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lunes, 11 de junio de 2018

Roland Reiss y el recurso expresivo del diorama.



El veterano artista Roland Reiss ocupa hoy nuestra atención porque recientemente ha sido objeto de exposiciones que revisan en retrospectiva tanto su obra pictórica como sus dioramas y miniaturas. De hecho, su interés por el uso de la escenografía y las alteraciones de la escala como reflexión acerca de nuestra percepción y sus límites constituyen los motivos para traerlo a colación en nuestras páginas.

No en vano hemos demostrado reiteradamente una casi enfermiza búsqueda de muestras de cualquier época del arte del DIORAMA, fascinante y marginal, casi siempre instrumental y no siempre aceptado como forma de Arte con mayúsculas, vicario de la pintura, la escultura, la escenografía o incluso de la juguetería. Es por eso que, siguiendo la tradición de El Animal Invisible de enlazar una entrada con la siguiente por algún motivo temático, ofrecíamos como cierre a la muestra de la peculiar producción artística de Jon Rafman un diorama. Un diorama que conectaba muy coherentemente con los trabajos tridimensionales de Rafman, y que tal vez podría recordarnos a los de Reiss, pero que a la vista de las producciones de ambos artistas, tan diferentes en sus premisas, nos obliga a observar ambas producciones en sus respectivos contextos.


Para empezar deberíamos aclarar que por regla general los dioramas reclaman nuestra atención como recurso artístico especialmente crítico con nuestra percepción, como forma de arte integral que aúna disciplinas diversas para recordarnos los límites de nuestra percepción a la par que los límites de nuestra dimensionalidad física.
Hemos dedicado tiempo y espacio al desarrollo de este tipo de trabajos en nuestra propia trayectoria artística y profesional y hemos ofrecido en nuestras selecciones del Animal Invisible numerosas y variadas muestras de obras artísticas consagradas a la construcción de dioramas o a su registro fotográfico para su relectura, aunque hemos de decir que en la mayoría de los casos, dada nuestra prioridad por el arte relacionado con la iconografía animal o consagrado al discurso científico y naturalista, hemos tendido especialmente a observar aquellos trabajos que suponen una revisión del concepto de escenografía naturalista o una reflexión sobre nuestro posicionamiento con respecto al mundo natural. No es el caso, al menos no en sentido estricto, de la producción de Reiss, quien confiesa con absoluta naturalidad los motivos autobiográficos de la inclusión de estos pequeños decorados en su obra, por su cercanía a Hollywood y a los estudios cinematográficos, cuya presencia convertía en cotidiana la coexistencia de naturaleza y artificio, de simulacros y aparentes distopías cotidianas.

Roland Reiss frente a "Flores imperturbables (azul índigo)" (2018) (foto de Eric Minh Swenson)
No obstante, Roland Reiss no es ajeno a la función del arte como forma de preservación de las formas de la naturaleza siempre cambiantes y de un modo u otro efímeras.

Son célebres sus pinturas florales, pero generalmente con ellas reflexiona más sobre la propia intrahistoria del arte pictórico y sus tradiciones estéticas que sobre la relación entre humanidad y naturaleza, aunque siempre subyacen cuestiones sobre naturaleza y artifico.

No se trata, pues de uno de los típicos artistas que seleccionamos por mostrar animales o espacios naturales en su obra, aunque podríamos seleccionar trabajos pictóricos que lo sugieran (observen, a propósito de ello, las dos pinturas que mostramos junto a estas líneas) ni mucho menos un diseñador de fascinantes escenografías que nos aturden con su hiperrealismo a escala o que evocan cuestiones de crítica ecologista o acercamientos al bioarte o la antrozoología artística. En absoluto. Roland Reiss se acerca a los noventa años de vida con una trayectoria artística poco conocida en Europa pero muy influyente en Estados Unidos, y muy especialmente en el ámbito artístico de la costa Oeste, donde no sólo ha ofrecido sus propuestas plásticas, sino su personal punto de vista como teórico y docente y pedagogo del arte. Y es en calidad de docente del arte interesado por las disciplinas artísticas menos canónicas que me siento inclinado a tomar nota de la actividad de Reiss, de sus dioramas y de sus publicaciones y declaraciones.

