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domingo, 3 de noviembre de 2013

Acerca de "el origen fisonómico de nuestros rostros". Analogía y parecido. Identificación de rostros en proyectos fotográficos.

  Rescatamos una entrada de "Tejiendo el Mundo" que hace tiempo no asociamos oportunamente a nuestro recopilatorio asociado al estudio de reconocimiento de rostros como parte de nuestra animalidad y que también tratamos en entradas específicas acerca de proyectos fotográficos sobre el rostro humano, el parecido y la diferencia. Ken Kitano, Françoise Brunelle, Pere Formiguera, Caroline Briggs, Ulric Collette, o Cindy Sherman han indagado en el concepto de identidad enfrentado al de identificación, la identificación de rostros diferentes de un mismo rostro o semejanzas entre rostros diferentes. Es igual, pero no es lo mismo.

 

 

Tejiendo el mundo

Tantas cosas por contar y tan solo una vida para hacerlo

Retratos de lo invisible, el origen fisonómico de nuestros rostros.

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Tu cara me recuerda a…

Todos creemos, y nos gusta imaginar, que somos seres únicos e irrepetibles. Nos acostamos por las noches con la seguridad de que entre los casi siete mil millones de personas que habitan el planeta, nosotros, nuestros rasgos, nuestras facciones, son únicos y personales. ¿Pero esto es así? ¿O quizás no somos más que réplicas de fisionomías estandarizadas?
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Estas dudas no son algo nuevo y algunos científicos y pensadores vienen planteándoselas desde hace siglos, pero no fue hasta la aparición de la fotografía cuando se demostró que personas de ciertos grupos o colectivos coinciden en una serie de rasgos fisionómicos hasta el punto que, superponiendo una serie de retratos de personas de estos grupos, se extrae el retrato tipo de todos ellos que a su vez se convertirá en la matriz de todas esas copias [personas, perdón].
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Estos primeros trabajos se realizaron intentando crear sistemas de identificación de colectivos a través de la definición de tipologías, partiendo de la caracterización de lo individual para llegar a la descripción de lo general. Entre los que emprendieron esta búsqueda destacan especialmente los trabajos de Francis Galton y Arthur Batut.
Francis Galton (1822 – 1911) desarrolló una interesante y amplísima actividad en distintos campos de la investigación  científica. Viajó en numerosas ocasiones por Africa realizando trabajos de geografía y meteorología, y estos viajes influyeron notablemente en sus trabajos posteriores, pues le permitieron reflexionar sobre las diferencias entre las razas y sobre la diversidad humana. La aparición de los ensayos de Charles Darwin sobre la evolución de las especies contribuyó también a reconducir sus investigaciones hacia la psicología y la genética, donde profundizó en el estudio de las leyes determinantes de la herencia. En los 80 comenzó a aplicar sus conocimientos científicos en el campo de la antropometría a los procesos de descripción y catalogación de colectivos, creando el sistema de identificación a través de las huellas de los dedos, y aplicando la técnica fotográfica que denominó “retratos compuestos”.
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Estos retratos “tipo” se basaban en grupos determinados con características similares como familias, enfermos, criminales, delincuentes, etc. En uno de sus libros principales “Inquiries into human faculty and its development”, publicado en 1883, expuso las bases teóricas y técnicas de estos retratos conseguidos mediante la superposición de diversas imágenes de rostros diferentes, que eran fotografiados en un mismo negativo. En estos retratos se respetaban una serie de elementos esenciales como la escala, la iluminación o el punto de vista para lograr una imagen uniforme y evitar que cualquiera de los retratos pudiera dominar sobre el resto. El resultado, en lugar del borrón confuso y sin perfiles que se podría imaginar, era una imagen sorprendente donde quedaban recogidos los rasgos genéricos y los trazos exclusivos de los distintos rostros de ese colectivo.
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Retrato tipo de mujeres de Vich, España
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Esta propuesta de Galton fue seguida en Francia por Arthur Batut (1846-1918) que entusiasmado con los hallazgos del británico comenzó a fotografiar a diversos colectivos siguiendo su mismo sistema de superposición de retratos para crear lo que él llamó “retrato tipo”, cuyas características definió en un librito titulado “La photographie appliquée a la production du Type d´une famille, d´une tribu o d´une race” y que se editó en Paris en 1887.
Más que retratos en el sentido convencional de la palabra, las imágenes de Batut, como las de Galton, eran conceptos fotográficos del ser humano, construcciones ideadas y, por tanto, irreales, hipotéticas, artificiales: tal vez por eso, acabó llamando “retratos de lo invisible” a estas caras de figuras impersonales que no existen en lugar alguno.
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En su opinión, la técnica del “retrato tipo” podía ser especialmente útil en el campo de la etnografía, para el reconocimiento de las diferencias raciales, y del arte, para determinar, por ejemplo, los tipos de belleza que prevalecieron a lo largo de la historia, las correspondencias entre la escultura medieval y la “fisionomía impersonal” del hombre de la época, o la reconstrucción de la “fisionomía verdadera” de un personaje histórico combinando en una sola imagen todos sus retratos pintados o grabados.
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No sé si coincidiréis conmigo en que este tipo de retratos transmiten cierta intranquilidad y desasosiego, ya que son una pequeña derrota a nuestra individualidad y nos introducen en un mundo intangible pero real al mismo tiempo, un mundo en el que con fantasmal rotundidad aparece un rostro ante nosotros desconocido, pero del que formamos parte o quizás, del que hemos sido diseñados.
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Tejido por Sinuhé
Fuentes:
Historia de la Fotografía (Editorial Cátedra)
http://books.google.es





El Fotógrafo Scott Chasserot, con su Proyecto Original/Ideal muestra cómo la gente se quiere ver.



Tal y como comenta Aria Bendix en el artículo original del que extrajimos nuestras primeras anotaciones para esta entrada, en su proyecto fotográfico revolucionario titulado "Original / Ideal", el fotógrafo de Scott Chasserot utiliza un escáner cerebral para revelar cómo la gente desea aparentar en la vida real. Al hacer esto, el proyecto tiene como objetivo responder una de las preguntas más apremiantes de la sociedad: ¿Qué encontramos instintivamente hermoso en el rostro humano, y cómo se traduce esto a la propia imagen? Aunque la tecnología es compleja, el proceso fue simple: Chasserot primero pidió 13 participantes posar para una solo toma de busto contra un fondo liso sin joyas, maquillaje o ropa. Luego manipuló sus rasgos faciales utilizando un software de edición para reflejar, como sus conclusiones en vídeo del proyecto, "cánones establecidos científicamente de la belleza." El resultado fue la auto-imagen ideal del sujeto.
Inmediatamente después, Chasserot equipó a los participantes con un auricular EEG diseñado para registrar e interpretar sus ondas cerebrales mientras visualizan las imágenes manipuladas. A continuación, presentó Chasserot a los participantes en el proyecto mediante una muestra simultánea de su foto original y su correspondiente "ideal". Luego buscó respuestas emocionales positivas entre los escáneres cerebrales resultantes para determinar qué foto preferían los sujetos.


