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miércoles, 29 de marzo de 2017

Vestigios e insectos. Madera y metal. Abejas y cera perdida. Justin Gilday.



Justin Gilday fotografiado en su día por Neil Sloman
Justin Gilday  es un artista por el que he sentido una inmediata empatía debido a las peculiaridades de su obra, sus inquietudes y su polidisciplinaridad, además de ciertas coincidencias significativas con algunos de mis propios trabajos.
A Gilday le interesa la naturaleza y los animales, pero muy especialmente las pequeñas criaturas y los insectos, a menudo menospreciados, olvidados o, lo que es peor, rechazados y odiados. Gilday ha estado implicado profesionalmente con el exterminio de plagas, y esta experiencia profesional le ha llevado a conocer bien las características biológicas de muchas pequeñas criaturas para comprender su comportamiento, lo que no ha hecho sino despertar su admiración por ellas, volcado, a través de sus conocimientos antaño belicistas en una personal investigación proteccionista. Además de todo esto, al tener formación y experiencia como protésico dental, conoce bien los principios de ciertas técnicas escultóricas para crear pequeñas piezas a partir de moldes y vaciados.




Gilday pone especialmente énfasis en la excusa divulgativa que le proporciona su trabajo artístico, ya que está especialmente concienciado con la importancia de la educación acerca de la conservación de las especies naturales, muchas de ellas objeto de desprecio o maltrato, como los insectos, considerados a menudo plagas o fuentes de molestias, lo que que le lleva a centrarse bastante en las abejas, temidas por su veneno, pero venradas por su producción de miel y cera natural, estructuradas socialmente y a menudo susceptibles de ser tomadas como metáfora de la humanidad, tanto desde sus aspectos cooperativos positivos como esclavizados negativamente a la superioridad de la colonia sobre el individuo:

Mi trabajo gira en torno a todos los niveles, desde historias humorísticas directamente relacionadas con la educación entomológica hasta cuestionar analogías, es decir, abejas / humanidad humanidad / abejas, etc, todo encaminado a entender las piezas como retratos de la comprensión humana y de la vida, es decir, la llegada de las crías - una babosa y 16 gusanos (siempre una cálida sonrisa) - que habrían pensado, una babosa y los gusanos ..



Mafa Alborés, Helena Luís: "Joyas de la Naturaleza"


Preparaciones para reproducciones (Mafa Alborés)
Supongo que algunos todavía recordáis mis propias obras basadas en técnicas propias de la joyería, (de la microfusión para joyería, para ser más exactos) en colaboración con el Taller de Fundición de los Hermanos Luís, en Barcelona. (podéis ver más muestras en la página dedicada al proyecto "El Animal Invisible")
Jaime Luís, uno de sus integrantes, también con formación de protésico dental, por cierto, fué uno de los más entusiastas colaboradores en mi proyecto para reproducir pequeñas criaturas, y un habilísimo ejecutor técnico de moldes y taceles muy precisos, pero, sobre todo, un preciso cortador de estos para que fuesen efectivos y duraderos. Junto con su sobrina Helena Luís experimentamos diversas posibilidades técnicas para reproducir pequeñas muestras orgánicas botánicas y zoológicas muy similares a las experimentadas por Gilday.


Pieza fundida en plata (Mafa Alborés)
Pieza fundida en bronce (Mafa Alborés)
Estas, a grandes rasgos, suponen la preparación de los ejemplares (hallazgos de cadáveres de insectos y otros pequeños artrópodos o ejemplares en cautividad que tras una muerte natural habían sido preservados en diferentes tipos de baños -formol, alcohol, glicerina...-) con el fin de darles una apariencia lo más viva posible antes de realizar moldes de silicona de los que poder extraer posteriormente una pieza en cera a partir de la cual conseguir (mediante la misma técnica a la cera perdida empleada por Gilday) una pieza en metal fundido con la que hacer un nuevo molde en caucho cocido, mucho más resistente y duradero para su uso repetido y multiplicar el número de reproducciones.

Inyector industrial de cera
Estas, una vez extraídas de los cilindros de fundición, precisaban de un complejo trabajo de eliminación de restos de coladas, limpieza, pulimentado y acabados como barnizados, oxidaciones controladas, esmaltados o torsiones mecánicas para impostar diferentes actidudes físicas a partir de un único ejemplar.

Mafa Alborés/Helena Luís
He de decir que a menudo probábamos a verter el metal fundido directamente en el cilindro de yeso en el que estaba el ejemplar y que este desaparecía sin dejar rastro alguno ni perjudicar al resultado de la reproducción, evitando el delicado trabajo de obtener los positivos en cera, cosa que también Gilday ha practicado, y, como bien sé, también ha buscado soluciones a la crítica fragilidad de las partes más finas y delicadas de la anatomía de los pequeños insectos y arácnidos, como engrosar los ejemplares mediante baños de esmaltes o resinas para evitar posteriores roturas de las reproducciones en cera, así como interrupciones en el flujo del metal fundido o piezas metálicas excesivamente endebles y delicadas.

Nos hallamos, pues, ante uno de los procesos técnicos que mejor conozco y comprendo de cuantos hemos expuesto en nuestras páginas, y que más ha despertado mi ojo crítico y mi complicidad artística y naturalista, porque entiendo el amor y dedicación que Justin Gilday ha volcado en sus piezas para intentar contagiar al espectador su admiración por los auténticos dueños del planeta, fundamentales para el equilibrio del ecosistema del que dependemos. Para ello, curiosamente, no duda incluso en recrear dramatizaciones escénicas que a veces son evocadoramente naturalistas, pero que a menudo juegan con la especulación irónica y la fantasía del propio autor, que las sitúa en escenarios de madera natural apenas modificada o tratada, lo que resalta la exactitud anatómica del exoesqueleto de los insectos y arácnidos reproducidos, aunque aquí nuestro propio criterio de acabado difiere bastante del de Justin Gilday. Mientras Helena Luís y yo dábamos tratamientos y baños de oxidación a las piezas para un posterior pulido selectivo que las mimetizara con el aspecto visual de las criaturas vivas, Gilday no duda en resaltar mediante el pulido el brillo metálico y prístino de la plata, para crear un efecto que él considera más efectivo y llamativo. Quiere que sus piezas sean peculiares expositores de joyería naturalista, pequeñas esculturas inspiradas en la preservación natural casual, en los fósiles y otros tipos de improntas naturales, pero que no sean confundidas visualmente con tocones cubiertos de restos entomológicos resecos, lo cual otorga a las piezas un cierto atractivo comercial que es comprensible que el autor renuncie a perder.

