un problema ecológico además de logístico.
Joan Fontcuberta
Sin duda, las piezas de Chappell nos pueden parecer técnicamente más precisas trabajando a partir de un similar reciclaje de elementos electrónicos de deshecho, pero la reflexión que puedan suscitar está ya implícita, de forma mucho más inmediata, en los "fósiles" de McFarlane, sin lugar a dudas, cuyo "mensaje" coincide con el planteamiento de Joan Fontcuberta cuando emulaba las falsificaciones de restos de criaturas míticas de otros tiempos con su "Hydropithecus".
La información sobre los trabajos del canadiense nos llegan a través de Koprolitos, una de nuestras fuentes favoritas, de donde copiamos el extracto que os ofrecemos con sus correspondientes enlaces.






http://koprolitos.blogspot.com.es/2015/08/los-circuitos-fosiles-de-peter-mcfarlane.html

Los circuitos fósiles de Peter McFarlane


El artista canadiense Peter McFarlane suele trabajar con circuitos electrónicos estropeados, convirtiendo trastos que acabarían en la basura en unas originales esculturas que recuerdan a fósiles de vertebrados. De esta forma utiliza cables y láminas de metal que va soldando para dar forma a lagartos, serpientes o peces del pasado que quedan incrustados en estas placas de color verde. Aquí dejamos una muestra de lo que McFarlane es capaz de hacer:



domingo, 20 de septiembre de 2015

Analogía orgánica y escultura zoológica. Delfines de madera de Jonathan Latiano.

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Si la entrada anterior daba una nuevo repaso a la cuestión acerca de las artes que recurren a restos orgánicos de animales, a la taxidermia, la presente entrada la dedicamos a un caso opuesto al de Kate Clark. En su caso, combina técnicas escultóricas propias de la taxidermia para recrear criaturas inexistentes a partir de preparaciones con animales auténticos disecados, con lo que el resultado final, a a caballo entre la escultura y el arte conceptual, produce monstruos quiméricos  propios del mundo de la imaginación y los arquetipos. 
Lo que Jonathan Latiano propone, por el contrario, nos recuerda a los auténticos dioramas ilustrativos que vemos en los espacios museísticos y educativos. Las preparaciones y montajes de esqueletos y restos óseos de animales, cuyo resultado final recuerda a la escultura, es en realidad un complejo rompecabezas que exige conocimientos de anatomía. De hecho, cuando se dispone de un esqueleto completo desordenado, es todo un reto reconstruirlo. Y cuando hablamos de hallazgos fragmentados e incompletos, la anatomía comparada adquiere todo su sentido. Esta disciplina instaurada por Cuvier, gracias sin duda a sus habilidades artísticas y sus dotes para el dibujo, es uno de los lugares de encuentro comunes entre biólogos y artistas plásticos, tal y como nos demuestran por reducción al absurdo todos los escultores que recurren al uso de piezas recicladas y de los que hemos dado cuenta en este espacio en numerosas ocasiones. El parecido entre diversos objetos naturales se basa en las mismas analogías en las que se basa el reconocimiento preciso de un hueso concreto de una especie concreta, y Latiano, como otros muchos antes, juega con el equívoco para ofrecer toda una escena predatoria entre peces y delfines recreada con aparentes esqueletos que sugieren movimiento, montados en realidad con trozos de madera recogidos en la costa, arrastrados por el agua en un bucle conceptual que los reconvierte en criaturas acuáticas. El uso de estos fragmentos reciclados diferencia su trabajo de los esqueletos reinventados a partir de personajes de ficción de Hyungkoo Lee, cuyas piezas son reinventadas y producidas hueso a hueso.



En esta instalación concreta, concebida como inmersiva para un espacio específico por el artista Jonathan Latiano representa el destino de los famosos delfines Baji de China reproducidos mediante madera flotante volando a través de una galería en el Museo de Arte de Baltimore.
Para crear la instalación inmersiva Latiano recogió madera blanqueada y mutilada de los ríos locales que utilizó para formar una procesión de esqueletos. Las estructuras óseas se materializan a partir de una pila de troncos en una esquina antes de disolverse gradualmente de nuevo en piezas componentes en la otra.
Los delfines de agua dulce Baji (apodados "Diosa del Yangtze") fueron una vez una parte próspera del ecosistema del río Yangtze en China, pero ahora se asumen como extintos. El último miembro conocido de la especie murió en cautiverio en 2002.

Las piezas que creo contrastan lo abstracto de la intuición humana con la realidad de nuestro entorno natural. Me esfuerzo por enfatizar las áreas que existen en el medio de los límites de las regiones definidas. Mi trabajo, en muchos sentidos, es mi propio intento personal para entender mi lugar en el universo físico. Me parece que el poeticismo y ciertos conceptos del universo natural son simultáneamente fascinantes, hermosos e inquietantes. Muchas de las áreas y de las teorías de la ciencia que me atraen, sobre todo los que tienen que ver con las grandes extensiones de espacio y tiempo, son tan complejos que la única manera de que mi cabeza  pueda abarcarlos es abstraerlos. Es a través de mi obra de arte que yo interpreto, contemplo y afinar estas teorías científicas y nociones tanto a nivel universal como personal.

El vuelo del Baji estaba a la vista el año pasado en el Museo de Arte de Baltimore, una culminación de Latiano al ganar el  Premio Baker de Arte 2013.


El artículo original lo rescatamos íntegramente de COLOSSAL gracias al buen criterio habitual de Christopher Jobson.


http://www.thisiscolossal.com/2015/09/flight-of-the-baji-jonathan-latiano/

Flight of the Baji: A Pod of Suspended Driftwood Dolphin Skeletons Flies through the Baltimore Museum of Art

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This immersive site-specific installation by artist Jonathan Latiano (previously) depicts the fate of China’s famous Baji dolphins rendered in driftwood flying through a gallery at the Baltimore Museum of Art. To create the immersive installation Latiano collected bleached and mangled wood from local rivers which he used to form a procession of skeletons. The bony structures materialize from a stack of logs in one corner before gradually dissolving back into component pieces in the other.
Freshwater Baji dolphins (dubbed the “Goddess of the Yangtze”) were once a thriving part of the Yangtze River ecosystem in China, but are now largely assumed to be extinct. The last known member of the species died in captivity back in 2002.
Latiano shares about his work via his artist statement:
The pieces that I create contrast abstracted human intuition with the reality of our natural environment. I strive to emphasize the areas that exist in‐between the boundaries of defined regions. My work, in many ways, is my own personal attempt to understand my place in the physical universe. I find the poeticism and concepts of the natural universe simultaneously fascinating, beautiful and unsettling. Many of the areas and theories of science that appeal to me, particularly ones that deal with vast expanses of space and time, are so complex that the only way I can truly wrap my head around them is to abstract them. It is through my artwork that I interpret, contemplate and fine-tune these scientific theories and notions on both a universal and personal level.
Flight of the Baji was on view last year at the Baltimore Museum of Art, a culmination of Latiano winning the 2013 Baker Artist Award. You can also catch an interview with him over on I Lobo You.
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