Los resultados son sorprendentes. La página web del proyecto de Chasserot describe la foto manipulada como "una preferencia cerebralmente sincera obtenida eludiendo el pensamiento consciente." Esto significa que inconscientemente, la mayoría de nosotros puede estar descontento con nuestra apariencia, o desea que fuera más acorde con los estándares de belleza normativos. Lo que es particularmente poderoso para la cronista Aria Bendix, cosa que compartimos a la vez que nos alerta sobre el alcance de este proyecto y su rigor, es la fotografía de Chasserot de un niño pequeño, cuya imagen ideal cuenta con una línea de la mandíbula más estructurada, y los ojos azules en lugar de marrón. La disparidad entre esta imagen y el original es la prueba viviente de lo profundamente arraigado de nuestro concepto de belleza a una edad temprana. Aún así, "original / Ideal" cuenta con una variedad de sujetos, lo que demuestra la gama con la que los estándares ideales de belleza se extienden por la edad, la raza y el género.

Ni que decir tiene que estamos ante una nueva actualización de nuestros trabajos sobre identidad y parecido facial a través de proyectos fotográficos que nos hacen reflexionar sobre nuestra manera de percibir los rostros e identificarlos no sólo como tales, sino como rostros conocidos, atractivos o intimidantes, más o menos ajustados a un esquema preestablecido basado en nuestras espectativas sociales y biológicas. La psicosociología de la percepción sustenta el alcance de la observación de este tipo de trabajos, y los consideramos, más allá de su innegable valor artístico, herramientas experimentales útiles, o cuando menos notables, para entender mejor nuestra manera de ver el mundo desde sus aspectos más básicos. El método afrontado por Chasserot tal vez podría ser criticable a la hora de su particular aplicación de las pautas básicas de simetría facial y distribución de los rasgos acorde a un esquema "ideal" de rostro armónico, bello, al que ya hicimos referencia a través de los estudios recopilados por el Profesor Antonio L. Manzanero.
Creo que el trabajo de Scott Chasserot es, posiblemente, el más conscientemente encaminado a ilustrar la problemática detrás de todos los ejemplos que hasta ahora hemos mostrado, pero también es cierto que sin duda seguiremos encontrando nuevas revisiones de crítica fotográfica. Un ejemplo de ello lo mostramos a continuación de las interesantes obras de Chasserot, y nos llegan del ámbito de la moda y las tendencias a través de una bloguera especializada en tutoriales de maquillaje bastante llamativos en su canal de youtube, Kandee Johnson. Es indudable que se trata de un ejemplo mucho más frívolo, casi anecdótico, en contraste con la metódica seriedad que Chase se esfuerza en reivindicar a la hora de dar a conocer los resultados de su obra, pero es precisamente por eso por lo que hemos rescatado a Johnson de los otros ejemplos que tenemos en espera para incluir en nuestro particular muestrario de estudios fotográficos de los rostros. Con la reciente aparición de PhotoLightPro, una aplicación para el ensayo virtual de la iluminación de retratos de estudio, han sido los autorretratos con diferentes caracterizaciones de Johnson lo que más nos ha llamado la atención para esta sección.

Mafa Alborés.



Photographer Scott Chasserot's Original/Ideal Photo Project Shows What People Really Want to Look Like

In his revolutionary photo project entitled “Original/Ideal”, photographer Scott Chasserot uses a brain scanner to reveal how people wish they looked in real life. In so doing, the project aims to answer one of the most pressing societal questions: What do we find instinctively beautiful in the human face, and how does this translate to self-image? Although the technology was complex, the process was simple: Chasserot first asked 13 participants to pose for a single headshot against a plain background sans jewelry, makeup, or clothing. He then manipulated their facial features using an editing software to reflect, as his project video terms it, “scientifically established canons of beauty.” The result was the subject’s ideal self-image.
Immediately following, Chasserot fitted participants with an EEG headset designed to record and interpret their brainwaves while viewing the manipulated images. Next, Chasserot presented project participants with a slideshow of both their original photo and its corresponding “ideal.” He then looked for positive emotional responses among the resulting brain scans to determine which photo the subjects preferred.

The results are striking. Chasserot’s project website describes the manipulated photo as “a cerebrally sincere preference obtained by circumventing conscious thought.” This means that subconsciously, most of us may be unhappy with our appearance, or wish it were more in line with normative beauty standards. What’s particularly powerful for me is Chasserot’s photograph of a young child, whose ideal image features a more structured jawline, and blue eyes instead of brown. The disparity between this image and the original is living proof of how deeply ingrained our concept of beauty is at a young age. Still, “Original/Ideal” features a variety of subjects, demonstrating the range with which ideal beauty standards stretch across age, race, and gender. 
Be sure to also check out the video of Chasserot’s project below:
Images and Video: Courtesy of Scott Chasserot




Kandee Johnson y su particular transformismo fotográfico a través del maquillaje.
Estamos ante una especie de juego en el que la autora demuestra su habilidad y pericia para transformar su propio rostro a la vez que instruye a sus seguidoras y seguidores, de forma amena y didáctica, en las diferentes técnicas del maquillaje del rostro, tanto desde un punto de vista cosmético o estético como interpretativo o caracterizador. Comprobar cuán difusas son ambas fronteras es el logro, tal vez involuntario, seguramente obvio, del trabajo de Kandee Johnson.




Os la queremos presentar con este típico retrato digno de la foto de perfil de cualquier red social, tal y como se mostraría normalmente en público, guapa y discretamente maquillada, para que lo contrastéis, más que con las siguientes caracterizaciones, con aquellas parejas fotográficas en las que muestra el antes y el después, en las que su rostro más íntimo, sin trazas de maquillaje, no sólo le sirve para realzar más los resultados de la foto con caracterización, sino para recordarnos que el rostro público, el habitualmente aceptado como normal, no es más que otra caracterización que se intenta adaptar a un convenio social de aceptación basado en la la belleza convencional del rostro, en parte atávica, biológica o instintiva, y en parte influenciada por las tendencias sociales y de la moda.





















PhotolightPro. Un estudio fotográfico virtual.



Aunque esencialmente no ofrece nada que no podamos extraer de otros programas como MAYA o 3D SudioMAX, PhotoLightPro constituye una novedad que confirma que todo proceso artístico que precisa de una fase de abocetado puede recurrir a aplicaciones digitales que simulan el espacio y los materiales de realización de la obra a la vez que "amenazan", con sus constantes mejoras, con sustituir incluso los resultados de la materialización de sus objetivos. Lo cierto es que, como docente de iluminación fotográfica, me siento tan entusiasmado como, al menos irónicamente, amenazado.



http://photolightpro.net/



No estamos Muertos. Un nuevo ejemplo para nuestro catálogo fotográfico sobre analogía y parecido.