Justin Gilday
Si tuviéramos que cerrar nuestro comentario sobre las obras de Justin Gilday, querríamos reivindicar el acierto y profundidad argumental, casi tautológico, de sus reproducciones de panales de abejas mediante la técnica de la cera perdida, dado que son los propios panales de cera natural los que se sumergen en el yeso líquido para su posterior horneado.

La pérdida física de la cera natural originalmente concebida precisamente para construir estos panales nominaliza la propia definición de la técnica empleada a la vez que envía un claro mensaje proteccionista preocupado por la creciente desaparición de los panales y las abejas responsables de la polinización y continuidad de las especies vegetales de las que depende nuestra propia existencia. El artista busca conmover al público y, según él mismo nos comunica, a menudo logra su objetivo:

A pesar de todo el calor, la risa y la comprensión de mi trabajo, en este momento he tenido que dar un abrazo a una dama durante mi exposición que acaba de estallar en lágrimas mientras mira y escucha esta pieza ... Este es un enlace a Un cortometraje sobre él -
Https://vimeo.com/redcape/justingilday-thehive
... Todos los aspectos abarcan muchos niveles


Y es que su carácter multidisciplinar y curioso lo ha llevado a acercarse a la apicultura y sus técnicas, a los problemas ecológicos a los que se enfrenta y sus consecuencias ambientales a corto y largo plazo, más inmediatos y perceptible para los ganaderos y agricultores o habitantes concieciados del medio rural, donde el artista se procura inmersiones destinadas a la observación, comprensión y obtención de muestras y ejemplares muertos convertidos en valiosos objetos con los que colmar sus deseos de conservación, tanto a nivel ecológico o biológico, como desde un punto de vista museístico o artístico.

Os dejo con una muestra del trabajo de Justin Gilday acompañada de sus propios comentarios extraídos de su página web o facilitados amablemente por el propio artista.


















                            
'They Crush Beetles Don't They'          Justin Gilday from Justin Gilday on Vimeo.




Me propuse crear una investigación del tema y profundizar en su interés, así como crear una obra de arte. Para mí, las oportunidades de ver los insectos de cerca y la exploración con motivo de la pieza es tan importante como el tema y la emoción de la obra. 
Simplemente poner mi trabajo es la culminación de mi experiencia de vida; aprendí las técnicas básicas que ahora uso mientras que el entrenamiento como técnico dental, en combinación con una carrera en el control de plagas me ha introducido al mundo de los insectos y otras criaturas. Eso no quiere decir que la curiosidad no estuviera allí durante mi entrenamiento; Mi jefe técnico sentía que la única manera de aprender era experimentar y así empecé mi primera cucaracha a la edad de 17 años.
 Ahora me inspiro en la belleza cruda de la naturaleza, que junto con una pasión por la madera en su forma natural escultórica intento mostrar la belleza de cada criatura. Incluso la avispa maligna y el avispón son intrincados y maravillosos de observar sin el potencial de ser picado. Pero es la sencillez de los materiales lo que me permite desarrollar el humor y las declaraciones emocionales que la mayoría de las veces son alegóricas a la vida. 
Utilizo una técnica antigua para crear las obras de plata llamadas "cera perdida". Implica tomar la materia orgánica e invertirla en un compuesto de sílice y yeso y después exponerla a un calor alto para quemar la materia que deja un vacío en el cual se vierte la plata fundida. La madera, en contraste se forma naturalmente, y su naturaleza cruda no se modifica sino que se arregla. Toda la madera sobre la que se fija la plata es una pequeña porción de una colección mucho más amplia y de la pasión por la recolección.Y así mi trabajo y su creación traen aspectos de la naturaleza que gusto juntar para crear una expresión de mi humor y también de mis preocupaciones por el mundo.


           
A Bombus Nativity  artist Justin Gilday from Justin Gilday on Vimeo.
 



I set out to create an investigation of the subject matter and to explore a depth of interest, as much as to create a piece of art. For me, the opportunities to see the insects close up and the exploration of the piece is just as important as the subject and the emotion of the work.
Simply put my work is the culmination of my life experience; I learnt the basic techniques I now use whilst training as a dental technician, in combination with a career in pest control that has given me an insight into the world of insects and creatures. That isn’t to say the curiosity wasn’t there during my training; my chief technician felt that the only way to learn was to experiment and so I cast my first cockroach at the age of 17.
Now I draw inspiration from the raw beauty of nature, which coupled with a passion for wood in its natural sculptural form I attempt to display a creature’s beauty. Even the malign wasp and hornet are intricate and wonderful to observe without the potential of being stung. But it is the simplicity of the materials, that allows me to develop the humour and emotional statements that more often than not are allegorical to life.
I use an ancient technique to create the works of silver called ‘lost wax’. It involves taking organic matter and investing it in a plaster silica compound and then exposing it to a high heat to burn out the matter leaving a void into which molten silver is poured. The wood in contrast is naturally formed and the raw nature of it is not touched but instead arranged. All of the wood on to which the silver is set is a small portion of a much wider collection and passion for collecting.
And so my work and its creation brings aspects of nature that I love together to create an expression of my humour and also my concerns for the world.



               
The Hive - including The Poisoning   @Justin Gilday from Justin Gilday on Vimeo.




https://www.facebook.com/JG-Silver-and-Wood-424222644316529/?notif_t=fbpage_fan_invite&notif_id=1490698136401809

http://justingilday.co.uk/

lunes, 27 de marzo de 2017

Mariana Lopes vuelve al Limbo.