Mafa Alborés.

Os ofrezco, a continuación, una selección de imágenes de sus dioramas (si queréis ver más sobre su pintura y demás actividades artísticas y docentes, acudid a su página web), además de información extraída de su sitio oficial en la red. Para completarlo, incluyo un extracto traducido al castellano de una entrevista ofrecida por



Dioramas (miniaturas):

























Roland Reiss tiene una historia influyente en la escena artística de Los Ángeles y el sur de California. Su reinvención continua ha llevado a un cuerpo de obras pioneras. Él mismo describe su trabajo como "campos de energía y espacios en los que los colores y las formas generan una experiencia visual expresiva".Reiss se presentó en Cirrus Gallery durante varios años antes de unirse a Ace Gallery. En Ace protagonizó numerosas exposiciones individuales en un período de catorce años, tiempo durante el cual esa galería lo representó exclusivamente.  

Ha expuesto en Documenta en Kassel, Alemania y en la Exposición Bienal Whitney. En el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles ha ofrecido una exposición individual y una extensa exposición retrospectiva en la Galería de Arte Municipal de Los Ángeles. Actualmente se está presentando en Diane Rosenstein Fine Art.Reiss estudió en la Academia Estadounidense de Arte, en el Colegio Mount San Antonio y en la UCLA. Enseñó en UCLA, la Universidad de Colorado y Claremont Graduate University. En 2009 recibió el Premio de la Asociación de Arte de la Universidad por la Distinguished Teaching of Art. En CGU ocupó la Cátedra Benezet de Humanidades y en 2010 se estableció una cátedra de arte en su nombre. También fue director de la residencia The Painting's Edge en Idyllwild Arts.


"Convertí en hábito el hacer lo que no se suponía que debía hacer" (Roland Reiss acerca de su formalmente cambiante carrera)Reiss, que ahora tiene 89 años, dice que tiene "una confianza y una sensación de profundidad" que "todavía no había alcanzado como joven artista".Lita BarrieMay 25, 2018


Roland Reiss, "En busca de la verdad" (1990), medios mixtos (imagen cortesía del Museo de Arte de Claremont) 

LOS ÁNGELES - Con 89 años, todavía iluminado por la curiosidad, Roland Reiss ha sido una inspiración para los artistas de SoCal que recurren a sus formas innovadoras de hacer y enseñar arte. Dos exposiciones actuales en Diane Rosenstein Gallery y Claremont Museum of Art (donde anteriormente era el director del departamento de arte) examinan el legado de un artista de vanguardia que ha encontrado formas sorprendentes de explorar la dinámica de la percepción visual.  

Ya en la década de 1960 Reiss abandonó las pinceladas heroicas del Expresionismo Abstracto para explorar las artes plásticas, y en la década de 1970 recurrió a preguntas filosóficas sobre las formas en que el significado visual se construye por la participación del espectador. Sus pinturas y esculturas son tentadores acertijos visuales, llenos de pistas que el espectador debe resolver.Reiss examina la pintura como un objeto escultural; de manera similar, examina la escultura desde un impulso pictórico, como una exploración del color.  

Es conocido por jugar con la escala, utilizar marcos cinematográficos y fracturar sus narraciones. El espectador se asoma a los mundos miniaturizados de sus dioramas como un voyeur gigante, pero mira directamente las flores estilizadas a escala humana en sus pinturas recientes, que el crítico James Scarborough escribe: "No son las vidas sino la pintura de Vanitas para un era digital."Reiss adquirió importancia en los años setenta y ochenta, apareciendo en la Bienal Whitney de 1975 y Documenta 7 y en múltiples ocasiones en LACMA. Si bien ha estado relativamente bajo el radar, ha tenido exposiciones recientes, incluida una retrospectiva de 2014 en Cal State University y una muestra en 2015 de sus hermosas pinturas florales en la Galería Diane Rosenstein. 

Me senté con Reiss en su estudio The Brewery, una colonia de artistas en el centro de Los Ángeles, donde habló sobre su larga y prolífica carrera y cómo hasta el día de hoy se desafía a sí mismo "a poner todo lo que he aprendido sobre la pintura en una pintura. "* * *
 

Lita Barrie: Actualmente tienes dos exposiciones que combinan tus dioramas en miniatura con tus pinturas florales. Los dos cuerpos de trabajo tienen escalas drásticamente diferentes: los dioramas que representan ambientes humanos son liliputienses mientras que tus flores antropomórficas son de escala humana. ¿Por qué? 