Lalage Snow repite el esquema de proyecto fotográfico, mezcla de retrato, documental y casi fotografía forense de Claire Felicie (del que ya dimos cuenta en nuestro monográfico sobre analogía y parecido).
Su proyecto se titula "We are no dead" y también ofrece trípticos de retratos de soldados antes, durante y después de una campaña militar.


Os recomiendo visitar su web, ya que todas sus galerías son de particular interés, aunque sin duda su presencia en "el animal invisible" se debe a su conexión con los trabajos mencionados de los que os volvemos a hacer un resumen a continuación.

(os recuerdo que gran parte de los ejemplos mostrados están extraídos en su mayoría de las muestras comentadas de nuestra galería virtual de arte fotográfico favorita: "...y mientras tanto", donde podréis encontrar estos contenidos ampliados)





Retratos de soldados antes, durante y después de la guerra // Portraits of soldiers before, during, and after war (by Claire Felicie)


Para su proyecto titulado “Marked” (Marcado), la fotógrafa Claire Felicia realizó retratos de primer plano de los infantes de marina en la 13 Compañía de Infantería de la Real Federación Holandesa de la Infantería de Marina, antes, durante y después de su despliegue, durante 2009-2010. Posteriormente organizó los retratos en inquietantes trípticos que muestran el peaje que la guerra tiene en los ojos de una persona y su cara.
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For her project titled Marked, photographer Claire Felicie shot close-up portraits of the marines in the 13th infantry company of the Royal Netherlands Marine Corps before, during, and after their deployment from 2009-2010. She then arranged the portraits into haunting triptychs that show the toll war has on a person’s eyes and face.
(via: http://www.petapixel.com/)











Gemelos // Twins (by Mary Ellen Mark, 2003)


“Siempre he estado fascinada por los gemelos. En mis cuarenta años en la fotografía, cada vez que había una oportunidad, tomaba una foto de gemelos. Me pareció muy convincente la idea de que dos personas pudieran parecer exactamente iguales.
El Dia del Festival de los Gemelos en Twinsburg, Ohio, es un encuentro anual de varios miles de parejas de gemelos, con fiestas y eventos. Me enteré de su exisencia hace varios años y tenía muchas ganas de ir allí para tomar fotos. Mi primer viaje a Twinsburg fue en 1998. Fue una sorprendente experiencia visual y al mismo tiempo, muy extraño y frustrante. Era como si estuviera viendo doble y me sentía un poco aislada por no tener una gemela. En el aeropuerto en mi camino de regreso a Nueva York, recuerdo que pensé lo extraño que era estar rodeado por personas que no eran gemelos.
Durante ese primer viaje al Festival de Gemelos, me acerqué al sujeto tanto de una forma documental como fotógrafa de retratos. He trabajado con varios formatos: 35 mm, 2¼, 6×7, y 4×5. Al final, me encontré con que las imágenes que mejor funcionaban eran los retratos más formales, ya sea en formato medio 4×5, debido a los detalles precisos que daba el revelado. Sabía que quería fotografiar a los gemelos de nuevo y cuando pensé en cómo hacer esto mejor, tuve una revelación. La manera más poderosa para fotografiar a los gemelos sería la de utilizar la cámara Polaroid 20×24. Mediante el uso de esta cámara podría mostrar, con lujo de detalles, no sólo cómo se parecen los gemelos, sino las cualidades sutiles que a menudo les hacen muy diferentes.” – Mary Ellen Mark
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“I’ve always been fascinated by twins. In my forty years of photographing, whenever there was an opportunity I would take a picture of twins. I found the notion that two people could appear to look exactly alike very compelling.
The Twins Days Festival in Twinsburg, Ohio is an annual gathering of several thousand sets of twins with festivities and events. I heard about it several years ago and I very much wanted to go there to take pictures. My first trip to Twinsburg was in 1998. It was an amazingly  visual experience and at the same time, very strange and frustrating. It was like I was seeing double and I felt somewhat isolated not being a twin. At the airport on my way back to New York, I remember thinking how bizarre it was to be surrounded by non-twins.
During that first trip to the Twins Days Festival, I approached the subject as both a documentary and a portrait photographer. I worked with several formats: 35mm, 2 ¼, 6×7, and 4×5. In the end, I found that the images that worked best were the more formal portraits in either medium format or 4×5 because of the precise detail they revealed. I knew I wanted to photograph the twins again and when I thought about how to best do this, I had a revelation. The most powerful way to photograph the twins would be to use the 20×24 Polaroid camera. By using this camera, I could show, in precise detail, not only how much twins are alike but the subtle qualities that often make them so different.” – Mary Ellen Mark



 

 

 






Doble identidad // Double identity (by Caroline Briggs)


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“Los gemelos idénticos soportan una particular lucha contra la identidad. Su búsqueda de uno mismo son dominadas por sus condiciones de doble – un intenso vínculo definido por el conflicto, el compañerismo, el amor, la competencia, el intercambio, la separación y, por supuesto, una apariencia física compartida. Esto significa que cada gemelo tiene dos identidades – como individuo y como gemelo.

Mi serie tiene como objetivo evitar las comparaciones físicas directas entre los gemelos al tiempo que permite al espectador reconocer y aceptar las similitudes y diferencias de los gemelos. Para el gemelo, les da una perspectiva diferente de sus identidades dobles y plantea preguntas acerca de su relación y su deseo -o la falta de deseo- a vivir vidas completamente separadas.” – Caroline Briggs
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“Identical twins endure a particular struggle with identity. Their search for self is dominated by their twin status – an intense bond defined by conflict, companionship, love, competition, sharing, separation and, of course, a shared physical appearence. It means each twin has two identities – as an individual, and as a twin.

My series aims to avoid direct physical comparisons between twins while allowing the viewer to acknowledge and accept the twins’ similarities and differences. For the twin, it gives them a different perspective on their double identities and poses questions about their relationship and their desire -or lack of desire- to live completely separate lives.” – Caroline Briggs
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Antes y después, fotografías de corredores // Before and after photos of runners (by Sacha Goldberger)

El fotógrafo francés Sacha Goldberger creó un estudio fuera de Bois de Boulogne, un parque situado cerca de París. Desde esta ubicación se tomaron fotografías de los corredores que aceptaron sprintar para él e inmediatamente después posar para una foto.
Goldberger citó a estos corredores para que fueran a su estudio profesional exactamente una semana después, donde les pidió posar en la  misma manera que lo habían hecho antes.
“Quería mostrar la diferencia entre nuestro lado natural y brutal en comparación a cómo nos representamos a la sociedad”, dijo Goldberger. “La diferencia fue muy sorprendente”.
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French photographer Sacha Goldberger created an outside studio at Bois de Boulogne, a park located near Paris. From this location he took pictures of runners that agreed to sprint for him and then pose right after for a picture.
Goldberger then had these runners come to his professional studio exactly one week later where he asked them to pose the same way they had before.
“I wanted to show the difference between our natural and brute side versus how we represent ourselves to society,” Goldberger said. “The  difference was very surprising.”