Mariana Lopes (Limbo II)
Mariana Lopes: Limbo I
Pasamos de la fotografía de naturaleza viva y la recreación artificial de biotopos de Takashi Amano al particular mundo fotográfico de Mariana Lopes, a quien ya dedicamos una entrada centrada en su serie Limbo, título referido al limbo conceptual en que se encuentran los productos de la taxidermia, un limbo entre la preservación biológica y la escultura, entre la vida y la muerte, entre la detención temporal de la fotografía y la ilustración naturalista.

Lopes continúa con este proyecto y nos envía nuevas imágenes, en las que nos demuestra su intención de profundizar estética y conceptualmente en el calado simbólico y significativo de las piezas de taxidermia, especialmente aquellas incompletas o inacabadas, dado que le sirven precisamente para recalcar su condición como indicios de una falta, de una carencia.

Si en su anterior entrega nos mostraba fotográficamente la documentación de ese momento en que las piezas, inacabadas, no muestran la apariencia de animales, sino que evidencian su calidad de despojos en tránsito, en la serie que ahora nos facilita amablemente la propia artista nos encontramos con una versión muy personal de algo que ya había hecho en su día el gran Nick Brandt: mostrar las piezas de taxidermia en un entorno natural.

Nick Brandt
Brandt lo hacía con trofeos de caza perfectamente acabados reubicados en los entornos naturales en los que probablemente los ejemplares vivos habían sido capturados.

El resultado eran impresionantes fotos en blanco y negro en las que los paisajes naturales, ausentes de presencia animal, mostraban ahora la absurda presencia de objetos artificiales a partir de los despojos de las capturas, otorgando a las imágenes un carácter cercano al homenaje funerario pero señalando claramente un documento de denuncia: el paisaje ha sido despojado de sus protagonistas vivos y devolvérselos iconográficamente de esta manera reduce al absurdo la finalidad de la caza mayor a la que las llamadas reservas naturales están destinadas.

Nick Brandt
Brandt, uno de los más destacados fotógrafos naturalistas de la actualidad, y, posiblemente, el más solvente a la hora de conciliar la fotografía artística con la documental, es responsable también de otro proyecto fotográfico de similar calado en el que denunciaba ya no la ausencia de los animales en su hábitat natural, sino la desaparición de éste a consecuencia de la invasiva civilización, al que tituló "la herencia del polvo" ("inherit the dust", podeis ver aquí el comentario que le dedicamos en su día).



Nick Brandt (Inherit the dust)
Inherit the dust consistía en la realización de grandes copias fotográficas del autor, a tamaño natural, que, a modo de instalación artística entre el land-art y el arte urbano, para reubicar los animales en los entornos en que habían sido fotografiados, esta vez para evidenciar no sólo la ausencia de los animales sino también del paisaje natural que antaño había sido visible en la misma ubicación ("Across the ravaged land").

Ambos conceptos son icónicamente muy potentes, y la reivindicación ecologista de Brandt está fuera de toda duda. La nueva serie del proyecto "Limbo" de Mariana Lopes comparte evidentemente el recurso formal del animal disecado reubicado en un entorno natural, pero de alguna manera, aunque tal vez comparta parte de la posible interpretación como denuncia ecologista, lo cierto es que constituye una formalización de algo más ambicioso: una reflexión sobre la existencia, sobre la necesidad de hacer coincidir lo aparente con lo esencial, en cuya rotura Lopes encuentra una via estética para hablar sobre el carácter nostálgico de la fotografía y su incontrolable capacidad para evocar historias ajenas a su realización.
Si revisamos el grueso del trabajo de Brandt, ya que lo hemos mencionado como referente argumental, comprobamos que es fundamentalmente un profesional de la fotografía de la vida salvaje, un naturalista y un documentalista, aunque no nos queda duda de su honesta e intachable actitud artística. Mariana Lopes llega a una coincidencia iconográfica a través de la poética de la imagen fotográfica, de la puesta en escena simbólica y del análisis de la realidad a través de su reconstrucción en función del significado que adquieren los objetos, expresándose de formas similares pero con motivos fotográficos diferentes. Nosotros tan sólo damos fe de sus series en las que el simbolismo animal y nuestra relación con la naturaleza son evidentes muestras ilustrativas de lo que desde aquí denominamos antrozoología artística.


Mafa Alborés


Mariana Lopes (Limbo II)
Mariana Lopes (Limbo II)

Mariana Lopes (Limbo II)

Mariana Lopes (Limbo II)



Mariana Lopes (Limbo II)

 Extracto de la memoria del proyecto de la artista en su página web:

Limbo IIToda la materia orgánica sigue una trayectoria: la vida, la muerte, la descomposición y finalmente el desvanecimiento material total. La taxidermia existe debido a la inevitabilidad de la vida a desaparecer, suponiendo un intento de detener el tiempo. Las razones son varias: validación personal de un cazador, el premio; Inmortalizar una mascota, documentar una especie por razones científicas, decorar una pared, causar horror ... no es posible, sin embargo, disociarlo de la nostalgia. Además de la muerte y la destrucción, la taxidermia expone las preocupaciones que rodean las relaciones humanas con y dentro del mundo natural; La extrañeza que es ser parte y estar separado de la naturaleza. ¿Animal u objeto? ¿Animal y objeto? ... La taxidermia no se ocupa de la idea de la resurrección, sino de la idea de la eternidad. Y para eso el animal debe ser matado. Muerto pero no desaparecido, un homenaje o violación de la naturaleza, un intento de escapar a la cuestión de la vida y la muerte. "Limbo" explora la transición animal, proponiendo una reflexión sobre eso y sobre lo que resulta: no hay músculos, huesos, sangre, construidos en poliuretano y yeso, montados sobre bases metálicas cubiertas con lo único orgánico que queda: su piel.

Limbo II

All organic matter follows a trajectory : life, death , decomposition and finally total material fading . Taxidermy exists because of the inevitability of life to fade, assuming an attempt to stop time. The reasons are several: personal validation of a hunter, the prize; immortalise a pet, document a species for scientific reasons, decorate a wall, causing horror ... is not possible, however, to dissociate it from nostalgia. In addition to death and destruction, taxidermy exposes the concerns surrounding human relations with and within the natural world; the strangeness that is to be part and to be apart of nature. Animal or object? Animal and object? ... Taxidermy does not deal with the idea of ​​resurrection, but with the idea of eternity. And for that the animal must be killed. Dead but not gone, a tribute or violation of nature, an attempt to escape the question of life and death. "Limbo" explores the animal transition, proposing a reflection on that is and on what it turns out: no muscles, bones, blood, built in polyurethane and plaster, mounted on metal bases covered with the only organic thing left : their skin.


http://mariana-lopes.com/albums/limbo-ii/



Anteriormente, en Limbo I:
















miércoles, 22 de marzo de 2017

Paisajismo, ecologismo y bioarte. Acuarios y fotografía. Takashi Amano.