Roland Reiss: los dioramas involucraban la idea de hacerse pequeño para tratar con un campo perceptivo más grande. Proporcionan un espacio para explorar pistas y significantes en un contexto visual de forma muy similar a como se puede explorar una pintura. En ambos casos, las exploraciones del espectador construyen significado. Las flores en mis pinturas están en una escala de uno a uno, lo que brinda la oportunidad de reemplazar por completo la necesidad de una ilusión de volumen con una intensa integración de color.LB: a diferencia de los artistas que sucumben a la presión comercial y hacen un trabajo que se ve igual, nunca has temido explorar nuevos géneros. Estuvo a la vanguardia del movimiento plástico en la década de 1960, por delante del movimiento de arte de ensamblaje explorando preguntas semióticas en dioramas en la década de 1970, y después de hacer pinturas abstractas en la década de 1990 realizó un retorno de 180 grados a la pintura representativa después del año 2000. ¿Esto hizo más difícil para los galeristas "empaquetar" su trabajo para un argumento de venta fácil? ¿O para los curadores contextualizar su trabajo dentro de un solo movimiento de arte?
RR: Creo que hice un hábito de hacer lo que se supone que no debes hacer. Sí, lo hizo mucho más difícil, pero no tuve elección. He visto el arte como una aventura en la que uno descubre nuevos territorios. Uno encuentra la voz auténtica de uno en cada nuevo desafío.LB: Sin embargo, hay un continuo en evolución en su trabajo, porque siempre ha explorado las perspectivas del espacio. ¿Por qué te interesaste tanto en explorar los cambios perceptivos?RR: Simplemente, se trata de reverenciar la conciencia en su nivel más profundo. Los espacios percibidos en el trabajo de un artista exponen diferentes aspectos de la visión del mundo del artista, la psicología personal y el rango de conciencia que puede ser muy grande o bastante pequeño. Mi experiencia viendo una pintura de Clyford Still, por ejemplo, era ingresar a un astou
un gran campo de consciencia. Todos estos elementos se experimentan perceptivamente en una pintura. Sentir es saber  

LB: No usas una perspectiva fija en tus pinturas florales. El juego en perspectiva de pequeña y gran escala, telescópico y microcósmico, se asemeja a un lente de cámara con zoom que mantiene la atención del espectador moviéndose hacia arriba y hacia abajo, alrededor y a través de la pintura, haciendo conexiones perceptivas. ¿Fue usted influenciado por la tesis de David Hockney de que la perspectiva de un punto que domina las imágenes masivas es artificial? 




Roland Reiss, "Unrepentant Flower (Red)" (2017), óleo y acrílico en panel, 30 x 48 pulgadas (imagen cortesía de Diane Rosenstein Gallery

RR: En la década de 1960, muchos de nosotros exploramos la perspectiva ortogonal y otros sistemas surgidos del uso del collage que, en última instancia, nos lleva a comprender múltiples perspectivas. La última versión de esto lo llamo "screenscan". La visualización de pantallas en TV, computadoras y iPhones domina la experiencia visual. Es una experiencia no táctil que implica imágenes múltiples, movimiento rápido y color electrónico que realmente funciona en contra de la experiencia de la pintura. Las pinturas son objetos que requieren una visión lenta y una atención profunda. Mi propio enfoque es exactamente lo opuesto al trabajo actual de Hockney. Mis flores están ahí en la superficie en el espacio creado por la intensidad del color. 

LB: Al igual que la ficción posmoderna, no hay una narrativa dominante en sus miniaturas y pinturas florales. Contienen una miríada de pistas visuales, pero invitas al espectador a hacer el trabajo de detective de interpretar el significado. ¿Te influyeron los filósofos postestructurales y lo que Roland Barthes llamó la "muerte del autor" 
 
Vista de instalación de Roland Reiss: Flores impenitentes y nuevos cuadros en miniatura en la galería Diane Rosenstein (imagen cortesía de la galería Diane Rosenstein) 

RR: Cuando comencé los dioramas, "narrativa" era una mala palabra en el arte. En realidad, la idea de pistas surgió de mi idea de hacer misterios de asesinatos. Más tarde se convirtieron en pistas y firmas aún más tarde, después de leer Umberto Eco.