 
















Albinos (by Gustavo Lacerda)

La serie “Albinos” del fotógrafo brasileño Gustavo Lacerda combina biología, estética y folclore en una colección impresionante de fotografías saturadas de luz.
El albinismo es una condición hereditaria que resulta en la ausencia de pigmento en el cabello, piel y ojos, lo cual puede llevar a problemas graves de la vista, incluso ceguera. En Estados Unidos, los transeúntes pueden hacer una pausa para mirar, pero fuera del país el destino de los albinos pueden ser aún más cruel.
En el este de África, algunas personas creen erróneamente que las partes del cuerpo de las personas con albinismo tienen poderes mágicos, lo que lleva a la muerte y mutilación de miles de personas. Los distribuidores pueden ganar hasta $75.000 por un conjunto de extremidades desmembradas, que son tejidas en el pelo y ropa como baratijas de buena suerte.
Jugando con las poses, la luz y la saturación, Gustavo Lacerda crea una belleza etérea donde se acopla la paleta bañada por la luz de una realidad más oscura.
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Brazilian Photographer Gustavo Lacerda’s series “Albinos” blends biology, aesthetics and folklore in the striking collection of light-saturated photos.
Albinism is a hereditary condition resulting in the absence of pigment in hair, skin and eyes, which can lead to serious vision problems — even blindness. In the United States, passersby might pause to stare, but outside the country the fate of albinos can be even crueler.
In East Africa, some people mistakenly believe that body parts from people with albinism have magic powers, which lead to the murder and mutilation of thousands. Dealers can make up to $75,000 on a set of dismembered limbs, which are weaved into hair and clothing like good luck trinkets.
Toying with poses, light and saturation, Gustavo Lacerda creates an ethereal beauty where the light-drenched palette is coupled with a darker reality.

















Retratos genéticos // Genetic portraits (by Ulric Collette)

El fotógrafo y diseñador gráfico canadiense Ulric Collette, con su proyecto ‘Retratos Genéticos’ ha decidido tomar a los integrantes de dos familias, retratar sus caras y hacer un montaje entre las fotografías de ellos, para analizar y destacar los rasgos y similitudes que existen  entre sus miembros.
Y así, decidió mezclar la mitad de la cara de una madre con la de su hija, o la de un hermano con la de su hermana o la de un padre con su  hijo. A continuación se muestran las fotografías que componen la primera parte de este curioso proyecto, del cual el autor, asegura que continúa en proceso.
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The Canadian photographer and graphic designer Ulric Collette, with his project ‘Genetic Portraits “has decided to take the members of two families, portraying their faces and make a montage between the photographs of them, to discuss and highlight the features and similarities between its members.
And so, he decided to mix half of the face of a mother with her daughter, or a brother with his sister or a father with his son. Below are the photographs that make up the first part of this curious project, which the author claims that process continues.
Madre//Mother (Francine, 56) – Hija//Daughter (Catherine, 23):
Hermanas//Sisters (Catherine, 23) – (Veronica, 29):
Hija//Daughter (Veronica, 29) – Madre//Mother (Francine, 56):
Hermana//Sister (Karine) – Hermano//Brother (Dany):
Hermanos//Brothers (Christopher, 30) – (Ulric, 29):
Padre//Father (Laval, 56) – Hijo//Son (Vincent, 29):
Padre//Father (Denis, 53) – Hijo//Son (William, 28):
Hermanas Gemelas//Twin Sisters (Laurence, 20) – (Christine, 20):
Hermanos//Brothers (Matthew, 25) – (Ulric, 29):
Hijo//Son (Nathan, 7) – Padre//Father (Ulric, 29):











Rejuvenecimiento y envejecimiento digital.
Muestras de la práctica Fotográfica Coordinada por Mafa Alborés en el contexto de la EASD Serra i Abella (Hospitalet de Llobregat).


Rejuvenecer digitalmente un rostro joven significa infantilizarlo, estudiar los cambios estructurales del cráneo y las proporciones
de los rasgos faciales.
Un buen recurso para el envejecimiento digital es recurrir a una fotografía de un rostro similar (mejor cuando el parecido es familiar o genético) con iluminación semejante en angulación, calidad, contraste y color. Próximamente actualizaré y aumentaré el número de ejemplos ya sea en esta misma entrada o en una dedicada específicamente a este proyecto llevado a cabo con mis alumnos de Fotografía.






































Generación // Generation (by Frauke Theilking)


¿Cómo son de parecidos padre e hijo?. El proyecto de la fotógrafa alemana Frauke Theilking llamado “Generación”, observa las similitudes y diferencias entre las generaciones. Cada foto empareja a padres y niños, ya sea una combinación de madre/hija, o padre/hijo, uno junto al otro. Careciendo de un fondo elaborado, las fotos de Theilking centran la atención del espectador sobre los sujetos, los cuales no visten ninguna prenda que distraiga.
Mirando las dos figuras, son evidentes (sin doble sentido) las semejanzas y lagunas. En muchas de las imágenes, sientes como si mirases a una pantalla dividida de la misma persona en diferentes etapas de su vida.
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How similar are parent and child? German photographer Frauke Theilking’s photo project called “Generation” observes the similarities and differences between generations. Each photo pairs a parent and child, either a mother/daughter or father/son combo, side by side. Devoid of an elaborate background, Theilking’s photos focus the viewer’s attention on the subjects, who themselves aren’t wearing any distracting clothing.
Looking at the two figures, there are apparent (no pun intended) likenesses and gaps. For a lot of the images, it feels like looking at a split-screen of the same person at different stages in their life.







Con permiso de Jung y su "Puer Aeternus" o Pascoli con su "Little Boy", sin duda podemos estar de acuerdo en que, en algún lugar en el interior de cada uno de nosotros, hay un núcleo joven, instintivo, creativo pero también inocente e ingenuo. ¿Qué pasaría si esta esencia íntima fuese revelada completamente?
"L'Enfant Exterieur" (El Niño exterior) analiza esta posibilidad, que nos muestra un mundo de adultos en la forma de  niños, como si el cuerpo pudiera caer en la fealdad de la vida, menospredispuesta a  imaginar grandes ojos de cervatillo  escudriñando en  clubes nocturnos o pequeñas manos regordetas tecleando en las oficinas.
Un examen que comienza a partir de la clásica dicotomía forma-sustancia y que se pregunta acerca de la naturaleza de la pureza y la inevitabilidad de la corrupción, sin tomarse demasiado en serio a sí mismo, porque al final, ya se sabe, a los niños les gusta jugar.
(Texto de Michele Panella / ioadv.it,  traducido por Mafa Alborés)


En este ejemplo, muy atractivo y divertido, se analiza el parecido entre el yo adulto y el  yo niño por reducción al absurdo.
Si en los ejemplos mostrados más arriba, especialmente los retratos genéticos de Ulric Collette, o los rejuvenecimientos y envejecimientos digitales de mis alumnos de técnica fotográfica, se estudia que hay de parecido con uno mismo en las diferentes etapas de la vida, Girotto va un poco más lejos y utiliza el licuado de Photoshop para alterar las proporciones de los rasgos faciales o de la relación entre cráneo-mandíbula cabeza-cuerpo que denotan los principales rasgos neoténicos en los mamíferos en general y en el ser humano en particular.