En El Animal Invisible intentamos ofrecer una selección de referentes relevantes para todos aquellos estudiosos o simplemente curiosos de las relaciones entre arte y ciencias naturales, entre divulgación científica y artes audiovisuales, entre filosofía y fotografía, entre zoología y artes plásticas. A veces rescatamos figuras ilustres de la divulgación científica, en ocasiones artistas influyentes, a menudo noticias significativas de la antrozoología del arte y, siempre que tenemos oportunidad, personajes influyentes de las artes (preferentemente de la fotografía y de las artes figurativas influidas por el fotorrealismo) o de las representaciones plásticas más influyentes en la historia compartida por tan dispares y, simultáneamente, tan cercanas disciplinas.

Así pues, tenemos la satisfacción de haber descubierto para nosotros mismos y para nuestros seguidores la relevancia de artistas olvidados o poco conocidos relacionados con las ciencias naturales, como Frèmiet, Rembrandt Bugatti o George Shiras, por no hablar de artesanos o industriales tan peculiares como los Blaschka y reivindicar la influencia de sus notables representaciones de la vida salvaje, ilustrativas del grado de conocimiento de la fauna y la vida natural de sus contemporáneos, pero, como es comprensible, no podemos abarcarlo todo y hemos omitido menciones a personalidades importantes o fundamentales del arte naturalista o de la divulgación del pensamiento naturalista. Querríamos dedicar un extenso monográfico que hiciera justicia a la relevante figura de Alfred Russell Wallace, por poner un ejemplo de entre los científicos, y cada día recordamos o descubrimos personajes fundamentales en la historia de las ciencias naturales amparadas en su divulgación por artistas o artesanos merecedores de un hueco en la Historia. También desde aquí hemos manifestado nuestra admiración por personajes que se han destacado por una fructífera y provechosa polidisciplinaridad, como en Robert Lang, o en figuras tan ilustres como Cuvier, excelente dibujante, lo que le permitió acrecentar sus dotes como naturalista hasta convertirlo en el padre de la anatomía comparada.

Seguramente, para muchos, el ejemplo de sabio integral continúa siendo Leonardo Da Vinci, encarnación del espíritu renacentista, científico, físico, mecánico, aeronáutico, estratega militar, ingeniero, naturalista, anatomista, pintor, dibujante y escultor notabilísimo en todas las disciplinas que desarrolló. Creemos firmemente que el desarrollo de actividades y estudios de múltiples orientaciones es beneficiosa para quien las encarna o desarrolla y especialmente para para los diferentes campos de conocimiento implicados, que se enriquecen y complementan mutuamente.
Independientemente de esto, y sean cuales sean los distintos terrenos profesionales asumidos, nos fascinan los personajes famosos por una de sus actividades pero que fueron igualmente relevantes en otras bien dispares. Pocos saben que el gran Charles Chaplin, además de actor, era también un músico y compositor notable, y que no sólo protagonizó "Candilejas", sino que fué el compositor del celebérrimo tema central, al igual que Walt Disney compuso muchas melodías célebres de sus películas de animación., como "Quién teme al lobo feroz", convertida en un himno balsámico contra la gran depresión económica de los años 30. Casi nadie sabe que la mítica estrella de Hollywood Hedy Lamarr fué también una notable científica e inventora, responsable de sistemas de codificación aplicables a la telefonía y a la programación. Uno de nuestros mayores mitos culturales, Lewis Carrol (Charles Dogson), además de las sagas literarias de Alicia en el País de las Maravillas, fué un notable matemático y especialista en lógica, ademén de uno de los más importantes exponentes de la temprana fotografía.
En nuestros actuales días de Gloria Motociclista española, y carentes de héroes del pasado como Hailwood, Read, o tantos otros británicos e italianos, se ha querido reivindicar, además del inmenso Ángel Nieto, al malogrado y prometedor Santi Herrero, y se menciona a Álex Crivillé como primer español en hacerse con la categoría reina, cuando Víctor Palomo había sido campeón FIM (al año siguiente se habría de considerar "del mundo") en 750 cc además de campeón mundial de esquí náutico. 
Ya cuando nos referimos en su día a George Shiras nos sorprendía su solvencia intachable y pionera como fotógrafo de la vida salvaje e instaurador de las trap-cameras, porque para él era una afición al margen de su profesión como abogado y político en activo.

Parecía improbable que se nos colase en el olvido alguien de semejantes características y mucho más allá que digno de reseña en El Animal Invisible, pero lo cierto es que así ha sido con uno de los grandes del arte naturalista: Takashi Amano, ilustre ciclista, excelente fotógrafo de naturaleza, paisajista y el más influyente acuarista de todos los tiempos. 
Amano consiguió hacer del arte del diseño y mantenimiento de los acuarios una extensión filosófica de raíces genuinamente japonesas, buscando la belleza en los puntos de vista selectos del arte paisajista en el que la simetría ha de prevalecer sólo evidenciándose en su rotura. La naturaleza viva, los seres vivos, se basan mayoritariamente en estructuras y patrones formales basados en la simetría, pero no así la orografía y la geografía en la que se sustenta. Las plantas renuncian a su simetría para adaptarse a las irregularidades del terreno, y el equilibrio entre lo simétrico y lo asimétrico subyace a la búsqueda del paisaje espiritual. 

