Lothar Osterburg
Lothar Osterburg es un artista de origen alemán residente en Estados
Unidos, que se ha especializado en las técnicas del fotograbado.
Trabaja con pequeños modelos esculpidos de molinos de viento, faros o
botes, entre otros, situados en entornos evocativos. Construídos con
objetos antiguos o materiales fácilmente disponibles, los modelos
presentan un aire ensoñador, ampliado por la situación de la cámara
dentro de ese mundo; la perspectiva es la de una persona que estuviera
dentro del conjunto, enmascarando el tamaño real de los objetos. El
espectador, sumergiéndose en la escena, llena los vacíos creados por la
ausencia de personajes. Los modelos más pequeños son fotografiados a
través de lentes de aumento u objetivos macro. Con ésta profundidad de
campo tan reducida, las escenas se vuelven ambiguas, misteriosas o
incluso siniestras, aún cuando de alguna manera se intuye la típica
presencia de la mano juguetona de Osterburg.
"Piranesi State 2", fotograbado, 16" x 20", lámina 20" x 27", 2008
"Piranesi project" © Lothar Osterburg
"Squatters (Ocupas)", fotograbado, 22,25" x 16,25", 2010
"Piranesi project" © Lothar Osterburg
Tanto en su estudio, como en la costa rocosa de la Mount Desert Island
en Maine o en un microcosmos de huellas de neumáticos congeladas en
MacDowell Colony, las puestas en escena mejoran las texturas de los
materiales excéntricamente diversos que utiliza el artista, creando una
tensión entre lo representativo y lo realista.
Un árbol de morera caído desde su patio trasero Brooklyn se transforma
en toda una rústica aldea costera. Grandes veleros hechos de ramas, leña
y papel higiénico, un traslúcido faro de glicerina en una isla de papa,
utensilios reciclados de fontanería, pomos de puertas de vidrio, jabón y
un mar tormentoso hecho de mantequilla de maní todos aparecen en este
mundo flotante y encantador.
"Tenements (Viviendas)", fotograbado, 22,25" x 16,25", 2010
"Piranesi project" © Lothar Osterburg
"Underground (State 2) [Subterráneo (2º estado)]", 22,25" x 16,25", 2010
"Piranesi project" © Lothar Osterburg
El fotograbado es un verdadero proceso de grabado fotográfico de tono
continuo. Las tonalidades se crean por capas de tinta, que varían
gradualmente en profundidad, con una aguatinta muy fina (con islas sin
grabado de aproximadamente el mismo tamaño) para contener la tinta. Ésto
se consigue grabando la placa gradualmente desde las sombras más
oscuras hasta las luces más brillantes. Ésta forma de fotograbado
permite producir un rango de tonos mucho más alto que cualquier otro
proceso fotográfico, desde los más profundos negros aterciopelados a las
más sensibles y brillantes luces. Paul Strand consideraba el
fotograbado perfectamente adecuado para su trabajo por la capacidad de
ésta técnica para alcanzar los casi infinitos valores tonales que van
más allá de la mano humana. La placa final es impresa, como un grabado,
en papel de alta calidad. La tinta es una tinta con base oleosa espesa
de cualquier tono o color. El resultado es una impresión fotográfica de
archivo de tono continuo en un papel a elección del artista con la placa
marcada en relieve, obteniendo una impresión final de calidad casi
tridimensional. Sin embargo, las dificultades técnicas de éste proceso
pueden parecer en ocasiones infinitas. Ansel Adams una vez dijo que el
fotograbado era una técnica hermosa, pero no le recomendaría a nadie que
la hiciera.
"Beached (Varado)", fotograbado en papel Somerset blanco, fotograbado, 11" x 14", 2009
© Lothar Osterburg
En contraste, la mayoría de las técnicas de impresión utilizan semitonos
para simular valores con puntos mayores o menores de la misma
tonalidad. Se utilizan en las pantallas tradicionales de semitonos y
periódicos, catálogos, revistas, postales y libros de arte. Los
semitonos modernos también pueden crearse por la acumulación de pequeños
puntos de igual tamaño en pantallas e impresoras de chorro de tinta. La
imágen aparece más clara y oscura, dependiendo de cuánto papel queda en
blanco y cuánta superficie queda cubierta por la tinta.
Traducido libremente del texto que describe los procesos de fotograbado en la
web de Lothar (ver "Photogravure process").
"Channel crossing with Hot Air Balloon (Cruce del canal con un globo de aire caliente)"
Fotograbado, 22" x 28", 2005 © Lothar Osterburg
"Delay on track one (Demora en la vía 1)", fotograbado, 22,75" x 35", 2009
"Piranesi project" © Lothar Osterburg
"Siempre he estado
interesado en el arte, me gustaba dibujar, pero a lo que estaba
orientado era hacia la música; tocaba el doble bajo y el piano. Seis
meses antes de que mi solicitud para el conservatorio se hiciera
efectiva, mi profesor de doble bajo me cogió a mí y a mis padres y dijo
"deberías repensar seriamente lo de tocar el doble bajo porque... no
practicas lo suficiente, sólo tocas de oído, sólo lees la música, eres
bastante holgazán"
Fue duro al
principio; yo tenía 18, así que hice lo mejor que podía: me apunté a la
escuela de arte. Antes pasé un año en el servicio militar, pero fui
objetor de conciencia, así que hice un servicio civil, y tuve la suerte
de conocer a un compañero que me ayudó a preparar mi portafolios.
Encontré en ese primer semestre en la escuela de arte lo que no había
encontrado en el doble-bajo; el amor por el trabajo en sí mismo. Iba al
estudio y olvidaba el tiempo por completo, tan sólo dibujando y pintando
me sumergía completamente en el trabajo.