L'ENFANT EXTERIEUR
  • Without bothering Jung and its "Puer aeternus" or Pascoli with its "Little Boy", we can certainly agree that, somewhere inside each of us, there's a young core, instinctive, creative but also innocent and naïve. What would happen if this intimate essence would be completely revealed?
    L' Enfant Extérieur (The Outer Child) takes into analysis this possibility, showing us a world of men in the shape of children, as if the body could slip on the ugliness of life, less expected to imagine big fawn's eyes winking in the night clubs or little chubby hands shaking in the offices.
    An examination that begins from the classical dichotomy shape-substance and that questions itself about the nature of purity and the unavoidability of the corruption, without taking itself too seriously, because in the end, you know, children like to play.
    ( Text by Michele Panella / ioadv.it)
  • A special thanks to Olivier Masson for all the precious advices and to LB Studios for the beautiful equipment!

    More children soon...





    Como muestrario de ejemplos en el ámbito de la enseñanza, las imágenes mostradas en esta entrada me han resultado muy útiles (soy profesor de fotografía en la EASD de l'Hospitalet de Llobregat) para hablar de cuestiones relativas al retrato, la anatomía facial, el parecido, el reconocimiento de caras o la edición digital. A partir de una de las propuestas de actividades de técnica fotográfica, la alumna Xènia Lau, inspirándose en el proyecto "L'enfant exterieur" (algo así como "el niño que llevamos fuera") de Cristian Girotto, ha realizado una serie de retratos de estudio para su posterior edición con Photoshop alterando las proporciones físicas de los cuerpos y los rostros de los retratados infantilizándolas. El resultado, como en el trabajo original de Girotto, resulta entre divertido y grotesco, pero, sobre todo, muy revelador y didáctico, ya que muestra contundentemente, qué es característico de la fisonomía infantil en relación al desarrollo de ésta en la edad adulta.

















    Una interesante reflexión sobre lo que analizamos en esta entrada la realiza el fotógrafo FRANÇOIS BRUNELLE en el proyecto del que ofrecemos una pequeña muestra a continuación


    I'M NOT A LOOK-ALIKE!

    I'm not a look-alike! is a project  to make 200 photos of couples of look-alikes ( doubles, doppelgangers ) around the world and to create an international exhibit and a book with them.
    The photos are in black and white.

    Elisa Berst   Corinne Barois     Paris France 2010

    What is a look-alike? A look-alike, or double, or doppelganger is simply put a person whom other people think is another person. In a play written by the latin author Plauto there is such a character whose name is Sosia and that character is mimicked so well by the god Mercury that even Sosia himself is unsure of who is the real himself. 


    Nuno Filipe Mendes Godhino   Miguel Gonçalo Costa Silvestre     Lisboa Portugual 2010






    Tamara Stomphorst   Sandra Meines     Amsterdam Netherlands 2010













    Retired P.E. Teacher Wears Same Outfit for 40 Years of Yearbook Portraits


    Retired P.E. Teacher Wears Same Outfit for 40 Years of Yearbook Portraits portraits multiples
    Retired P.E. Teacher Wears Same Outfit for 40 Years of Yearbook Portraits portraits multiples
    Retired gym teacher Dale Irby posed for his first yearbook photo back in 1973 at Prestonwood Elementary school. The next year, completely by accident, Irby wore the exact same outfit. At first he was horrified to discover the faux pas, but then his wife made a dare: do it again the next year. And before you knew it a 40-year tradition was born; from 1973 to 2013 the teacher wore an identical sweater vest and collared shirt for every single yearbook portrait. You can see a slideshow of the photos over at the Dallas Morning News. (via peta pixel)











    Retratos simétricos // Symmetrical portraits (by Julian Wolkenstein)


    Desde las flores a la arquitectura, a menudo se ha dicho que hay una belleza agradable en el diseño simétrico.
    Fascinado con esta idea, el fotógrafo e investigador Julian Wolkenstein ha liderado dos proyectos relacionados con el arte de los últimos años que han tratado de explorar las ideas de simetría y belleza, y de desafiar nuestras percepciones de cada uno.
    Todo comenzó en 2010 cuando Wolkenstein convocó un “grupo de prueba” de modelos a los que retrató “las características faciales específicas y distintas”.
    Él les pidió que no mostraran ninguna emoción y les fotografió de frente. De cada modelo se produjeron dos fotografías -una que utiliza el lado derecho de la cara como una plantilla a partir de la cual reflejar el otro lado, y viceversa. Se encontró que las dos imágenes producidas eran drásticamente diferentes unas de otras, y de la expresión verdadera del modelo.
    Wolkenstein escribe en la descripción del proyecto. “¿A qué te pareces? ¿Cuáles son las cosas que hacen que parezcas tu — tus señas de  identidad? Si fueras simétrico, te considerarías más guapo, menos, o solo es simplemente extraño? ¿O eres tu al fin y al cabo?”
    ¿Reconocerías tu propia cara si fuese mostrada perfectamente simétrica?
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    From flowers to architecture, it is oft been said that there is pleasing beauty in symmetrical design.
    Fascinated with this idea, photographer and researcher Julian Wolkenstein has spearheaded two related artistic projects in recent years that have sought to explore the ideas of symmetry and beauty and to challenge our perceptions of each.
    It all began in 2010 when Wolkenstein cast a “test group” of models who portrayed “specific, distinct facial features.”
    He asked that they display no emotion and photographed them straight on. From each model came two photographs — one which used the right side of the face as a template from which to mirror the other side, and vice versa. He found that the two images produced were drastically different from each other and from the model’s true expression.
    Wolkenstein writes in the project’s description. “What do you look like? What are the things that make you look like you — your identifying features? If you are made symmetrical, do you consider yourself more beautiful, less so, or is it just weird? Or is it you at all?”
    Would you recognize your own face if it was rendered perfectly symmetrical?
