Como amante de la naturaleza y como fotógrafo naturalista de depurada técnica y exquisito talento, Amano realizó excelentes fotografías encargadas de recordarnos que las deliciosas imágenes de paisajes orientales del arte tradicional extraían su inspiración de los auténticos paisajes en los que el artista observador y exigente encontraba no sólo fuentes de inspiración, sino modelos que superan las expectativas de cualquier ensoñación pictórica y, profundizando aún más en el sentido de dichas idealizaciones paisajísticas, constituyen indicios de un determinado estado de salud estrechamente ligado al equilibrio natural entre las especies de un biotopo. Esto presupone un conocimiento de las relaciones entre los distintos tipos de sustrato terrestre, las condiciones climáticas y los microorganismos que lo habitan favoreciendo el crecimiento de determinadas especies vegetales y animales.

Resulta difícil entender, para los occidentales ajenos al mundo particular del diseño y la construcción de acuarios, hasta qué punto esta actividad es importante desde un punto de vista cultural en Japón, y hasta qué extremo, tanto por sus méritos deportivos como por los fotográficos, artísticos y conservacionistas Takashi Amano fue y sigue siendo en su memoria una importante personalidad digna de todos los honores cuando se le honró a su muerte. 
No obstante, como ya hemos apuntado, en el mundo de los conservadores, diseñadores y constructores de acuarios de todo el mundo, Takashi Amano, sus acuarios y sus estudios, escritos y productos al respecto son sencillamente fundamentales. Este hecho, esta extraordinaria peculiaridad en los caminos escogidos para derrochar su talento y cosechar éxitos y reconocimiento a escala global, es la causa de que su notable labor como fotógrafo parezca meramente circunstancial, cuando, en realidad, nos encontramos ante un caso ejemplar de interacción y mutua influencia entre dos disciplinas artísticas. 

La fotografía de Amano es indisoluble de su talento como paisajista y observador analítico de los seres vivos y de los entornos naturales.

 Si recordáis alguna de nuestras anteriores entradas dedicada a los premios internacionales de este medio (concretamente ilustramos la edición 2015), otorgados en el International Aquatic Plants Layout Contest (IAPLC), veréis hasta qué punto la sombra de Amano es alargada y visible entre los mejores del mundo, mayoritariamente Japoneses, Chinos y Brasileños.
 
Pues bien: la enorme influencia del artista japonés se debe no sólo a la incuestionable y sorprendente belleza de sus creaciones tridimensionales y de sus estudiados recursos técnicos y estéticos, sino a su extraordinario talento como fotógrafo. No sólo por haber sido reconocido en cuanto a documentalista de la vida natural y su preferencia por paisajes exuberantes retratados con exquisita y sobria elegancia, sino, sobre todo, por su meticulosidad y precisón técnica a la hora de fotografiar sus creaciones acuaristas, mediante cámaras de gran formato y exposiciones múltiples ajustadas a la compleja fotometría de los diferentes niveles o estratos a causa del agua como lente y filtro de la iluminación exterior.
Muchas de sus fotografías se hicieron famosas por su tremenda capacidad para reproducir con pasmoso detalle una vida subacuática en un entorno controlado artificialmente y con una apariencia tan sorprendentemente natural como llamativamente...fotogénica.

Tanto es así que es posible asociar algunas de sus más emblemáticas capturas fotográficas con elementos formales o estéticos que inspiraron más tarde algunos de sus famosos micromundos subacuáticos.


Por ejemplo, si observáis el acuario sobre estas líneas, y el "casual" y sugestivo arco de medio punto sugerido por los restos arbóreos invadidos por las algas, veréis que conecta de algún modo con la observación de este tipo de estructuras, evocadoramente arquitectónicas, en los paisajes terrestres que fotografiaba con idéntica meticulosidad, concretamente con la toma realizada en el monte Sado, en Japón.


Frank Frazetta
Disculpad mi osadía, pero no he podido evitar asociar redundantemente esta asociación icónica a otra asociación, la que en su día establecí con Sandro Alviani y sus exposiciones zoológicas en terrarios decorados en base a estructuras escultóricas realizadas por mí.

El arco leñoso que inspiró a FranK Frazetta para una de sus célebres ilustraciones bien podría haber sido contemplado en plena naturaleza o en una fotografía (tal vez un acuario) de Amano, y esa visión pintoresca y conspicua que los rincones de las frondas naturales pueden ofrecer inspiró a Sandro Alviani para uno de los muchos terrarios que en su día me encargó sugiriéndme que empleara el recurso del tronco curvado que ofrece un paso bajo su arco, remarcando el carácter escenográfico del espacio reproducido o, cuando menos, representado.

Mafa Alborés
Sin embargo, la técnica de los trabajos realizados para Alviani era bien distinta, puesto que consistía en realizar una escultura en poliéster que más tarde sustentaría los materiales minerales, orgánicos y vegetales que "naturalizarían" el espacio y acogerían a los ejemplares zoológicos y los disimulados circuitos cerrados de agua aparentemente corriente. Las escenografías naturalistas de Amano son estudiados ecosistemas encapsulados lo más autónomos posible, pero que requieren no sólo de un esmerado mantenimiento, sino que dependen de su maduración y crecimiento para mostrarse en su máximo esplendor conservacionista y estético. Y aunque eso es algo común a cualquier acuario, terrario o acuaterrario, los especialistas en estos preservados biotopos artificiales saben que lograr lo más próximo a un mantenimiento autónomo requiere del control técnico y biológico de multitud de factores que exigen grandes conocimientos y experiencia.

No voy a negar que, después de haber prolongado tanto la omisión de Amano, le dedico por fin un comentario justo después de ofrecer las obras de Katleen Vance, que flirtean con el bioarte y algunos considerarían poco más que peculiares acuaterrarios desubicados de sus habituales espacios destinados a la divulgación pública de la biología y el entretenimiento.
Si el bioarte es aquel que reflexiona sobre la vida a través de analogías o de la presencia de seres vivos en la obra final, no cabe duda de que los jardines artificiales y los acuarios constituirían antecedentes del género artístico que asociamos a Eduardo Kac, en cuyo caso se remontaría a la antigüedad y daría muestras de lo que modernamente se ajusta a lo que reconocemos como un recipiente paralelepípedo transparente entre los siglos XVII y XVIII.