LB: ¿Cómo te interesaste en utilizar el encuadre cinematográfico? 

RR: Crecí en el sur de California, así que las películas y los estudios de Hollywood fueron una gran parte de mi experiencia. Pero también me interesaron las películas extranjeras y las películas de Alain Robbe-Grillet y Nouveau Roman tuvieron un gran efecto en mi enfoque del encuadre y en las múltiples vistas de la información visual que conducen a una interpretación abierta. Implicaba estratos estratificados de significado en forma de ideas narrativas incompletas y fracturadas. 

LB: No tiene miedo de pintar flores, que a menudo se asocian con las cursi tarjetas de felicitación de Walmart. En sus títulos de exposición se refiere a "flores impenitentes" y "flores sin disculpas". Solo un artista con un conocimiento enciclopédico de la pintura se atrevería a desafiar los clichés sentimentales y recurrir a un tema que, sin embargo, ha fascinado a grandes artistas como Van Gogh, Monet , Matisse, y recientemente Hockney. Deconstruyes tantos estilos de pintura que cada una de tus obras es como otro capítulo en la historia del arte. ¿Qué movimientos artísticos te han influenciado? ¿Y de qué has buscado deconstruir y rebelarte? 

RR: Siempre he tratado de desafiar el status quo tal como existió en muchas formas durante mi vida. Ciertamente, el movimiento moderno desde 1850 hasta ahora ha tenido un gran efecto en mí. Mi línea atravesaría Rembrandt hasta Matisse, hasta Clyfford Still hasta el presente. Estoy en línea con los artistas generativos, no con los editores. 




Roland Reiss, “The Morality Plays Planterium” (1980/2018), mixed media, 14 x 36.25 x 8 inches, (image courtesy Diane Rosenstein Gallery)
Roland Reiss, "The Morality Plays Planterium" (1980/2018), medios mixtos, 14 x 36.25 x 8 pulgadas, (imagen cortesía de Diane Rosenstein Gallery) 

LB: Después de seis décadas de empujar el sobre no tienes nada que probar. ¿Te ha dado la edad la libertad de perseguir tu amor por la belleza? 

RR: Necesitamos belleza ahora más que nunca. Quiero que mis pinturas sean curativas y la belleza es parte de lo que ofrece. 

LB: Acaba de cumplir 89 años y todavía continúa pintando y dibujando a diario. Es notable que artistas como Pablo Picasso, Georgia O'Keeffe, Louise Bourgeois, Ed Moses, Betye Saar y Carmen Herrera hacen un gran trabajo a los 80, 90 e incluso más de 100 años. ¿Por qué la idea de retirarse es impensable para un artista comprometido? 

RR: Hacer arte es donde me encuentro más vivo. Sé más sobre él que nunca y es una forma de seguir expandiendo las posibilidades. Trabajo con una confianza y un sentido de profundidad que aún no había alcanzado como un joven artista. Si buscas la verdad, tus motivos deben ser puros. Existe la integridad personal en el arte. Debo añadir que en mi formación artística se nos enseñó la humildad como una virtud primaria. Pensamos en nosotros mismos como monjes y monjas del arte. 

Roland Reiss: Flores impenitentes y Nuevos Dioramas en Miniatura (Roland Reiss: Unrepentant Flowers and New Miniature Tableaux )continúan en la Galería Diane Rosenstein, (831 North Highland Avenue, Los Ángeles) hasta el 2 de junio. Roland Reiss: Flores sin complejos y Pequeñas historias (Roland Reiss: Unapologetic Flowers and Small Stories) continúa en Museo de Arte de Claremont (200 W 1st St, Claremont) hasta el 8 de julio.