    La doble cara // The double face (by Bill Stettner, 1963)

    Bill Stettner - The Double Face - 1963
    “Quería hacer una fotografía que mostrase la idea de que en el fondo, todos somos iguales. Quise tomar una imagen de obreros ordinarios -una especie de retrato cercano como Avedon- utilizando un hombre negro para una mitad de la cara, y un hombre blanco para la otra – de forma que el hombre negro pareciera el lado sombreado de la cara del hombre blanco.
    Hoy en día esto sería sencillo con los ordenadores, pero en 1963 todo tenía que ser hecho en la cámara. Tuve una enorme sesión de casting que duró una eternidad, y finalmente, tomé 36 hojas de película 5″ x 4″ del hombre blanco. En esta etapa no había encontrado un rostro negro que encajase y no lo hice por un tiempo – de hecho, la película se mantuvo intacta en los soportes deslizantes durante dos meses.La mayoría de los directores de arte que vieron esta imagen pensaron que era un tipo blanco raro con un labio hinchado y arrojaron la impresión a la papelera! Cuando se lo expliqué, se mostraron avergonzados y no quisieron hablar de ello. Definitivamente no fue un éxito comercial!” – Bill Stettner
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    “I wanted to make a picture that made the point that underneath it all, we’re all the same. I wanted to take a picture of ordinary blue-collar workers – a sort of Avedon close up – using a black man for one half of the face, and a white man for the other – so that the black man looked like the shadow side of the white man’s face.
    These days this would simple with computers, but back in 1963 it all had to be done in the camera. I had a huge casting session that went on for ever, and eventually , shot 36 sheets of 5” x 4” film of the white guy – cross lit from the right. At this stage I hadn’t found a black face that matched and I didn’t for quite a while – in fact the film stayed untouched in the slide holders for two months.“Most of the art directors who saw this portrait thought it was some weird white guy with a fat lip, and threw the print into the bin! When I explained it to them, they got embarrassed and didn’t want to talk about it. It definitely wasn’t a commercial success!” – Bill Stettner


    Ha muerto Pere Formiguera. Hemos perdido un fotógrafo relevante (la verbigracia le habría molado, porque apreciaba tanto el humor inteligente como el chascarrillo fácil) y una persona entrañable, amable y divertida, responsable del primer trabajo ("Fauna Secreta") que dió el pistoletazo de salida al grandioso Fontcuberta y sus reflexiones sobre simulacro y tergiversación. Formiguera continuó, no obstante, por otros caminos fotográficos y desde aquí queremos reivindicarlo.
    Como recuerdo personal me quedan largas conversaciones (incluso por teléfono me superaba en incontinencia verbal) y, en especial, una de las primeras, que registré para documentar un trabajo académico, durante la cual me presentó a Fontcuberta y que podeis ver en el siguiente enlace:

    http://mafa-elanimalinvisible.blogspot.com.es/p/blog-page.html


    Isidre Santacreu sitúa a Formiguera en su preciso tiempo fotográfico en una entrada de su blog "Antropófago" que recomiendo desde aquí, una suerte de tiempo cuyo paso queda demostrado por la realidad no repetida, y esta sólo se evidencia a través de la refotografía. Kronos es un trabajo de Formiguera que podríamos situar en la intersección de su interés por lo animal con su interés por lo reconocible o interpretable (ver nuestra entrada dedicada al parecido)


    Desde los marginales anuncios comerciales donde se muestra el antes y el después de determinado tratamiento de belleza, el cuerpo ha sido objeto preferente de lo refotografiado. En nuestro entorno abundan los ejemplos, como es el caso de “Cronos”, de Pere Formiguera, donde una vez al año los mismos personajes posan su desnudez ante la cámara, en una serie parecida a las albúminas de finales de siglo XIX en que Eadweard James Muybridge viviseccionaba el movimiento (el atroz transcurrir del tiempo, en el caso de Formiguera).


    Pere Formiguera, "Santi, 01-91/11-99"




    Este blog nació como la recopilación de contenidos de un trabajo académico que inicié hace años.
    En un principio, el tema central era el análisis de las fronteras entre reproducción y representación en el arte figurativo, haciendo hincapié en la trascendencia de la llegada de fotografía a la historia del arte. Los trampantojos, la pintura fotorrealista, la fotografía pictoricista, el engaño y el simulacro visual se dieron cita en el primer bloque ("Digo, miento, fotografío") y sirvieron de hilo conceptual para desarrollar contenidos acerca de las reproducciones tridimensionales, el realismo como contraposición al naturalismo y las fronteras entre recreaciones artísticas y reproducciones científicas de las formas de la naturaleza ("El árbol de plástico"). De ambos bloques iniciales, publicados en forma de entradas únicas de sendos blogs independientes en su día (en este los tenéis en forma de páginas específicas) tomé la base para desarrollar mi reflexión sobre las fronteras entre arte y ciencia a través de las imágenes de la divulgación zoológica en el texto de "El animal invisible", también publicado como blog acompañado de páginas selectas que hemos ido desarrollando aquí.

    A muchas personas podría agradecer su inestimable colaboración y/o inspiración directa o indirecta, pero si hay alguien que reúna todos los requisitos para ser miembro de honor de colaboradores de este blog se trata de Pere Formiguera, a quien hemos perdido recientemente.

    Entre las diversas aproximaciones a la pintura desde la fotografía de Formiguera he querido rescatar esta que, de alguna manera, es una buena metáfora visual del niño curioso que observa la naturaleza y la condición humana desde su mirada. Pere, no obstante, se habría reído de esta aliteración de pedanterías.

    En los tiempos en que yo comenzaba a elaborar estos escritos, cuando me dedicaba a compaginar mis estudios con tareas docentes, sobrevivía gracias a trabajos relacionados con la escenografía que pronto me llevaron a los peculiares ámbitos de las escenografías naturalistas para exposiciones divulgativas de pretexto científico, zoológico. Curiosamente, la mejor muestra de ellos, en el espacio del "Aquarama", un edificio cilíndrico del zoo de Barcelona donde se exhibían acuarios y delfines, sacrificó una serie de magníficos acuarios (fruto de la constancia y el buen hacer de los trabajadores y cuidadores de este área del zoo) para reconvertirlos en terrarios y acuaterrarios que acogieron con más lujo y presencia la exposición "Natura Misteriosa/Naturaleza Misteriosa" del grupo "Atrox", en condición de subcontrata del zoo, y que ahora pasaría a llamarse "El Misteriòs Mòn del Verí/El misterioso Mundo del Veneno".