Si bien la forma de los contenedores transparentes ha sido muy variada dependiendo de su construcción, los acuarios que ofrecen una visión cuadrangular semejante a las ilustraciones de los libros, a los grabados y a las pinturas se hacen célebres en pleno florecimiento de la Ilustración y el Enciclopedismo, coincidiendo con la expansión de las rutas marítimas comerciales y colonizadoras de las grandes potencias navales. La presencia de curiosos naturalistas y coleccionistas a bordo de los navíos facilitó la ampliación de las colecciones de ejemplares vivos y muertos de animales y plantas, y los museos de Historia Natural ofrecían una visión caleidoscópica y fragmentada de la naturaleza.
Así, aunque los estanques con especies exóticas, de gran arraigo en Asia, encontraron hueco en los jardines europeos, motivaron la aparición en los libros ilustrados de imágenes de peces y vida subacuática vista de la forma más realista y natural posible: desde arriba. En realidad, fueron los primeros acuarios de paredes laterales transparentes los responsables de popularizar la imagen de paisajes subacuáticos análogos a la presentación escópica de los paisajes terrestres habituales en la pintura, de visión frontal, con el eje óptico contenido en un plano paralelo al suelo, y con un campo de visión limitado a un marco rectangular, compartiendo así una tendencia normal en la pintura y el dibujo que también había dejado huella en los dioramas y bajorrelieves. Los acuarios fueron de alguna manera una de las primeras manifestaciones de visionado tridimensional de un cuadro, aunque este cuadro surgiese de la inspiradora contemplación de las ilustraciones de libros sobre la fauna en general y de la submarina en particular.



Como podrán comprender mis lectores, para alguien que ha dedicado una parte significativa de su vida laboral al diseño y construcción de terrarios y acuaterrarios, el trabajo de Amano es sin duda fascinante y ejemplar, y constituye un ansiado paradigma de perfección que se antoja tan lejano e inalcanzable como para un músico aficionado lograr los logros de Leonard Bernstein. Pero su trascendencia como acuarista y paisajista es tan enorme que eclipsa su dimensión como fotógrafo, y no olvidemos que uno de los intereses de El Animal Invisible se proyecta hacia las reflexiones acerca de la fotografía, y nuestro trabajo diario en el ámbito de la docencia de dicha disciplina nos mantiene siempre interesados por los aspectos artísticos y técnicos de los proyectos que seleccionamos en nuestras páginas.

Es por ello que quiero intentar destacar lo máximo posible el poder y alcance del Takashi Amano fotógrafo sobre el Takashi Amano acuarista, sobre todo teniendo en cuenta nuestro particular interés y modesta afición por la fotografía de gran formato con cámaras de banco óptico, que exige pericia técnica, paciencia y meticulosidad, y Amano recurre a la exposición múltiple empleando un sorprendente número de grandes cámaras para cada toma.
El problema que quiere salvar es la dificultad de establecer ajustes fotométricos precisos para todos los niveles de profundidad de las instalaciones, como hemos dicho, y por ello busca la máxima definición y detalle en todos y cada uno de dichos niveles a los que llega cada vez menos luz cuando más cerca están del fondo del acuario. Además, los descentramientos ópticos que puede realizar con estas cámaras le permiten al fotógrafo reencuadrar, corregir la perspectiva y precisar el enfoque en planos paralelos a la pared frontal de la pecera. Técnicamente las tomas son metódicas y complejas y artística y documentalmente resultan soberbias, de ahí su eficacia a la hora de fomentar la visibilidad mediática de las obras tridimensionales que reproducen.


Traducimos un extracto de la página web de la página oficial de la empresa fundada y desarrollada por Amano:

Fotografías de paisajes. El mundo de la naturaleza en acuarios capturado por un especial método de disparo. 
La imagen de este enorme acuario (W4 × D1.5 × H1.5m) fue tomada de una manera especial que es diferente de otras fotografías de acuarios. Es posible que no lo noten, pero hay una diferencia significativa en el brillo entre por encima del agua y las secciones subacuáticas y por lo tanto, es imposible utilizar el mismo ajuste de exposición para capturar estas dos porciones diferentes de la foto.  
Para resolver este problema, se desarrolló el método de múltiples exposiciones. Con este método, las secciones anteriores y subacuáticas se capturan mediante fotografías separadas (véase la columna siguiente). Fotografiar utilizando esta técnica es un trato de un solo disparo. Utilizando un número múltiple de cámaras de gran formato, primero se toma una fotografía de la sección sobre el agua desde la posición más alejada del tanque, y luego se sigue el disparo de la sección subacuática desde el punto cercano al tanque. Esto significa que este método de fotografía requiere el doble de esfuerzo que las fotografías ordinarias.



Es espectacular ver tantas cámaras de gran formato en un lugar. Para evitar que las cámaras se vean en la imagen, la sesión de disparo se desarrolla igual que un rompecabezas.

Una película de gran formato se carga en un soporte diseñado exclusivamente para este tipo de película. La película se aspira para mantener su planitud. Esto es un esfuerzo para evitar incluso una ligera imagen fuera de foco. Una vez que se ha completado la fotografía de la parte superior (o fuera) del agua, se toma la fotografía de la parte subacuática. El entorno del tanque y las ventanas están cubiertos de negro y sólo la porción submarina se ilumina en la oscuridad.



La Amazonia como santuario e inspiración de los trabajos de Amano fue uno de los espacios donde desarrolló sus más destacados reportajes naturalistas como fotógrafo.




El acuario de la naturaleza

 Las expediciones fotográficas inspiraron el desarrollo del producto y demostraron que la teoría y los métodos únicos de ADA se ajustaban al orden de la naturaleza.


El trabajo de la vida de Amano es tomar cuadros e investigar sobre los tres bosques tropicales más grandes del mundo y los bosques prístinos en Japón. Entre muchos destinos, ha visitado numerosas veces Río Negro y otras partes del Amazonas, tierra de anhelo por los acuaristas, e introdujo los peces tropicales y las plantas acuáticas que viven en el Amazonas. Durante la expedición fotográfica en 1999, Amano tomó con éxito las imágenes submarinas de Cardinal tetra y angelfish y dio a conocer sus ambientes de vida y hábitat. Estas especies eran populares pero nadie sabía cómo sobreviven en sus hábitats en aquel momento.  