La especialización
en la impresión sucedió muy temprano; yo era muy bueno en el aspecto
técnico, así que en el primer año ya había alcanzado una posición de
alumno-profesor. En la escuela de arte comencé haciendo impresiones para
otros artistas, pero antes de terminar sentí que necesitaba obetener
más experiencia. Sólo había vivido en mi ciudad natal en el norte de
Alemania. Así que en mi último año en la universidad aprovecíe un
programa de intercambio en San Francisco, y eso me abrió el campo
durante años."
De una entrevista que puede leerse completa (en inglés)
aquí.
"Downtown Transfer (State 2) [Transfer al centro (2º estado)]"
Fotograbado Hardground, aguatinta, rascado, bruñido y punta seca, 34" x 29", 2010
"Piranesi project" © Lothar Osterburg
Lothar Osterburg is a german born, USA based artist specialized in
technics of photogravures. He works with small, sculpted models of
windmills, lighthouses, sailboats among others, staged in evocative
settings. Built from memory of readily available materials, the models
have a dreamlike quality which is enhanced by the placement of the
camera within their world; the perspective is that of a person within
the set, obscuring the actual size of the objects. The viewer, drawn
into the scene, fills the gap created by the absence of people. The
smallest models are photographed through a magnifying glass or with a
macro lens. With this extremely short focal range, the scenes become
ambiguous, mysterious, or even ominous while somehow retaining the
playful quality typical of Osterburg’s hand.
"Flat Earth (Tierra plana)", fotograbado, 29,75" x 22,5", 2006 © Lothar Osterburg
© Lothar Osterburg
Whether in his studio, or against the rocky coast of Maine’s Mount
Desert Island, or in a microcosm of frozen tire tracks at the MacDowell
Colony, the staged settings enhance the textures of the artist’s
eccentrically diverse materials, creating a tension between the
representational and the realistic.
A downed mulberry tree from his Brooklyn backyard spawned an entire
rough-hewn coastal village. Tall ships made of firewood, twigs and
toilet paper, a translucent glycerin lighthouse on a potato island,
recycled plumbing supplies, glass doorknobs, soap and a stormy sea made
of peanut butter all appear in this delightful, buoyant world.
"Trailerpark (Parque de casas rodantes)", fotograbado en dos colores, 10" x 10", 2010
"Piranesi project" © Lothar Osterburg
"Watermusic: Icebound (Música marina: Varado en el hielo)", fotograbado, 7" x 7", 2005
© Lothar Osterburg
Photogravure is a true continuous tone photographic etching process.
The tonalities are created by an ink layer, gradually varying in depth,
with a very fine aquatint (unetched islands of approximately equal size)
to hold the ink. This is achieved by etching the plate gradually from
the deepest shadows to the brightest highlights. This way the
photogravure is capable of producing a much wider range of tones than
any other photographic process, from a deep velvety black to sensitive,
bright highlights. Paul Strand considered photogravure perfectly suited
for his work because of the technique's capacity to achieve the almost
infinite tonal values which lie beyond the human hand. The finished
plate is printed, as an etching, on a high quality paper. The ink is a
stiff oil based etching ink of any tone or color. The result is an
archival continuous tone photographic print on a paper of the artist's
choice with the plate mark embossed, giving the final print an almost
three-dimensional quality. However, the technical difficulties of this
process can seem equally infinite at times. Ansel Adams once said that
photogravure was a beautiful technique, but he would not recommend that
anyone do it.
In contrast, most photographic printing techniques use halftones to
simulate values with smaller or larger dots of the same tonality. They
are used in the traditional halftone screens in newspapers, catalogues,
magazines, postcards and art books. Modern halftones can also be created
by the accumulation of equal size small dots as used in the stochastic
screens of inkjet printers. The image appears lighter or darker
depending on how much white paper shows or how much area is covered by
ink.
"Library dream (Sueño de biblioteca)", fotograbado, 25" x 25", 2011 © Lothar Osterburg
"I was always
interested in art, liked to draw, but was basically geared to become a
musician, I played double-bass and piano. Six months before my
application to the conservatory was due, my double-bass teacher took me
& my parents aside and said “you should really re-think the
double-bass because…you don’t practice enough, you only play by ear, you
only read the music, you’re kind of lazy.”
It was hard at
that time, I was 18, so I did the next best thing, and applied to art
school. First spent a year in military service, but I was a
consciencious objector so did civil service, and had the luck of meeting
another fellow there who helped me put my portfolio together. I found
in the first semester in art school what I never found in the
double-bass, the love of the work itself: going to the studio and
completely forgetting time, just drawing and painting and completely
getting immersed in the work.
The
specialization of printmaking happened pretty early; I was very good at
the technical aspect of it so within a year I had a student-teacher
position. In art school I started making prints for other artists, but
before I finished, I felt I needed to get some more experience. I had
only lived in my hometown where I was born in Northern German. So in the
last year of university I took an opportunity of an exchange program in
San Francisco, and that opened a lot of years for me."
From an interview you can fully read here.
"Congestion planet (Planeta congestionado)", fotograbado a 4 colores, 7" x 7", 2008 © Lothar Osterburg
Como recientemente he estado en Vietnam, me han llamado la atención
algunos de los trabajos de Lothar que representan imágenes típicas del
país.
"Floating Village in Halong Bay (Aldea flotante en la Bahía de Halong)", fotograbado, 22" x 15", 2005
"Vietnamese Footbridge (Puente de monos vietnamita)", fotograbado, 29" x 23", 2002
Delta del Mekong, alrededores de My Tho. La fotografía es mía, tomada el 24/9/2012