    Cuando, a través de mi colaboración con el Museo de Cera de Barcelona, llegué al zoo de Barcelona, todos coincidían en que "Natura Misteriosa" era una de las exposiciones más rentables y populares de los últimos tiempos en la ciudad y en el país. Simultáneamente, Pere Formiguera había comenzado un proyecto personal que pretendía llamarse "Natura Misteriosa" (posiblemente se le había ocurrido a él primero, este título, aunque qué más da) y al que se unió como cómplice y colaborador Joan Fontcuberta. Por razones obvias, cuando "Natura Misteriosa" estuvo lista gracias a la colaboración de miembros y directivos del Museo de Zoología de Barcelona, la cercanía, al otro lado del Parque de La Ciudadela, de la "Natura Misteriosa" del zoo imposibilitaba utilizar dicho título por parte de sus autores, quienes optaron por "Fauna Secreta", poco tiempo antes de mi presencia en el Museo por motivos académicos. El éxito y la fama de "Fauna Secreta" terminó por cristalizar en su trascendental y exitosa presente en el MOMA de Nueva York y el resto es Historia. Fontcuberta siguió los caminos iniciados en el mundo del simulacro fotográfico iniciado con sus homenajes a Blossfeldt en "Herbarium" y "Fauna Secreta" lo proyectó internacionalmente para comenzar a labrar la carrera que lo ha llevado a ser. junto con Jaume Plensa o Miquel Barceló, uno de los artistas catalanes, o españoles si lo prefieren, de mayor proyección e influencia del mundo artístico. Por razones alfabéticas, el nombre de Pere Formiguera seguía al de Fontcuberta, pero recordemos que "Fauna Secreta" responde por igual a las inquietudes de ambos artistas, cuyos caminos, cercanos en lo personal, se independizaron en lo fotográfico y artístico. Joan como artista integral que se sirve del medio y del paradigma fotográfico, y Pere como fotógrafo más interesado en diseccionar lo natural y lo sobrenatural a través de sus retratos, desnudos y demás series fotográficas.

    Pere Formiguera era un entusiasta conversador. Su incontinencia verbal superaba a la mía, lo que sin duda es una destacable marca, y me podía hacer pasar minutos que se alargaban hasta las horas al teléfono. Él fué quien se ofreció gustoso a hablar sobre "Fauna Secreta" para mis trabajos, implicando en ello a Joan Fontcuberta, que también se mostró muy amable, comprensivo y colaborador para registrar en forma de ensayo improvisado y conversado (tal vez no fueran estas las palabras exactas de Formiguera para definir lo yo estaba generando) lo que me sirvió de soporte para desarrollar gran parte de mi posterior trabajo escrito.

    Por lo tanto, los que visitáis este blog y sus contenidos y disfrutáis con ello, recordad que se lo debemos a los personajes como Pere Formiguera.

    Pere Formiguera: serie "Kronos"/ Mariona

    Para ilustrar este post dedicado a Pere Formiguera he decidio seleccionar como epílogo visual uno de sus retratos en busca de los signos del tiempo. Pere fué amistoso y entusiasta colaborador conmigo, aunque no éramos amigos, y tal vez por ello me siento un poco obligado a rendir tributo a su memoria y a su obra. Buscando entre sus imágenes encontré esta de una amiga común de ambos que me recuerda mis inicios en Barcelona, mis amigos de ahora y entonces y mi propia mirada a las miradas fotográficas,





    Monette and Mady (by Maja 


    Maja Daniels - Monette and Mady - 8
    Monette y Mady son gemelas idénticas. Ellas han vivido toda su vida estrechamente unidas y son, como se suele decir, inseparables.
    La primera vez que las vi en las calles de París quedé inmediatamente fascinada por sus trajes idénticos y su sincronizado lenguaje corporal. Originales y hermosas, destacaban de la multitud. Como no podía creer lo que veía, recuerdo que pensé que no podría ser real.
    Cuando me acerqué a ellas no me sorprendió descubrir que muchas veces ellas terminan las frases de la otra y que se refieren a sí mismas como «yo» en lugar de «nosotras».
    Ni Mady ni Monette se casaron ni tuvieron hijos y siempre comen el mismo tipo de comida en porciones idénticas.
    Ellas no sólo comparten una estrecha relación como hermanas, actúan como una pareja, modelando y bailando juntas y la ciudad de París es su escenario principal.
    Si alguna vez salen vestidas con trajes diferentes, la gente las para y les pregunta por qué discuten. Así, una gran parte de las vidas de Mady y Monette es acerca de la representación, ante las cámaras o en un escenario, así como en la calle, este proyecto consiste en una mezcla de etapas e imágenes documentales.

    Las fotografías más escénicas se alternan con imágenes de las hermanas en las que interactúan naturalmente durante sus quehaceres diarios. Dado que Mady y Monette son tanto excéntricas como gente muy privada, esta combinación refleja su vida, sobre todo porque no siempre es obvio contar los dos enfoques separados.

    Esta adición de ficción lo convierte en una atmósfera de ensueño, un poco como un espejismo que refleja mi impresión inicial de ellas mismas. Las calles de París crean el escenario perfecto para esa ambigüedad que se juega, confundirnos con sus referencias a la moda, el cine y el arte. Esto hace de el documentar los eventos cotidianos algo surrealista.

    A veces Monette y Mady no entienden muy bien por qué quiero documentar su vida cotidiana. Es un reto interesante para mí hacerles ver cómo estoy fascinada por esta existencia simbiótica que es tan natural para ellas.
    Mady y Monette son indiferentes a los muchos estereotipos que están relacionados con el envejecimiento. De hecho ellas dejaron hace mucho tiempo de celebrar sus cumpleaños y desafían las nociones preconcebidas relacionadas con el envejecimiento.
    Esta serie es un diario íntimo de su unión y como alternativa se enfrenta a los complejos problemas que acompañan a la noción de “envejecimiento” hoy en dia, mi objetivo es seguir esta serie a lo largo de los años, mientras Mady y Monette envejecen.
    -Maja Daniels.
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    Monette and Mady are identical twins. They have lived their whole life closely together and are, as they say, inseparable.
    I first saw them on the streets of Paris and I was instantly fascinated by their identical outfits and synchronized corporal language. Quirky and beautiful, they stood out from any crowd. As I couldn’t quite believe my eyes, I remember thinking that they might not be real.
    When I approached them I was not surprised to discover that they often finish each other’s sentences and that they refer to themselves as « I » instead of « we ».
    Neither Mady nor Monette have married or had children and they always eat the same kind of food in identical portions.
    They do not just share a close relationship as sisters; as a couple they act, model and dance together and the city of Paris is their main stage.
    If they ever go out dressed in different outfits, people stop and ask why they argue. Since a great part of Mady and Monette’s lives is about performing, in front of cameras or on a stage as well as on the street, this project consists of a mix of staged and documentary images.

    The more staged photographs are alternated with pictures of the sisters interacting naturally as they go about their daily business. Since Mady and Monette are both eccentric yet very private people, this combination reflects their lives, particularly since it is not always obvious to tell the two approaches apart.

    This addition of fiction makes for a dreamy atmosphere, a bit like a mirage that reflects my initial impression of them. The streets of Paris make the perfect backdrop for such ambiguity to be played out, confusing us with its references to fashion, film and art. It makes the documenting of everyday events somewhat surreal.