Amano dice: 

"El desarrollo del espacio está ocurriendo, pero todavía no sabemos nada de las selvas en la tierra." 

El concepto de Amano era ver el diverso ecosistema de la selva tomando sus imágenes desde el cielo (fotografía aérea), en la tierra ( Fotografías de paisaje) y en el agua (fotografía submarina). Estas expediciones fotográficas también muy a menudo fueron fuente de inspiración para el desarrollo de productos de ADA y demuestran que la teoría y los métodos de Nature Aquarium se conformaron de acuerdo al orden de la naturaleza.  
Amano dice que las experiencias en la naturaleza sin saberlo refinan su sensibilidad y se refleja naturalmente en la expresión de la disposición. Es un hecho triste que densas y exuberantes  selvas tropicales y hermosas playas de arena blanca, que Amano ha capturado con entusiasmo, se pierdan rápidamente recientemente. Amano, que ha estado observando la naturaleza de Japón y de todo el mundo, mantiene un ojo en la Madre Naturaleza mientras trabaja en temas ambientales.
  





Communicating Nature Aquarium es ahora uno de los trabajos importantes para Amano. Viaja alrededor del mundo y da enérgicamente conferencias sobre el atractivo y el conocimiento del acuario de la naturaleza para perseguir su visión de hacer del acuario de la naturaleza una cultura global común.  
Ahora que el interés por Nature Aquarium se está extendiendo por todo el mundo a través de publicaciones y el concurso internacional de diseño de plantas acuáticas, ADA recibe muchas solicitudes del "seminario de acuario natural de Amano Takashi" de muchos países.  
En el seminario, el concepto y la filosofía del acuario de la naturaleza se introducen generalmente por las presentaciones de diapositivas. Estas diapositivas están preparadas para explicar sencilla y claramente sobre cómo sentir los paisajes naturales de Amazonas, Borneo y África Occidental, así como Japón y conducirlos al nivel de inspiración para la creación de diseño. En estos seminarios, también, Amano habla de la importancia de "aprender de la naturaleza". La expresión  "aprender de la naturaleza" es, por así decirlo, una esencia de la filosofía del acuario natural y Amano piensa que es de suma importancia transmitir la filosofía primero.  
El punto culminante del seminario es un taller con la demostración de Amano de la creación de la disposición usando un acuario real. La mayoría de los acuaristas fuera de Japón han visto diseños de Acuario Natural sólo en las fotos. El taller es una buena oportunidad para los acuaristas de echar un vistazo a un verdadero acuario natural con sus propios ojos.








Origen de la Creación (proyecto fotográfico)

El libro de fotos incluye no sólo las fotografías representativas de paisajes y paisajes acuáticos de Takashi Amano, sino también su autobiografía desde la infancia y las historias de su última creación,
El acuario natural más grande del mundo en el Oceanário de Lisboa, Portugal.
Además, muestra las "últimas fotos" de Amano que capturó en la ciudad de Kagoshima donde realizó una visita para su tratamiento. Este libro le llevará al Origen de la Creación subyacente a Nature Aquarium y a las fotografías ecológicas, que Takashi Amano había estado representando.
 

 






 




http://www.adana.co.jp/en/contents/takashiamano/index.html
http://www.adana.co.jp/en/contents/gallery/index.html
http://www.adana.co.jp/en/lisbon/
http://www.theiepa.org/


Retrospectiva fotográfica Aquarium Barcelona:


November 20, 2015
Exposición fotográfica de Takashi Amano
(天野 Amano)
1954-2015 Niigata, Japón.

Para celebrar el 20avo aniversario de L’Aquàrium de Barcelona, hemos preparado una serie de actividades para celebrarlo con todos vosotros. Por ello, nos complace comunicaros que a partir del  domingo 18 de octubre y hasta  al 19 de diciembre de 2015 acogeremos la exposición del prestigioso Fotógrafo de la Naturaleza Takashi Amano.

Considerado un renacentista del siglo XXI, Takashi Amano, es un perseguidor de lo absoluto en todas las áreas en las que se comprometía; Un mundialmente reconocido naturalista inventando el Acuario Natural, dándole un giro a la pecera convencional, convirtiéndola en una obra de arte vivo en que las plantas y el paisaje son los protagonistas; Un infatigable Viajero por los cinco continentes, ya que trabajó en las selvas tropicales de La Amazonia, Borneo, África occidental y en los bosques del Japón, entre muchos otros.

Desde 1998 las fotografías de Takashi Amano se exponen en las grandes galerías y certámenes internacionales- Japón, Italia, India, Qatar… y dos de sus enormes fotografías (escala 1-1 de 4 mts x 1,50mts) del Bosque de Cedros de la isla Sado,  presidian la Cumbre del G8 celebrada el 2008 en Hokkaido Toyaka Japón. Fue el fundador y presidente de IEPA: International Environment Photographers Association.

No solamente es reconocido como un gran fotógrafo, sino que es también considerado un creador de técnicas fotográficas; Para sus múltiples viajes, trabajaba con  cámaras de gran formato y negativos de hasta 8×20 pulgadas (191mm x 498 mm) las más grandes del mundo y de fabricación exclusiva y personalizada para Sr. Amano por Fuji Film, unos negativos que superan en tamaño un 11.000 % los negativos de 35mm convencionales.

Creó  también el Nature Gallery en la que se exponen sus obras de arte: Los acuarios naturales. A raíz de dicha exposición, organizó  IAPLC, el concurso de paisajismo internacional más importante del mundo con más de 2.500 participantes de 69 países en la edición 2015. Su obra postuma: Floresta Submersa, es el acuario más grande del mundo con 40 metros de envergadura en el Oceanario de Lisboa.







Fundador - Takashi Amano

 
Amano Takashi, el fundador de Nature Aquarium. 