Principales exposiciones colectivas: 

documenta, Alemania; The Whitney Biennial, NY; El palacio ducal, Italia; Wight Gallery, UCLA; Museo de Arte Moderno de San Francisco; El Museo de Oakland de California; El Museo de Arte de Santa Mónica; Museo de Bellas Artes de Taipei, Taiwán; Art Space, San Francisco; Museo Tamyao, México; El Museo de Arte de Santa Bárbara; Museo de Arte del Condado de Orange; El Museo Nacional de Kyoto, Japón; Instituto de Arte de California; Museo Hirshhorn, DC; Proyectos Andi Campognone, Museo de Arte e Historia de Lancaster; David Richard Gallery, NM; Toomey Tourell Fine Art; Cirrus Gallery; Galería Ace; UC Irvine; Museo de Arte Moderno de Fort Worth, TX; UC Santa Cruz; Smithsonian Institution, DC; Museo de Arte de Portland, Oregón; Mulvane Art Center, KS; Museo de Arte Nelson-Atkins, MO; Instituto de Arte Contemporáneo, Boston, MA; El Museo de Arte Moderno de Sezon, Japón; Museo de Arte del Condado de Los Angeles; Museo de Arte Contemporáneo, Los Ángeles; Museo de Arte Contemporáneo, Bielorrusia; y el Museo de Arte de Riverside.Principales exposiciones individuales: 
Museo de Arte del Condado de Los Ángeles; Diane Rosenstein Fine Art; Museo de Arte de California de Pasadena; Universidades de Cal State: Stanislaus, San Bernardino, Los Ángeles, Channel Islands, Chico, Fullerton; Museo de Arte de Knoxville, TN; Neuberger Museum of Art, NY; Museo de Arte de la Universidad de Arizona, AZ; Galería Municipal de Los Ángeles; Museo de Arte del Desierto de Palm Springs; Museo de Calgary, Canadá; Universidad de Kentucky, KY; Galería de arte South Alberta, Canadá; UC San Diego; Amarillo College, TX; Fullerton College; Universidad de La Verne; Claremont Graduate University; Huntington Beach Art Center; Galería Ace; Cirrus Gallery; Toomey Tourell Fine Art; El Museo de Arte de Torrance; UC San Diego; UC Berkley; y el Museo de Arte Riverside.Reiss es el destinatario de cuatro N.E.A. becas y de numerosos premios y reconocimientos. Su obra está incluida en muchas colecciones públicas, corporativas y privadas, como el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles, el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles y el Museo Whitney de Arte Estadounidense.Una entrevista oral se puede encontrar en el Smithsonian. Se pueden ver videos de Roland Reiss en Youtube.



https://hyperallergic.com/444289/roland-reiss-interview-diane-rosenstein-gallery/

http://www.rolandreiss.com


Entradas del blog recomendadas para profundizar en cuestiones relativas a los dioramas y a trabajos artísticos relacionados con su uso, bien instrumental o crítico:

Fotografía y simulacro: surrealismo en los dioramas, maquetas y escenografías de Thomas Doyle

Kendal Murray. El paraíso materialista o la ecología capitalista: dioramas de ensueños paisajísticos.

Katleen Vance con la naturaleza a cuestas. Entre el diorama y el bioarte.

Escenografías en miniatura de Tawlst. Artistas que subliman el concepto de diorama.

El Paisaje como organismo. Retorno a los mundos a lomos de bestias por Song Kang. Escultura y diorama.

El Camino artístico y antrozoológico de Manuel Barbero. Antrozoología del arte, iconografía zoológica, dioramas y recursos museísticos como medio de expresión artística.

Arte Naturalista de Adrian Hatfield

Nobuhiro Nakanishi : escultura, fotografía y escenografía naturalista. Naturaleza y artificio.

Trampas fotográficas por Mafa Alborés y Pau F. Luís. (proyecto Animal Invisible IV)

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Fotografía y simulacro. Dioramas fotográficos recreando fotos ilustremente icónicas por Jojakim Cortis y Adrian Sonderegger, y todo un periplo fotográfico por escenografías realistas.

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Fotografiando dioramas inspirándose en la fotografía naturalista

Interiorismo y escenografía naturalista por Alexandra Kehayoglou. Alfombras de vegetación hecha de lana.


http://mafa-elanimalinvisible.blogspot.com/search?q=escenograf%C3%ADa+naturalista

http://mafa-elanimalinvisible.blogspot.com/2014/11/fotografiar-paisajes-artificiales.html