    Sometimes Monette and Mady don’t quite understand why I want to document their everyday life. It is an interesting challenge for me to make them see how fascinated I am by this symbiotic existence that is so natural to them.
    Mady and Monette are indifferent to the many stereotypes that are related to aging. They have in fact long stopped celebrating their birthdays and they defy any preconceived notions related to growing old.
    This series is an intimate journal of their togetherness and as an alternative take on the complex issues that accompanies the notion of “aging” today, I aim to pursue this series over the years as Mady and Monette grow older.
    -Maja Daniels.
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    Nuestro rostro // Our face (by Ken Kitano)


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    “Nuestro Rostro”, de Ken Kitano, se centra en las personas y no en la infraestructura de la ciudad. A diferencia del estilo de los retratos de al uso realizados en estos días, Kitano llega hasta 20 tomas de esos tantos sujetos y los mezcla juntos, creando un nuevo pero familiar retrato.
    El proyecto fue en respuesta al gran terremoto de Hanshin y el ataque de gas en el Metro de Tokio, ocurridos ambos en 1995. A raíz de estas tragedias, Kitano se sintió obligado a documentar a las personas a su alrededor. A medida que el proyecto se lleva a cabo, Kitano viaja a otros lugares en todo el mundo para obtener una declaración visual de los diferentes grupos.
    Con el fin de obtener el extraño mosaico como resultado de sus fotografías, Kitano puede seleccionar un máximo de 70 personas de una categoría en particular para posar para él. Por tanto, la serie incluye desde estudiantes de secundaria en Japón a los trabajadores portuarios en Bangladesh a los devotos religiosos en la India.
    Los retratos resultantes son bastante al aleatorios, pero al mismo tiempo, lo que emerge es algo que hubiera esperado de cada grupo, el entusiasmo burbujeante de los escolares, las emociones fuertes que bailan en los rostros de los actores y artistas, la calma estoica de los monjes budistas , etc
    Una observación interesante que apunta Kitano al mostrar sus fotografías es que algunas personas notan de inmediato las diferencias en los rostros, mientras que otros se centran en las similitudes entre los sujetos. Es como si la mayoría de las personas pudieran ser colocados en dos grupos: uno que ve lo que divide a la sociedad, y otro que ve lo que une. ¿A qué grupo perteneces tu?
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    “Our Face” by Ken Kitano, focuses on the people, rather than on the infrastructure of the city. Unlike the usual portraiture style practiced these days, Kitano takes upwards of 20 frames on as many subjects and blends them together, creating a new but familiar portrait.
    The project was in response to the Great Hanshin Earthquake and the Tokyo Subway Gas Attacks both of which occurred in 1995. In the aftermath of these tragedies, Kitano felt compelled to document the people around him. As the project took hold, Kitano traveled to other places around the world to get a visual statement of different groups.
    In order to get the strange mosaic result of his photographs, Kitano may select up to 70 people in a particular category to pose for him. Thus, his series includes everything from high school students in Japan to port workers in Bangladesh to religious devotees in India.
    The resulting portraits are quite random, but at the same time what emerges is something that you would have expected from each group; the bubbly enthusiasm from school children, the strong emotions dancing on the faces of actors and performers, the stoic calm in Buddhist monks, etc.
    One interesting observation Kitano noticed in showing off his photographs is that some people immediately notice the differences in the faces, while others focus on the similarities between the subjects. It’s as if most people can be placed in two groups: one that sees that which divides society, and another that sees that which unites. Which group do you belong to?
    ken-kitano-our-face-23-female-muslim-burqa-bangladesh-2008
    ken-kitano-our-face-30-geikos-maikos-dancing-special-kyo-dance-miyagawa-kyoto
    ken-kitano-our-face-31-workers-watching-movies-beijing-2009
    ken-kitano-our-face-32-students-3rd-grade-high-school-bangladesh-2008
    ken-kitano-our-face-35-esoteric-buddhist-monks-shingon-sect-kohya-school-wakayama
    ken-kitano-our-face-38-singers-kouta-edo-period-tokyo-japan-2003
    ken-kitano-our-face-39-people-floating-lanterns-river-motoyasu-atomic-bomb-memorial-hiroshima-2004
    ken-kitano-our-face-20-students-5th-grade-bangladesh-2008
    (via: http://reelfoto.blogspot.com.es/2011/10/ken-kitano-face-of-every-man.html)






    Humanae (by Angelica Dass)


    Humanae es un inventario cromático. Un proyecto que reflexiona sobre los colores más allá de las fronteras de nuestros códigos. Usando como referencia el sistema de color PANTONE, se realiza una serie de retratos donde el fondo es el tono extraído a partir de una mediana de 11 x 11 píxeles del rostro de las personas retratadas. El objetivo es registrar los tonos humanos entre una gigantesca colección de colores, mediante una medición aséptica.
    Las guías PANTONE son uno de los principales sistemas de clasificación de colores, que los representa mediante un código alfanumérico, permitiendo recrearlos de manera exacta en cualquier soporte. Es un estándar técnico industrial que a menudo se denomina Color Real.
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    Humanae is a chromatic inventory. A project that reflects about the colors beyond the borders of our codes. Using as reference the PANTONE color system, it performs a series of portraits where the background is the tone extracted from a median of 11 x 11 pixels in the face of the people portrayed. The aim is to record human tones among a huge collection of colors, by measuring aseptically.
    The PANTONE guides are one of the main systems of classification of colors that represented by an alphanumeric code, allowing to accurately recreate in any medium. It is a industrial standard that often is called Real Color.
    (via: http://www.angelicadass.com/)

















    Icelandic Twin Girls Erna & Hrefna In Eerie Photos By Ariko Inaoka


    Every year, Erna and Hrefna, two beautiful twin girls growing up in Iceland, greet a very special visitor from Japan – Ariko Inaoka. This photographer has been visiting them every summer since 2009 to photograph them and document their progress through adolescence and their special relationship with each other.
    Inaoka met the girls in 2006, when they were 6. They had come to the casting for a photo shoot that Inaoka was preparing. She then met with them in 2009 to begin her project, which she hopes to continue until they’re 16.
    I often hear that identical twins have telepathic connections between them. This is true with Erna and Hrefna” Inaoka claims. “They are always together. They almost never fight each other. Spending time with them I feel such comfort in their companionship but at the same time I feel strange because I have never seen such a powerful connection between any two human beings. They say to me, ‘We dream same dreams sometimes’.
    More info: aarriikkoo (h/t: slate)

    “They are always together.” Their connection, Inaoka said, is almost telepathic

    “When they talk, one begins a sentence, the other picks up midway, and the first one finishes it – all very naturally”

    “Also, they tell me about having the same dreams”

    They practice ballet five days per week and get “almost the same grades”

    “Their connection is beautiful and peaceful. I also believe photography can capture more than the eye can see”

    identical-twins-erna-hrefna-photography-iceland-ariko-inaoka-16