Su carrera abarca una amplia gama de actividades como creador de aquascape, el CEO de Aqua Design Amano Co., Ltd. y como fotógrafo de ecología y paisaje.
BIOGRAFÍA
Amano Takashi nació en Niigata-shi (Maki-machi anterior), Niigata, Japón en 1954. Ha incorporado el ecosistema y otros elementos encontrados en la naturaleza a la disposición de las plantas acuáticas y estableció su propio estilo único llamado "acuario de la naturaleza". 
 En 1982, Amano fundó Aqua Design Amano. La compañía atrajo mucha atención por su equipamiento de acuarios "Nature Aquarium Goods" de excelente calidad y diseño.  
En 1992, Amano publicó el libro de fotos "Glass no Naka no Daishizen". Este libro fue traducido a siete idiomas junto con "Mizu-Shizen eno Kaiki". Actualmente hay un número creciente de fans de Nature Aquarium en todo el mundo. Junto con las actividades como empresario, Amano ha visitado las tres grandes selvas tropicales del mundo, a saber, Amazonas, Borneo y África Occidental, y bosques prístinos en Japón desde 1975 y ha estado trabajando en series de fotos centradas en la "naturaleza virgen" con sus cámaras de gran formato. Captura detalles minuciosos de la naturaleza in situ en películas extra grandes (hasta 8x20 pulgadas).  
Las obras de Amano han sido introducidas y muy apreciadas internacionalmente a través de varias exposiciones y publicaciones. En los últimos años, Amano había dado numerosas conferencias sobre sus ricas experiencias en la naturaleza en Japón y en muchos otros países, incluyendo Alemania, Italia, Portugal, Polonia, Rusia, Estados Unidos, China, India y Malasia, Plantación de programas para proteger el medio ambiente de la tierra.



Ciclista de pista profesional, fotógrafo, diseñador y acuarista. Su interés en los acuarios lo llevó a crear la empresa japonesa Aqua Design Amano (ADA)
Amano fue el autor de Nature Aquarium World (TFH Publications, 1994), una serie de tres libros sobre acuicultura y plantas de acuario de agua dulce y peces. También ha publicado el libro Aquarium Plant Paradise (T.F.H. Publications, 1997). Una especie de camarón de agua dulce se llama "Camarón Amano" o "camarón Yamato" (Caridina multidentata, anteriormente Caridina japonica) después de él. Después de descubrir la habilidad de esta especie para comer grandes cantidades de algas, Amano pidió a un distribuidor local que ordenara varios miles de ellos [2]. Desde entonces se han convertido en un alimento básico en el pasatiempo de acuario de agua dulce. También desarrolló una línea de componentes del acuario que se conocen como ADA, y su serie del artículo del "acuario natural" apareció mensualmente en la compartimiento práctico de Fishkeeping en el Reino Unido, y la revista tropical del pescador Hobbyist en los EEUU. Murió en 2015 a la edad de 61 años. [3]


AcuarioTakashi Amano escribió sobre la acuicultura de agua dulce. Estableció un estilo distintivo del diseño con plantas.  Empleó conceptos de jardinería japonesa como Wabi-sabi y el arreglo de roca Zen. Sus composiciones del tanque intentaron imitar la naturaleza en su aspecto. Amano también utilizó ampliamente Glossostigma elatinoides y Riccia fluitans como material vegetal y utilizó el camarón como medio para controlar el crecimiento de las algas. 
Fundó Aqua Design Amano Co., Ltd. en 1982, proporcionando equipos de cultivo de plantas acuáticas. Sus libros de fotos de lo que él llamó el "Acuario de la Naturaleza", Glass no Naka no Daishizen, publicado en 1992, seguido por Mizu-Shizen eno kaiki, fueron traducidos a 7 idiomas. 
Durante su carrera en el campo de la fotografía, a partir de 1975, Takashi Amano visitó las selvas tropicales en Amazonas, Borneo y África Occidental y bosques prístinos en Japón, creando una serie de fotos centradas en la "naturaleza intacta" con cámaras de gran formato. Capturó detalles minuciosos de la naturaleza en películas extra grandes (hasta 8 × 20 pulgadas). Sus obras han sido introducidas internacionalmente a través de varias exposiciones y publicaciones. 
Amano dio conferencias sobre sus expediciones fotográficas y sus experiencias en la naturaleza en todo el mundo, y abogó por la importancia ambiental de los programas de plantación de árboles. Fue miembro de la Japan Professional Photographers Society, la Japan Advertising Photographers 'Association, la International Environment Photographers Association y la Society of Scientific Photography.G8 Hokkaido Cumbre de ToyakoDos fotos del paisaje de Takashi Amano fueron exhibidas en la 34.a cumbre del G8 Almuerzo de trabajo / sesión de trabajo de extensión de la cumbre de Tokio de Hokkaido celebrada el 7-9 de julio de 2008. Las fotos de un bosque del cedro en la isla de Sado tomado con un formato grande 8 × 20 pulgadas Cámara se exhibieron en los paneles de 4,0 × 1,5 m.
























http://amanotakashi.net/portfolio/nature_aquarium/index.html

https://en.wikipedia.org/wiki/Takashi_Amano

http://lavozdelmuro.net/descubre-los-increibles-jardines-acuaticos-de-takashi-amano-1/

http://www.acuariosplantados.com.ar/index.php/guia-acuarios-plantados/paisajismo-acuatico/acuario-holandes

https://www.kusuyama.jp/blog/culture/takashi-amano




Podéis disfrutar de un excelente y completo artículo dedicado a la vida y obra multidisciplinar de Amano a cargo de , lleno de dedicación y cariño y lo más notable acerca del autor que hemos encontrado en la red. Por mi parte he de agradecer a mi buen amigo Jordi Hernández, responsable de la instalación Bosc Inundat del Cosmo Caixa de Barcelona, por informarme acerca la trascendencia de la obra de Amano y de diversos aspectos técnicos relacionados con ella.




http://www.adana.co.jp/en/contents/takashiamano/index.html

http://amanotakashi.net/portfolio/nature_aquarium/index.html

https://en.wikipedia.org/wiki/Takashi_Amano

http://lavozdelmuro.net/descubre-los-increibles-jardines-acuaticos-de-takashi-amano-1/

http://www.acuariosplantados.com.ar/index.php/guia-acuarios-plantados/paisajismo-acuatico/acuario-holandes

http://mafa-elanimalinvisible.blogspot.com.es/2016/03/sandro-alviani-y-la-divulgacion.html

http://mafa-elanimalinvisible.blogspot.com.es/2008/10/blog-post.html